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Summer (Special Edition)

'If you have yet to explore her cosmic music, begin, as Andy Beta did, with Journey in Satchidananda, then open this detailed and illuminating biography. And prepare to be transported' OBSERVER'This book is one to cancel all your plans and really sink into . . . rich and textured' SHORTLISTMusician, wife, mother, daughter, sister, grandmother, collaborator, guru, iconoclast: Alice Coltrane is one of the most forward-looking yet misunderstood artists of the last fifty years.For most of her life - and even in the decades since her passing - she was seen merely as the widow of the late John Coltrane, one of jazz's 'great men' who has long been worshipped with an almost religious fervour and devotion. Yet ever so slowly, that level of love and appreciation is also being bestowed upon Alice. Her influence can be felt on new generations of musicians, especially women, people of colour and artists who seek to combine jazz with other musical forms. In Coltrane's music, we can observe the transformation of Black American music in microcosm: the gospel roots giving rise to jazz and bebop, then intermingling with soul and R&amp;B, then onto rock, modern classical, psychedelia and new age.Cosmic Music is both the first full-length biography of Alice and a long-overdue corrective to the historical and critical record. Based on extensive research and scores of new interviews by acclaimed music journalist Andy Beta, it is the definitive account of a visionary whose influence is only just beginning to be appreciated in full.'A spiritually moving, epic love story for the ages' JAZZ TIMES'Andy Beta has a lyrical sense of the ideological mountains the couple were trying to scale with their work' NEW STATESEMAN

The Life, Art and Transcendence of Alice Coltrane

Cosmic Music

Von der Disco in den Jazz Club - Flore Benguigui ist zurück! 2024 platzte in der Welt des französischen Pop eine Bombe, als Flore Benguigui ihren Ausstieg aus der erfolgreichen Elektropop-Band L'Impératrice bekanntgab. Mit ihrem ersten Solo-Album ist sie jetzt in Bestform zurück und verbindet swingende Jazz-Songs mit Pop- und Elektro-Elementen. Die ausgebildete Sängerin und Pianistin hegte schon immer eine tiefe Liebe zu Evergreens und zu Unrecht vergessenen Klassikern von Nina Simone bis Chanson-Legende Barbara. Ihr erstes Album unter eigenem Namen greift diese Musik jetzt auf und transportiert sie ins Hier und Jetzt. Ihre unverwechselbare Stimme, flirrend und mädchenhaft, aber punktgenau und selbstbewusst, ist die Basis der Jazz-Ohrwürmer mit einer Dosis Indie-Pop, die sie mit ihrer Band The Sensible Notes erarbeitet hat. Für Pop- wie für Jazz-Fans ist ihr ein sehr hörenswertes Werk gelungen.

i-330

Das derzeitige Comeback des britischen Jazz lässt sich bis zu Courney Pine zurückverfolgen, der in den 1980er Jahren Gallionsfigur des UK-Jazz war. Der bis heute aktive Saxophonist bezieht sich in seiner Musik nicht nur auf Vorbilder wie John Coltrane, sondern hat als Acid-Jazz-Ikone auch immer Reggae, Soul und Hip-Hop in seine dynamischen Sounds miteinbezogen. 'Out Of The Ghetto - A Modern-Day Jazz Story' versammelt erstmals 28 seiner wichtigsten Tracks von Mitte der 1980er bis zu den späten 1990er Jahren auf 2 CDs. Zusammengestellt von BBC-Jazzkritiker Kevin Le Gendre und Courtney Pine, remastert, Doppel-CD im Digipak mit Booklet.

