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Ten One Two

Mutter Österreicherin, Vater Brite. Gitta Rupp bezeichnet sich als Kollateralschaden des Zweiten Weltkrieges - ein Besatzungskind. 
Die Mutter als Engländer-Flittchen diskriminiert, in ständiger Armut, behördlich herabwürdigend kontrolliert, aber ohne jegliche Unterstützung, muss sich mit dem Engländerkind und dessen älteren Geschwistern durchwursteln.
Die Autorin zeichnet das Portrait einer Zeitgeschichte von den Bombenruinen der Nachkriegszeit bis zum Zeitalter des allgegenwärtigen Internets aus dem Blickwinkel einer Tochter, die zeitlebens nach dem Vater "Nirgendwo" sucht.

Mein Vater Nirgendwo

Nach Oylam (2010) kehrt Mezzosopranistin, Pianistin, Komponistin und Improvisatorin Judith Berkson mit einem weiteren unkategorisierbaren und auf eigenständigste Weise fesselnden künstlerischen Epos zurück. Auf Thee They Thy führt sie ein Trio mit Trevor Dunn und Gerald Cleaver durch ein radikal wechselndes Programm, das sich neuen Vertonungen von Gebetsgesängen widmet (Berkson ist auch Kantorin), ebenso wie eigenen Stücken, vokalen Experimenten, improvisiertem Triozusammenspiel und weitere idiomatische Brücken schlägt. 'Ich betrachte die Stücke dieser Aufnahme als eine natürliche Erweiterung meiner Solowerke', meint Judith Berkson. 'Diese Idee von Liedern, die sehr intim und persönlich sind, vom Jazz geprägt mit Improvisationsinseln, zugleich aber in ihrem harmonischen und melodischen Material aus der Liedtradition und der Avantgarde schöpfen und Elemente des Minimalismus und sogar der Konzeptkunst aufnehmen.' Thee They Thy wurde in den Oktaven Audio Studios in Mount Vernon, New York, aufgenommen. Das Album wurde von Manfred Eicher produziert.

Thee They Thy

Mit Convergence, seinem zweiten Soloalbum, entwickelt der in Schweden geborene Bassist Björn Meyer sein auf Provenance (2017) begründetes musikalische Konzept weiter. Er nutzt das techni-sche Potenzial der Bassgitarre, um markante Klangfarben und reich strukturierte Texturen zu schaf-fen, und bleibt zugleich äußerst sensibel für den akustischen Raum, in dem seine Klänge entstehen und aufblühen. Diesmal hat sich die Szenerie in die Bavaria Musikstudios in München verlagert, einen Ort, der seit Langem mit Filmmusik verbunden ist, und Meyers atmosphärische Erkundungen rufen Bilder im Geist hervor. Parallel zu seinen technischen Innovationen ist er auch als Melodiker gewachsen, und vieles auf Convergence trägt eine sehnsuchtsvolle, liedhafte Qualität. Kurz gesagt: Das Album wirkt in sich abgeschlossen, mehr als nur ein Dokument instrumentaler Meisterschaft. Und Hörerinnen und Hörer, die Björn Meyers Beiträge zu ECM-Aufnahmen mit Anouar Brahem (The Astounding Eyes of Rita, Souvenance) und Nik Bärtsch (Stoa, Holon, Llyria) schätzen, werden dieses Soloalbum als bereichernde Erfahrung empfinden. Convergence wurde im September 2024 aufgenommen und von Manfred Eicher produziert.

Convergence

*An Observer Best New Biographies of 2024*?*Now in paperback!*Celebrated NPR music critic Ann Powers explores the life and career of Joni Mitchell in a lyrical style as fascinating and ethereal as the songs of the artist herself.“What you are about to read is not a standard account of the life and work of Joni Mitchell. Instead, it’s a tale of long journeying through a life that changed popular music: of a homesick wanderer forging ahead on routes of her own invention, and of me on her trail, heading toward the ringing of her voice.”—From the introductionFor decades, Joni Mitchell’s life and music have enraptured listeners. One of the most celebrated artists&nbsp;of her generation, Mitchell has inspired countless musicians—from peers like James Taylor, to inheritors like Prince and Brandi Carlile—and authors, who have dissected her music and her life in their writing. At the same time, Mitchell has always been a force beckoning us still closer, as—with the other arm—she pushes us away. Given this, music critic Ann Powers wondered if there was another way to draw insights from the life of this singular musician who never stops moving, never stops experimenting.In&nbsp;Traveling, Powers seeks to understand Mitchell through her myriad journeys. Through extensive interviews with Mitchell's peers and deep archival research, she takes readers to rural Canada, mapping the singer’s childhood battle with polio. She charts the course of Mitchell’s musical evolution, ranging from early folk to jazz fusion to experimentation with pop synthetics. She follows the winding road of Mitchell’s collaborations with other greats, and the loves that emerged along the way, all the way through to the remarkable return of Mitchell to music-making after&nbsp;the 2015 aneurysm that nearly took her life.Along this journey, Powers’ wide-ranging musings on the artist’s life and career reconsider the biographer’s role and the way it twines against the reality of a fan. In doing so, Traveling illustrates the shifting nature of biography, and the ultimate contradiction of celebrity: that an icon cannot truly, completely be known to a fan.Kaleidoscopic in scope, and intimate in its detail, Traveling is a fresh and fascinating addition to the Joni Mitchell canon, written by a biographer in full command of her gifts who asks as much of herself as of her subject.&nbsp;

