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Gesamtkatalog

Catalogue complet

Portugiesische Orgelmusik 1540-1834

Bärenreiter Urtext

Der Ruhm des "Lamento d'Arianna" aus Claudio Monteverdis Oper "Arianna" von 1608 hatte sich unter den Musikinteressierten schnell verbreitet, was schon 1614 dazu führte, dass der Komponist gewissermaßen zum Hausgebrauch in seinem 6. Madrigalbuch eine fünfstimmige Madrigalfassung veröffentlichte. Dabei griff er auf die melodische und harmonische Substanz der Vorlage zurück und beleuchtete vor allem die lyrischen Aspekte des dramatischen Texts. Bis heute vermag diese Fassung in ihrer Kombination von literarischer Tiefe und emotional ausdrucksvollem Gesang Ausführende und Publikum in ihren Bann zu ziehen.

Partitur

Lamento d'Arianna (Madrigalfassung aus dem 6. Madrigalbuch von 1614)

Dieser Band enthält 30 der bekanntesten Seemannslieder in mittlerem Schwierigkeitsgrad

Seemannslieder für Steirische Harmonika

Anton Rubinstein schrieb "Melodie in F" im Jahre 1858 als Klavierstück, das der romantischen Ära zuzuordnen ist. Im Laufe der Jahre wurde das Stück für verschiedene Besetzungen bearbeitet, darunter auch als Gesangs- oder Streicherensemblestück. Diese Ausgabe ist speziell für Violine und Gitarre arrangiert und enthält sowohl die Partitur als auch die Einzelstimmen. Für eine bessere Spielbarkeit wurde die Melodie vom Bearbeiter Kacha Metreveli nach G-Dur transponiert. Eine wertvolle Bereicherung für Zusammenspiel und Aufführung!
Bearbeitung. Kacha Metreveli

für Violine und Gitarre

Anton Rubinstein: Melodie in F, Opus 3, Nr. 1

Klavier. Partitur

Rumänische Volkstänze

Schweizerische Kunstführer

Die Walliser Orgeln: Streifzug durch ein lebendiges Kulturerbe

"... eine wirkliche Sphärenmusik des Atoms" 
 
Wann sind Lure und Ophikleide verschwunden? Was hat Fidel und Serpent in die musikalische Rumpelkammer verbannt? Und was war das erste elektrische Instrument? 
 
Autor und Musiker Marcus Seibert spürt den verblüffendsten Wendepunkten der musikalischen Evolution nach. Es sind Geschichten, die von Visionen, Experimentierfreudigkeit und Beharrungsvermögen der Instrumentenbauer:innen und Musizierenden handeln. Ebenso geht es um Modeerscheinungen, technische Innovationen bis hin zu obrigkeitlichen Eingriffen, die zahlreiche Instrumente zum Verstummen gebracht haben. Manchmal war es auch nur die Angst vor dem Neuen, weshalb sich objektiv betrachtete Verbesserungen nicht durchgesetzt haben. 
 
Dieses Buch bringt die wichtigsten historischen Musikinstrumente zum Klingen - mit Ausführungen zur Spiel- und Aufführungspraxis, faszinierenden technischen Einblicken und prachtvollen Illustrationen! 
 
 
 - Das Standardwerk für alle Musiker:innen und Musikliebhaber:innen 
- Ein völlig neuer Blick auf die europäische Musik- und Sozialgeschichte 
- 40 hochwertige Illustrationen - mit Liebe zum Detail!

Von singenden Mammuthörnern, pfeifenden Wasserorgeln und summenden Synthesizern

Das Buch der vergessenen Musikinstrumente

Rusalka op. 114 -Lyrisches Märchen in drei Akten-

Dvorák komponierte sein ambitioniertes Streichquartett in C-Dur op. 61 im Herbst 1881 im Auftrag von Joseph Hellmesberger sen., dem Konzertmeister der Wiener Philharmoniker und Primarius des Hellmesberger Quartetts. Der Auftraggeber tat es jedoch als "schwaches Werk" ab und spielte es nie öffentlich. Vielmehr fand die Uraufführung ein Jahr später in Berlin mit dem Joachim Quartett statt. Dvorák dagegen hielt sein Quartett op. 61 für "das größte und auch vollendetste" seiner bisherigen Kammermusikwerke. Dass er dabei dezidiert versuchte, das Klischee eines naiven Schreibers slawischer Melodien loszuwerden und sich in die Wiener Tradition zu stellen, zeigen die filigrane Textur des Werkes und die Anklänge an Schuberts Quintett in C-Dur und Brahms' Sextett in G-Dur. Als Hauptquelle diente dem Herausgeber Simrocks Erstausgabe der Partitur. Ebenso wurden die autographe Partitur sowie die Erstausgaben der Stimmen und der vierhändigen Klavierbearbeitung Dvoráks ausgewertet. Die Edition enthält ein Faksimile zwölf verworfener Takte der Violinsonate op. 57, die Dvorák im 2. Satz des Quartetts verwendete und weiter entfaltete.