Out Of The Ghetto: A Modern-Day Jazz Story

Feebles, Fables and Ferns dokumentiert ein rares und einmalig gebliebenes Zusammentreffen der Koryphäen Mick Goodrick und Fred Hersch, die damals beide in Boston aktiv waren. Die Aufnahme entstand im August 1988 in Herschs Studio in New York. Im Rückblick auf die Session betont Hersch: 'Für mich liegt das Besondere einfach im Niveau des Zusammenspiels. Zwischen uns beiden fand damals ein äußerst intensives Zuhören statt.' Das tiefgreifende Verständnis beider Musiker für musikalische Sprache und ihre Ausdrucksmöglichkeiten auf ihren jeweiligen Instrumenten steht in diesem reichhaltigen Programm durchgehend im Vordergrund. Ihre intimen Dialoge legen jene Qualitäten offen, die beiden den Ruf einbrachten, einflussreiche Mentoren der Improvisation zu sein. Bereits bekannte Kompositionen des Pianisten und des Gitarristen erscheinen hier in konzentrierter Form, wobei Goodricks titelgebendes Stück 'Feebles, Fables and Ferns' (zehn Jahre zuvor für sein ECM-Album In Pas(s)ing aufgenommen) einen fokussierten Einblick in die spielerisch ineinander verwobenen Linien bietet, die die beiden spontan umeinander kreisen lassen. Herschs 'Heartsong', eines der harmonisch wohl faszinierendsten Originalstücke des Pianisten, bildet einen lyrischen Höhepunkt, bei dem das Thema nahtlos zwischen den beiden Instrumenten hin- und herwandert. Ergänzt werden die Eigenkompositionen durch inspirierte Interpretationen zweier Stücke von Steve Swallow ('Falling Grace' und 'Amazing'), Johnny Greens 'Out Of Nowhere', 'Soul Eyes' von Mal Waldron sowie eine Folge spontaner Improvisationen, die sich in 'Five Excursions' aneinanderreihen.

Feebles, Fables & Ferns

Inspiriert von den schattigen Cabarets und verrauchten Jazzclubs des Weimarer Berlins der späten 1920erJahre, präsentiert Bryan Ferry mit seinem Orchester auf 'Bitter-Sweet' sein Solo- und Roxy-MusicRepertoire in neuem Gewand - mit einer raffinierten Jazz-Sensibilität. Das Album besticht durch elegante Bläserarrangements, gedämpfte Trompete, Klarinettenklänge und eine Atmosphäre urbaner Melancholie, die Klassiker wie 'Alphaville', 'Reason or Rhyme' und 'While My Heart Is Still Beating' neu interpretiert. Ferry selbst steuert auf acht Titeln den Gesang bei, während die übrigen Stücke als instrumentale Neuinterpretationen präsentiert werden, arrangiert mit dem Können von Colin Good und gespielt von einem Ensemble erfahrener Jazzmusiker. Das Konzept des Albums entstand aus Ferrys Tätigkeit als Musikberater für die gefeierte deutsche Fernsehserie 'Babylon Berlin', in der einige Titel ursprünglich verwendet wurden und die filmisches Drama mit authentischem Jazz verbindet. Perfekt für langjährige Fans, Jazzliebhaber und Sammler: 'Bitter-Sweet' bietet eine neue Perspektive auf Ferrys Songwriting und ist damit ein herausragendes Album zum Ausstellen, Entdecken und Verschenken. Das Album erscheint erstmals seit 2012 wieder als limitierte rote LP und CD. Tauchen Sie ein in eine Welt, in der klassischer Art-Pop auf die wilden 20er Jahre trifft. 'The Jazz Age' interpretiert Bryan Ferrys Roxy Music- und Solo-Katalog als elegante Jazz-Instrumentals neu, präsentiert vom Bryan Ferry Orchestra. Von 'Virginia Plain' und 'Do the Strand' bis hin zu 'Love Is the Drug' und 'Avalon' - jeder Titel erstrahlt in authentischen Arrangements im Stil der 20er Jahre mit Banjo, Klarinette, gedämpfter Trompete, Baritonsaxophon und Kontrabass, komponiert vom renommierten Arrangeur Colin Good. Britische Jazz-Größen wie der Trompeter Enrico Tomasso und der Saxophonist Alan Barnes erwecken diese zeitlosen Melodien zum Leben, während die Mono-Produktion den Charme alter 78er-Schallplatten heraufbeschwört. Ferry selbst verzichtet auf den Gesang und fungiert als Dirigent und Produzent. Dieses innovative Projekt entstand aus seiner Liebe zum Jazz und seiner Neugier, wie seine Songs ohne Gesang klingen würden. Perfekt für langjährige Fans, Jazzliebhaber und designorientierte Sammler: 'The Jazz Age' bietet eine neue Perspektive auf Ferrys Werk und ist damit ein herausragendes Sammlerstück zum Entdecken, Ausstellen und Verschenken. Das Album erscheint erstmals seit 2012 wieder als limitierte Edition auf waldgrünem Vinyl (1LP) und als CD.

