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STUFEN - ERKLIMMEN. WACHSEN

Der Editionsband vereint schriftliche Schlüsselquellen, die den Umgang des preußischen Hofes und der Dynastie mit Künstlern und Monarchenbildnissen während des langen 19. Jahrhunderts thematisieren. Dabei finden verschiedenste Gattungen für Abbildungen Berücksichtigung - Gemälde, Medaillen, Porzellan, Denkmäler sowie Druckgrafiken, Fotografien und Film.
Basierend auf einer betont kultur- und sozialgeschichtlichen Hofforschung fokussiert der Band auf das Verhältnis von Tradition und Wandel in der monarchischen Bildpolitik. Die 271 bisher unveröffentlichten Quellen dokumentieren die Beauftragung von Künstlern, Vorgaben seitens des Hofs zu Motiven und Gestaltung sowie die Verwendung und Wirkung der geschaffenen Bildnisse. Dabei werden sowohl generelle Vorgehensweisen als auch individuelle Vorstellungen einzelner Monarchen sowie in Einzelfällen die der Monarchinnen und weiterer Mitglieder der Dynastie offengelegt, anhand deren sich Veränderungen in der Bildpolitik nachvollziehen lassen.

Die Bildpolitik des preußischen Hofes 1786 bis 1918

Vom Staatsporträt zum Bild für jedermann

Boris Ferreira
Schwarze Serie


 
 Auch wenn es sich wiederholt, so ist doch das, was Boris Ferreira in seiner 
 Schwarzen Serie
 entwickelt, kein festes Bildvokabular. Es ist vielmehr eine Bewegung des Sehens.
 Der Schriftsteller Hanno Millesi macht das in seinem Text auf eine Weise sichtbar, die selten ist: Er beschreibt nicht die Bilder - er zeigt, was mit dem Betrachter passiert. Zwei Personen, ein Atelierbesuch, eine Autofahrt danach. Mehr braucht es nicht. Und doch verschiebt sich alles. Die Bilder lassen sich nicht festhalten. Sie setzen sich fort: im Kopf, im Gespräch, in der Zeit. Was im Atelier noch als einzelne Leinwand erschien, beginnt sich zu einer Sequenz zu verbinden, wie ein Film.Oder genauer: wie ein fortlaufender Denkprozess. Und damit ein klug gesetztes Intro für die weitere Bildbetrachtung. Boris Ferreiras Malerei lebt von der Spannung zwischen zwei Ebenen: einem rauen, bewegten Hintergrund und einer zweiten, fragilen Schicht davor - Linien, Formen, Ansätze von Bedeutung. Doch diese Bedeutungsversuche bleiben bewusst unvollständig. Der Künstler beschreibt sie selbst in seinem Essay als zaghaft, stotternd, scheiternd. Es geht ihm um dieses Erscheinen und Zerrinnen.Denn das, was im Bild erscheint, erschließt sich nicht derart, dass man es greifen könnte. Man kann nicht verweilen. Jede Bedeutungskonstellation bleibt vorläufig und treibt weiter - wie Wasser, das sich ständig neu formt, wie ein Mobile, das sein Gleichgewicht nur momenthaft findet.
 Hiermit berührt die Malerei eine existenzielle Erfahrung, die Ferreira mit dem Kafka-Zitat aufruft, das er im Titel seines Essays 
 "Im Gestrüpp der Auswege"
 aufnimmt. Die (Bild-)Erfahrung erscheint nicht als Erkenntnis, sondern als Bewegung. Als permanenter Übergang.
 So erklärt sich, warum sich diese Bilder jeder stabilen Lesart entziehen. Sie kippen auch zwischen Maßstäben, zwischen kleinen organischen und weltraumartigen Assoziationen. Was entsteht, ist keine Gestalt, sondern ein Feld von Möglichkeiten. Konstellationen entstehen, zerfallen, werden ersetzt. Sehen wird zu einem Wandeln in Übersetzungen, fern von einem Original.Ferreiras Malerei berührt damit etwas Grundsätzliches: Dass wir kurz Halt finden, uns aber nicht festhalten können an dem, was wir sehen. Dass wir weitergehen oder getrieben werden - aus einem Mangel, der jedoch den Kern unseres Erfahrens ausmacht. Das Bild ist hier nicht mehr das, was an der Wand hängt. Sondern was es auslöst, bevor es uns wieder entgleitet.