Stimmensatz

Streichquartett Nr. 11 C-Dur op. 61

Im Jahr 1776, etwa zehn Jahre nachdem Haydn seine Tätigkeit auf Schloss Esterházy aufgenommen hatte, entstand seine Sinfonie in D-Dur Hob. I:61. Sie zeichnet sich im Vergleich zu den Sinfonien der frühen 1770er-Jahre durch einen volleren Holzbläserklang aus. Mittlerweile war nämlich die Kapelle am fürstlichen Hof für Opernproduktionen erweitert worden, was Haydn ermöglichte, nicht nur zwei Fagottstimmen, sondern erstmals auch einen Flötenpart in allen vier Sinfoniesätzen einzusetzen; seit April 1776 spielte nach längerer Zeit wieder ein Flötist in der Kapelle.

Klavierauszug vokal, Urtextausgabe

Anthem on the Peace HWV 266 (267)

Am Beispiel Josef Gabriel Rheinbergers eröffnen sich neue Perspektiven auf die kompositorische Ausbildung, den kompositorischen Schaffensprozess und auf die Auseinandersetzung mit Musik im 19. Jahrhundert: Sein umfangreiches OEuvre setzt früh ein, und auch sein Jugendwerk ist weitgehend erhalten. Darüber hinaus gehörte Rheinberger nicht nur zu den produktivsten Komponisten der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts, sondern auch zu den einflussreichsten Lehrern für Komposition.

Neben der für Rheinberger stets im Vordergrund stehenden kompositorischen Tätigkeit und seinen späteren Aufgaben als Leiter des Münchner Oratorienvereins sowie als Hofkapellmeister war er maßgeblich an der Entwicklung der 1867 gegründeten Königlichen Musikschule München beteiligt: Der Umfang seiner Schülerlisten weist ihn als einen der gefragtesten Lehrer im letzten Drittel des 19. Jahrhunderts aus, und in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts ist Rheinberger eine zentrale Figur des Münchner Musiklebens. Insbesondere sein Werk für die Orgel zählt wie die Chormusik ungebrochen zum Repertoire, während die Kammer- und Orchestermusik Rheinbergers seit Beginn des 21. Jahrhunderts mehr aufmerksamkeit erfahren.

Als München leuchtete

Josef Gabriel Rheinberger

Im Rahmen einer neuen Publikationsreihe der Museen und Sammlungen der Universität Leipzig am ZimaK verweist das Musikinstrumentenmuseum der Universität Leipzig mit zahlreichen Abbildungen auf seine Entwicklung und Bedeutung: von seiner Vorgeschichte, über die Gründung im GRASSI-Museum 1929, bis die in die Gegenwart. Daneben wird das Konzept der permanenten Ausstellung und die Bezüge zu den Objekten in ihrer musikhistorischen Dimension beschrieben. Die Publikation kann als informativer Begleiter eines Besuchs des Museums genutzt werden.

Musikinstrumentenmuseum der Universität Leipzig

Für den Orgelbau war das 19. Jahrhundert eine Zeit bedeutender Umbrüche. In den Lebensschicksalen der Bamberger Orgelbauer spiegelt sich diese wechselhafte Epoche wider: Das vorliegende Buch erzählt von vorgeblichen Tausendsassas, von schier kometenhaften Aufstiegen, aber auch von existenziellen Nöten und persönlichen Tragödien. 
Der Band bietet erstmalig eine vollständige Übersicht aller nachgewiesenen Orgeln der Bamberger Meister dieser Zeit. Er stellt auch die architektonischen, konstruktiven und klanglichen Besonderheiten ihrer Instrumente heraus. Zahlreiche Abbildungen lassen die Epoche für das Auge lebendig werden: Enthalten sind viele bislang unveröffentlichte Gehäuseentwürfe, historische Fotos nicht mehr vorhandener Orgeln sowie Farbaufnahmen aller heute bekannten erhaltenen Instrumente der Bamberger Orgelbauer des 19. Jahrhunderts. 
Mit Ergebnissen aus über 15 Jahren Recherche schließt der Band von Dr. Harald Nehr eine Lücke in der Forschung zur süddeutschen Orgelkultur. Der heimatgeschichtlich interessierten Leserschaft eröffnet das Buch Wege, den bislang wenig beachteten historischen Schätzen in fränkischen Kirchen nachzuspüren. Denn mancherorts ist der Bamberger Orgelklang des 19. Jahrhunderts heute noch erlebbar.

Lebensbilder und Werke

Die Bamberger Orgelbauer des 19. Jahrhunderts

Portugiesische Orgelmusik 1540-1834

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