The Jazz Age

Die Traumstimme von Joshua Redmans Album 'where are we' mit ihrem Blue-Note-Solo-Debüt! Als Saxofonist Joshua Redman 2023 sein Album 'where are we' veröffentlichte, ließ nicht nur er damit aufhorchen, sondern auch die Sängerin auf allen Tracks: Gabrielle Cavassa. Das weltweite Echo war imposant, in Deutschland hieß es 'Top-Sängerin' (Stereoplay) und 'bringen die Luft im Studio zum Flirren' (Süddeutsche Zeitung). Bei der darauffolgenden Welttournee des Redman Quartet begeisterte die Sängerin erneut das Publikum auch in Deutschland. Mit 'Diavola' gibt Gabrielle Cavassa jetzt ihren Einstand bei Blue Note. Dort kann sie erstmals auf großer Bühne ihr Können als Sängerin und Songwriterin zeigen, sowie als Interpretin von Jazz-Standards (z.B. 'Prisoner of Love') und klassischem Pop ('Could It Be Magic') bis hin zu brasilianischen Songs ('To Say Goodbye' von Edu Lobo). Cavassas Stimme ist sinnlich und intensiv, obwohl sie mit den Melodien und Tempi spielt, bleiben Seele und Aussage der Songs intakt. 'Diavola' wurde koproduziert von Joshua Redman und Don Was und überzeugt auch durch brillante Arrangements und exquisite Musiker: Jeff Parker an der Gitarre, Paul Cornish am Klavier, Larry Grenadier am Bass, Brian Blade am Schlagzeug und Joshua Redman bei zwei Titeln am Tenorsaxofon.

Diavola

No Tomorrow

Toru Okada's cat has disappeared.His wife is growing more distant every day.Then there are the increasingly explicit telephone calls he has recently been receiving.As this compelling story unfolds, the tidy suburban realities of Okada's vague and blameless life, spent cooking, reading, listening to jazz and opera and drinking beer at the kitchen table, are turned inside out, and he embarks on a bizarre journey, guided (however obscurely) by a succession of characters, each with a tale to tell.WITH A NEW INTRODUCTION BY THE AUTHOR 'Visionary...a bold and generous book' New York Times'Murakami weaves textured layers of reality into a shot-silk garment of deceptive beauty' Independent on Sunday'Deeply philosophical and teasingly perplexing, it is impossible to put down' Daily Telegraph'Mesmerising, surreal, this really is the work of a true original' The Times

The Wind-Up Bird Chronicle

A new understanding of Marcel Duchamp and his significance as an artist through an investigation of his non-art activities—archiving, art-dealing, and, most persistently, curating. This groundbreaking and richly illustrated book tells a new story of the twentieth century's most influential artist, recounted not so much through his artwork as through his “non-art” work. Marcel Duchamp is largely understood in critical and popular discourse in terms of the objects he produced, whether readymade or meticulously fabricated. Elena Filipovic asks us instead to understand Duchamp's art through activities not normally seen as artistic—from exhibition making and art dealing to administrating and publicizing. These were no occasional pursuits; Filipovic argues that for Duchamp, these fugitive tasks were a veritable lifework. Drawing on many rarely seen images, Filipovic traces a variety of practices and projects undertaken by Duchamp from 1913 to 1969, from his invention of the readymade to the release of his last, posthumous work. She examines Duchamp's note writing, archiving, and quasi-photographic activities, which resulted in the Box of 1914 and the Green Box; his art dealing, marketing, and curating that culminated in experimental exhibitions for the Surrealists and his miniature museum, The Boîte-en-valise; and his administrative efforts and clandestine maneuvering in order to posthumously embed his Étant donnés into a museum. Demonstrating how those activities reflect the artist's questioning of reproduction and originality, as well as photography and the exhibition, Filipovic proposes that Duchamp's “non-art” labor, and in particular his curatorial strategies, more than merely accompanied his more famous artworks; in a certain sense, they made them. Through Duchamp's elusive but vital activities he revised the idea of what a modern artist could be. With this fascinating book, Filipovic in turn revises the very idea of Duchamp.