Boris Fereira - Schwarze Serie

Allgemeines Programm - Sachbuch

Im Alter von 13 Jahren verzichtete Aby auf seine Rolle als Erbe des Warburg-Bankhauses unter der Bedingung, dass sein jüngerer Bruder ihm zeitlebens alle Bücher kauft, die er haben möchte. Wider Erwarten sollte dieser jüdische Außenseiter, feingeistig und körperlich fragil, zu widerspenstig, um die akademische Disziplin zu akzeptieren, den Grundstein für die moderne Kunstgeschichte legen. 
Hönes folgt dem Lebensweg von frühen studentischen Arbeiten, die bereits Ansätze kompromissloser Originalität im Denken zeigen, über die erste Florentiner Zeit, die Reisen in Amerika, die Ehe mit der Künstlerin Mary Hertz, sein fortgesetztes Interesse an der Renaissance, den Aufenthalt im Kreuzlinger Sanatorium Binswanger bis hin zur Arbeit am Vortrag 'Schlangenritual' mit Fritz Saxl und am Bilderatlas 'Mnemosyne' mit Gertrud Bing.
Mit vielen Abbildungen, etwa Auszügen aus den Notizbüchern und Arbeitsentwürfen.

Der Mann hinter dem Mythos

Aby Warburg

ARENA - Take 1: Facing the Spectacle von Sebastian Wells ist eine kritische Auseinandersetzung
mit den Olympischen Spielen und den medialen Mechanismen dieses globalen Massenspektakels.
Im Gegensatz zu traditionellen Olympia-Darstellungen, in denen es meist um Triumphe, Nationalis-
mus und herausragende Leistungen geht, zeigt Wells die Strukturen des olympischen Narrativs
und der globalen Aufmerksamkeit, die es erzeugt.
Sebastian Wells, geb. 1996 in Königs Wusterhausen, ist Fotograf in Berlin, Mitglied der Agentur
OSTKREUZ und Mitbegründer des Magazins Solomiya.

Facing the Spectacle

Sebastian Wells: Arena, Take 1

FAV PIECES entfaltet ein fein gewobenes Panorama darüber, wie Kleidung zu einer zweiten Haut wird - zu Schutzraum, Erinnerungsarchiv und poetischem Resonanzkörper. Die Textildesignerin Frauke von Jaruntowski und der promovierte Kulturwissenschaftler und Designer Gerhard Andraschko Sorgo versammeln internationale Stimmen aus Kunst, Design und Kultur, die ihre liebsten Kleidungsstücke als Gefäße gelebter Zeit begreifen: als Orte von Zärtlichkeit und Aufbegehren, als subkulturelle Marker, als mythisch aufgeladene Begleiter des Alltags. Die Beiträge aus 26 Städten erzählen von Schürzen, die nach Geborgenheit duften, Jacken, die zu Talismanen werden, Stoffen, die Vergangenheit freisetzen, und Textilien, die Identität performen. So entsteht ein kaleidoskopisches Archiv persönlicher Bedeutungslandschaften, in denen Kleidung nicht nur Erinnerung trägt, sondern Wirklichkeit schafft. FAV PIECES ist ein Buch über die innere Architektur unserer liebsten Stücke und über die Welten, die sie in jedem Faden mit sich führen.

Fav Pieces

Die Publikation "Clausnitzer. My Sweet Demon" versammelt 66 Abbildungen zumeist großformatiger Ölgemälde der Künstlerin und gibt einen umfassenden Einblick in ihr Werk. In fünf Kapiteln werden zentrale Arbeitszyklen vorgestellt, die sich mit der Fragmentierung und Überlagerung von Identitäten beschäftigen. Auf verschiedenen Bildebenen entfalten sich doppelte und gespiegelte Erzählstränge: Über Zeiten und Genres hinweg treten Figuren miteinander in Beziehung und überschreiten die Grenzen zwischen Physischem und Geistigem, Erhabenem und Profanem. Motive aus dem kollektiven Bildgedächtnis, der Kunst- und Filmgeschichte sowie Elemente aus Zeitungsfotografien verbinden sich zu komplexen Bildwelten. Die im Titel angedeutete Simultanität von Hell und Dunkel, Gut und Böse, Diesseits und Jenseits prägt die Arbeiten auf inhaltlicher wie formaler Ebene. Ein ausführliches Interview ermöglicht vertiefte Einblicke in den Arbeitsprozess der Künstlerin, während ein begleitender Text von Ludwig Seyfarth das Werk kunsthistorisch einordnet.