On the Path of Joni Mitchell

Traveling

Now available in a compact edition, the world’s best drummers are showcased in this book of magnificent photographs and fascinating interviews by renowned photographer Deirdre O’Callaghan. 
 The drummer is usually the least well-known member of any band. Yet behind every lead singer is the person keeping the beat, and often acting as the music’s driving force. In these incredible portraits, Deirdre O’Callaghan places drummers squarely in the spotlight. Photographing her subjects in their private rehearsal spaces and residences—from studios, bedrooms, and basements to garages and gardens—allows her to capture the true essence of their personalities and lifestyles. She has photographed almost 100 celebrated musicians for the book, including Tony Allen, Ginger Baker, Travis Barker, Cindy Blackman, Patrick Carney, Terri Lyne Carrington, Chris Dave, Jack DeJohnette, Bryan Devendorf, Sly Dunbar, Steve Gadd, James Gadson, Dave Grohl, Mark Guiliana, Steve Jordan, Jim Keltner, Airto Moreira, Larry Mullen Jr., Neil Peart, Questlove, Jim Sclavunos, Ringo Starr, Lars Ulrich, Joey Waronker, and Jack White. Each image is accompanied by excerpts from O’Callaghan’s personal conversations with the drummers. The result is a fascinating look at a truly diverse world made up of people from every walk of life, united by a single, emphatic passion.

The Drum Thing (compact edition)

Das Trio-Debüt des Pianisten, Komponisten und 2025 mit dem MacArthur Fellowship ausgezeichneten Craig Taborn an der Seite von Tomeka Reid und Ches Smith wurde mit großer Spannung erwartet. In seiner Besprechung des Live-Auftritts der Gruppe im Herbst 2025 schwärmte das Hamburger Abendblatt, dass sie 'allesamt zur Speerspitze der US-amerikanischen Jazz-Avantgarde' gehörten und betonte, dass ihre Darbietung über einen strikten Jazz-Kontext hinausgeht: 'Das ist eher 'Neue Musik' - unberechenbar, aufregend und so ganz und gar nicht eingängig.' In der Tat ist der Ansatz des Trios auf Dream Archives eher von zerebraler Natur, doch wie der Titel vermuten lässt, wird ein breites musikalisches Spektrum abgedeckt: zahlreiche Idiome werden aus der Musikgeschichte entnommen und neu konfiguriert, wodurch eine zuvor ungehörte Klangwelt voller Reverien entsteht. Tänzerische Grooves und kraftvolle lyrische Passagen werden aus dicht orchestrierten Trio-Interaktionen herausgehoben, wobei vier ausgedehnte Taborn-Stücke das Fundament bilden. Mit den Trio-Adaptionen von Paul Motians 'Mumbo Jumbo' und Geri Allens 'When Kabuya Dances' werden zwei von Craigs wichtigsten Vorbildern auf meisterhafte Weise geehrt. Tomeka am Cello jongliert einerseits mit melodischer Führung, andererseits mit einem pizzicato Bassfundament, das sich - oft widerspenstig - mit Ches Smiths vielseitigem Instrumentenarsenal und Craigs umfassendem Verständnis der Klaviatur verbindet.

Dream Archives

Media Illustration

Broschürenkalender / Wandkalender. Der Kalender ist FSC zertifiziert. 16-Monats-Kalender mit internationalen Feiertagen und den Feiertagen der wichtigsten Weltreligionen. Format: 30x30 cm (geöffnet 30x60 cm)

Sprachen: Deutsch, Englisch, Französisch, Spanisch, Italienisch, Portugiesisch, Polnisch