The Apparently Marginal Activities of Marcel Duchamp

Ein Instrument. Ein Jahrhundert. Ein Roman, der direkt ins Herz trifft.Im Februar 1945 nimmt ein junger Instrumentenbauer eine Mundharmonika mit an die Front, um in dunklen Stunden ein wenig Trost zu spenden. Er ahnt nicht, dass dieser unscheinbare Gegenstand der Anfang einer epischen Reise ist, die Jahrzehnte und Kontinente überdauern wird.Von den Schützengräben des Zweiten Weltkriegs über die vibrierenden Straßen von Paris bis tief in das dunkle Herz des amerikanischen Blues: Die Mundharmonika wandert von Hand zu Hand - und verändert das Leben all jener, die sie spielen. Sie hilft einem stummen Jungen, seine Stimme zu finden, spendet Geflüchteten neue Hoffnung und verbindet Liebende, deren Gefühle gegen jedes Gesetz verstoßen.'Das Echo des späten Lichts' von Lea Blum ist ein mitreißender Schicksalsroman über die heilende Kraft der Musik und eine Geschichte über Verlust, verbotene Liebe und den unbändigen Willen zu überleben&nbsp;Eine epische Jahrhundertreise: Begleite ein einzigartiges Instrument von 1945 bis in die 1990er Jahre.Ein absolutes Lese-Highlight für Fans von Trude Teige, Mechtild Borrmann und alle, die Annie Proulx' 'Das grüne Akkordeon' geliebt haben.Folge dem Klang der Geschichte - bestelle dir jetzt dieses unvergessliche Leseerlebnis und lass dich berühren!

Roman | Ein großer historischer Roman, der auch im Kleinen berührt

Das Echo des späten Lichts

One of the world’s greatest bassists lays down the heart of Black music, revealing how its rhythmic structures and the long history of the African diaspora made it the world’s most popular form.&nbsp; &nbsp; “A&nbsp;revelatory new book.”—New York Times Why do Bob Marley, John Coltrane, Aretha Franklin, and Nina Simone move us the way they do? What drives the worried notes of the Delta blues? What makes Beyoncé’s triumph Cowboy Carter inescapably great? &nbsp; &nbsp; &nbsp; As Melvin Gibbs shows in How Black Music Took Over the World, it is the musical inheritance of Africa. Beginning with two rhythmic building blocks he calls the cell and the frame, Gibbs shows how those tools can transport listeners to “a realm where sounds become vehicles for human movement.” Reforged in the African diaspora in the Americas, they are played today on church organs, electric guitars, computers, telephones, or a simple gourd. Kool &amp; the Gang called Black musicians the “scientists of sound”—and Gibbs shows how they discovered the world’s music. &nbsp;&nbsp; &nbsp; &nbsp; Gibbs’s vantage is unique. A world-class musician fluent in many genres, Gibbs is as comfortable in an old-school Times Square record shop as he is breaking down mathematics and music theory with university professors. Imbued with his own journey and a sharp eye for the sins and triumphs of history, How Black Music Took Over the World is an unforgettable revelation of one of humanity’s greatest achievements. &nbsp; &nbsp;

How Black Music Took Over the World

The first publication to focus on a rarely seen series of jazz-infused collages that explore the African American experience and the artist’s lifelong relationship to jazz music, by one of the most important and influential visual artists of the twentieth&nbsp;century. Bearden (1911–1988) was a prominent African American artist often described as the consummate jazz painter, known for his innovative collages that explored themes of Black American culture, history, and personal experiences. This publication reexamines Bearden’s life and work in the context of jazz, tracing the musician’s impact from the artists’ earliest oil paintings to his iconic collages. In 1981, Bearden created nineteen collages that the artist called his “Paris Blues,” or simply “Jazz,” series. Conceived as pages for an oversized book that would be a response to the Hollywood movie Paris Blues (1961)—though featuring Harlem and New Orleans along with Paris—the series has been little known until now. Here the wildly colorful illustrations are set alongside Bearden’s encounters with iconic jazz musicians, clubs, and cities. Examined for the first time in depth, the Paris Blues series makes a major statement on the relationships between visual art, jazz music, and urban spaces. The book also includes poignant photographs of Bearden and musicians in the 1950s–70s, such as Duke Ellington and Louis Armstrong.

Paris Blues: Painting Jazz

Romare Bearden

Summer (Special Edition)

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