My Sweet Demon

Clausnitzer

Zwischen 1970 und 1976 arbeitete Helmut Schweizer an seiner fotografischen Werkserie Hand-
lungen. Auf mehr als 100 dreiteiligen Bild-Tableaus inszenierte der Künstler ganz alltägliche, oft
verblüffende, zuweilen auch recht absurde Situationen. Handlungen gehört zu den wichtigsten
Beiträgen zur konzeptuellen Fotografie der 1970er Jahre. Fünf Jahrzehnte nach ihrer Entstehung
wird die Werkserie mit diesem Buch erstmals in vollem Umfang zugänglich gemacht. Hierfür wurde
das Archiv des Künstlers umfassend ausgewertet: Zum Vorschein kommt eine konzeptuell wie
ästhetisch einzigartige künstlerische Arbeit. Eine ausführliche Interpretation des Herausgebers
Steffen Siegel führt an die Werkserie heran und betont auch das politische Anliegen Schweizers:
Wie ist es möglich, das Verhältnis des Menschen zur Natur jenseits der Hierarchie von Subjekt und
Objekt, von Herrschaft und Unterwerfung zu denken?

Helmut Schweizer lebt und arbeitet als bildender Künstler in Düsseldorf. Steffen Siegel ist Professor
für Theorie und Geschichte der Fotografie an der Folkwang Universität der Künste in Essen.

Helmut Schweizer: Handlungen / Actions

Apply 101 proven methods to drive organizational innovation systematically Innovation planning requires structure, not guesswork.&nbsp;101 Design Methods: A Structured Approach for Driving Innovation in Your Organization, Second Edition, provides practitioners with a complete framework for human-centered design thinking. Written by Vijay Kumar, who spent over 40 years developing these methods at Illinois Tech's Institute of Design and Doblin, this updated edition offers actionable tools for creating products, services, and experiences. This enhanced edition includes new guidance on selecting methods for each design process stage. New case studies demonstrate applications from startups to large enterprises, based on practitioner testimonials documenting real-world outcomes. It also introduces the integration of advanced computational support into design methods, showing how these tools can act as partners across the seven modes. Rather than replacing human judgment, these interventions reinforce human-centered practice by accelerating insight, expanding creative exploration, and supporting more informed innovation choices. The book treats innovation as a collaborative science with reproducible methods rather than unpredictable art.&nbsp; You'll also discover: <ul> <li>A step-by-step framework covering observation, prototyping, building, and storytelling methodologies applicable across products, services, and organizational challenges</li> <li>Updated thinking on innovation and creativity reflecting current best practices in human-centered design and systems thinking approaches</li> <li>Practical guidance for cross-functional teams including strategists, managers, designers, and researchers working on collaborative innovation projects</li> <li>Methods applicable to diverse outcomes including products, environments, processes, policies, and experiences across any industry or organizational context</li> </ul> Designed for strategists, managers, designers, and researchers undertaking innovation challenges, this reference serves both as a learning tool for novices and a practical guide for experienced practitioners. Graduate and undergraduate students in design, engineering, and business programs will find it equally valuable for coursework and applied projects.

A Structured Approach for Driving Innovation in Your Organization

101 Design Methods

Urs Grunder führt die Fotografie in Bildräume, die sich zwar vertraut geben, aber doch ins Unbekannte weisen. Ausgangspunkt sind selbst aufgenommene Fotografien, die er in einem aufwendigen Prozess immer neuen Veränderungen unterzieht. Nachdem ersten, intuitiven Blick wird das Bild beim zweiten, reflektierenden Blick in ein Werk transformiert, das sich vom ursprünglichen Motiv entfernt. So entsteht eine komplexe, vieldeutige Bildwirklichkeit, in der das Wiedererkennbare zerfällt und sich etwas Neues formt. Der Titel verweist auf die "dritte Bedeutung" - jene leise, dazwischenliegende Ebene, die erst beim wiederholten Betrachten freigelegt wird. Grunders Arbeiten kreisen um Wahrnehmung, Wirklichkeit und die Frage nach dem eigenen Ort darin. 
Das Buch versammelt Werke der letzten 50 Jahre und gibt einen retrospektiven Überblick über die unterschiedlichen Schaffensphasen. Neben bisher unveröffentlichten Bildern aus der analogen Ära werden auch neue Arbeiten präsentiert, die unter dem Einsatz verschiedenster technischer Mittel entstanden sind.