Kalender 2027

Jazz Designs 2027

Elipsis

Für&nbsp;A Sun That Never Sets&nbsp;erweitert Ralph Alessi die Quartettbesetzung um einen fünften Musiker für ein Set aus elf neuen Kompositionen, die Alessis komplexe Schreibweise aus Reflektion und Lust am Abenteuer weiter ausführen. Das letzte Mal arbeitete Alessi in einem Quintett mit dem Saxophonisten Ravi Coltrane in seinem Ensemble This Against That zusammen, festgehalten auf dem gefeierten Album&nbsp;Imaginary Friends&nbsp;von 2019. Anstelle eines Saxophonisten tritt diesmal der Bruder des Trompeters, Joseph Alessi, hinzu und verstärkt eine ohnehin hochkarätige Gruppe mit inspirierten Posaunenlinien im häufig wilden Zusammenspiel mit der Trompete. Pianist Matt Mitchell, John Hébert am Kontrabass sowie Ches Smith an Schlagzeug und Vibraphon vervollständigen eine Band, die sich durch Alessis synkopierte Themen wie über einen Spielplatz bewegt und bei jeder Wendung neue Ausdrucksformen herausfordert. Geduldig sich entwickelndes, kontemplatives Material und kantige Strukturen mit kraftvollem Bläser-Spiel koexistieren in einem abwechslungsreichen Programm, das jeder Facette von Ralph Alessis eigenwilligem Spiel Raum zum Leuchten gibt. Das Online-Magazin&nbsp;Making A Scene&nbsp;bemerkte, dass 'Alessis Trompetenton rein und atemberaubend ist, sowohl in Bezug auf die Bandbreite als auch auf die vermittelten Stimmungen' - eine Tatsache, die sich durch das gesamte Album zieht. Mitchell am Klavier zeichnet die Themen nach und spielt zugleich 'außerhalb' der Harmonien, tanzt um die Bläser herum, während Ches Smith und Hébert den Puls flexibel und hochkonzentriert halten.

The Sun That Never Sets

Die Traumstimme von Joshua Redmans Album 'where are we' mit ihrem Blue-Note-Solo-Debüt! Als Saxofonist Joshua Redman 2023 sein Album 'where are we' veröffentlichte, ließ nicht nur er damit aufhorchen, sondern auch die Sängerin auf allen Tracks: Gabrielle Cavassa. Das weltweite Echo war imposant, in Deutschland hieß es 'Top-Sängerin' (Stereoplay) und 'bringen die Luft im Studio zum Flirren' (Süddeutsche Zeitung). Bei der darauffolgenden Welttournee des Redman Quartet begeisterte die Sängerin erneut das Publikum auch in Deutschland. Mit 'Diavola' gibt Gabrielle Cavassa jetzt ihren Einstand bei Blue Note. Dort kann sie erstmals auf großer Bühne ihr Können als Sängerin und Songwriterin zeigen, sowie als Interpretin von Jazz-Standards (z.B. 'Prisoner of Love') und klassischem Pop ('Could It Be Magic') bis hin zu brasilianischen Songs ('To Say Goodbye' von Edu Lobo). Cavassas Stimme ist sinnlich und intensiv, obwohl sie mit den Melodien und Tempi spielt, bleiben Seele und Aussage der Songs intakt. 'Diavola' wurde koproduziert von Joshua Redman und Don Was und überzeugt auch durch brillante Arrangements und exquisite Musiker: Jeff Parker an der Gitarre, Paul Cornish am Klavier, Larry Grenadier am Bass, Brian Blade am Schlagzeug und Joshua Redman bei zwei Titeln am Tenorsaxofon.

Diavola

Echomyr (Digipak)

Roland Reiter versteht Skulptur als Denkweise. Seine Arbeiten kreisen um Materialität, Handwerk, Raum und Bewegung - und um die Frage, wie Dinge Bedeutung annehmen. Industrieprodukte, Autoteile, Leder, Fell oder Haar werden zu hybriden Formationen zwischen Organischem und Technischem, zwischen Popkultur und Kunstgeschichte.
Reiters Werk speist sich aus den Bildwelten des 20. Jahrhunderts ebenso wie aus musikalischen Subkulturen. Das Automobil erscheint als schwebendes Kultobjekt, glänzend und fetischhaft aufgeladen. Metallrohre tragen Haar, Maschinen wirken androgyn, Leinwände entstehen im Rhythmus von Jazz - mit Drumsticks direkt auf dem Bildträger. Immer bleibt die Herkunft der Materialien spürbar, doch ihre Funktion wird transformiert.
Zwischen Ernst und Ironie, Referenz und Entzug schafft Reiter Arbeiten, die sich eindeutigen Zuschreibungen entziehen. Sie spielen mit Projektion, Begehren und kulturellen Mythen - und eröffnen einen Möglichkeitsraum, in dem das Vertraute fremd und das Fremde vertraut erscheint.
Die Publikation versammelt zentrale Werkgruppen und beleuchtet Reiters vielschichtiges Œuvre aus kunsthistorischer und kulturtheoretischer Perspektive. Ein konzentrierter Blick auf einen Künstler, der Skulptur als offene Form begreift - präzise, poetisch und radikal gegenwärtig im Design von Büro Perndl.

Special Feature: Das Buch enthält exklusiv einen Downloadlink zu einem Kunstwerk von Roland Reiter - eine digitale Erweiterung der Publikation und ein besonderes Extra für Sammler:innen.

Reiter Roland

Roland Reiter

Ten One Two

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