Der dritte Blick

Urs Grunder

Seit seinem Wechsel nach Frankfurt hat der mehrfach ausgezeichnete Fotograf Wolfgang Stahr die Stadt mit einer fast ethnografischen Neugier erkundet. Wolfgang Stahrs Frankfurt-Serie untersucht die Metropole als komplexes Gefüge aus räumlichen Strukturen, Materialien und Bedeutungsebenen. Menschen treten kaum auf; stattdessen rücken Infrastruktur, Oberflächen und historische Schichtungen in den Vordergrund. Niklas Maak dazu: "Viele von Wolfgang Stahrs Stadtaufnahmen sind der Malerei näher als der Fotografie, einige erinnern mit den großen Flächen und den genau gesetzten Farbakzenten an Farbfeldmalerei, viele an die Werke de Chiricos und Edward Hoppers: das surreale, frühe Licht weht einen Zauber in die Straßen." Die Fotografien wechseln zwischen Nahaufnahme und weiter Ansicht, ohne ein bestimmtes Narrativ zu behaupten - sie eröffnen Räume des Sehens. Schriftzüge, Fassaden und architektonische Überlagerungen machen Frankfurt als urbanes Palimpsest sichtbar, das sich ständig verändert und vielfältige Lesarten zulässt. Noch einmal Niklas Maak: "Stahrs Bilder sind keine Sehvorgaben, sondern Wahrnehmungsangebote."

SENTIMENT INDEX Frankfurt Main

Ausstellungskataloge / Diözesanmuseum für christliche Kunst des Erzbistums München und Freising

Die Ausstellung spannt den Bogen über ein Jahrhundert religiöser, politischer und kultureller Umbrüche. Mit Ludwig I. trat 1825 ein Monarch sein Amt an, der sein Handeln von der Idee des Gottesgnadentums ableitete. In ihm verband sich die Vision eines erneuerten christlichen Königtums mit einer tiefgreifenden Umgestaltung Münchens. Hundert Jahre später, 1925, setzte das von Pius XI. eingeführte Christkönigsfest einen bewussten Kontrapunkt. Es formulierte eine neue Herrschaft als geistige und moralische Ordnung jenseits nationaler Grenzen. Dazwischen spiegeln sich in rascher Folge abwechselnde künstlerische Strömungen von der Akademiemalerei über den Historismus und Naturalismus bis zum Blauen Reiter und den Bewegungen der Münchener Sezession die tiefgreifenden gesellschaftlichen Veränderungen. Sie vereint jedoch die Suche nach einer neuen Wahrheit in der Kunst.

Von Ludwig I. zum Blauen Reiter

Himmlisches Wiedersehen

Inszenierte Fotos rücken gesellschaftliche Konstrukte ins Bild, die unsere zwischenmenschlichen Beziehungen definieren.

"Archipelago" stellt die Widersprüchlichkeit menschlicher Beziehungen länder-, generations- und geschlechterübergreifend in den
Mittelpunkt. Yolanda del Amo untersucht, wie unsere Sehnsucht nach Nähe und unser Wunsch nach Alleinsein nebeneinander existieren können. Die Beziehung zwischen den Menschen in ihren Bildern wird durch die Umgebung definiert, die umgekehrt wie eine psychologische Erweiterung der Charaktere fungiert. Das Projekt berührt Themen wie Gesellschaftsschicht, Geschlecht, Intimität und gesellschaftliche Verbundenheit in unserer heutigen Zeit. Als Inspirationsquelle dient del Amo das tägliche Leben. Ihre Modelle sind Freund:innen und Familienangehörige, die von ihr theatralisch in Szene gesetzt werden, wodurch Realität und Fiktion verschmelzen.
Del Amo (*1967) lebt in New York City.
Ihre Arbeiten wurden international ausgestellt
und sind in wichtigen Sammlungen vertreten.

Archipelago

Yolanda del Amo

STUFEN - ERKLIMMEN. WACHSEN

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