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Denson S: Bride of Frankenstein

Bride of Frankenstein

Suburbia. Say the word and a stream of images pass before your eyes: white picket fence, neatly mowed lawns, winding roads nicely lined with trees, pastel-tinted bungalows, bored housewives, conspicuous consumption. We all know what the suburbs are about. Or do we? This book looks again at the filmic and televised spaces we think we know so well. How are these spaces built up? What is it that makes us recognize them as suburbs? How do they function? By exploring in detail the hometowns of Desperate Housewives, The Simpsons, King of the Hill, Happiness, Pleasantville, Brick and Chumscrubber, Scenes from the Suburbs examines what it means to be suburban today. An essential read for academics concerned with the ways in which our understandings of space and place change, this book will be particularly relevant for students and researchers in Suburban Studies, Film and Television Studies and Urban Geography.

The Suburb in Contemporary US Film and Television

Scenes from the Suburbs

2013 wurden in Deutschland 85 Prozent aller Filme von Männern und nur 15 Prozent von Frauen inszeniert. Dem standen 42 Prozent Regie-Absolventinnen gegenüber, die jährlich die Filmhochschulen verließen. Zehn Jahre später wurden immerhin bereits 38 Prozent aller Fernsehfilme von Frauen inszeniert. Doch noch immer wirken überkommene patriarchale Strukturen, die zementieren wollen, wer die Macht, das Geld und das Sagen hat. Es scheint etwas Grundsätzliches nicht zu stimmen. Um einen Wandel zu provozieren, müssen Geschichten und Rollenbilder neu erzählt werden, muss an verkrusteten Strukturen gerüttelt und müssen neue Perspektiven eingenommen werden - mit neuen Werten, neuen Verhaltensweisen und einer neuen Verteilung der Posten. 
Zwölf Regisseurinnen haben in ihrer Branche den Stein ins Rollen gebracht und die deutsche Filmlandschaft verändert: Mit der Gründung des Vereins 'Pro Quote Regie' 2014 und der Erweiterung zu 'Pro Quote Film' 2018 sind endlich auch Inklusion und Diversität selbstverständliche Themen in der Film-und Fernsehbranche geworden. Welche Hürden und Mächte es zu überwinden galt, davon erzählt dieses Buch. 
Zugleich möchte es eine augenzwinkernde Anleitung und eine Ermutigung zum Nachmachen sein - für alle, die etwas ändern und damit letztlich unsere Demokratie stärken wollen, branchenübergreifend und übertragbar auf alle gesellschaftlichen Bereiche.

Empowerment - Heldinnenreise - Gebrauchsanweisung für die politische Arbeit

12 Regisseurinnen schreiben Geschichte

Anleitung für eine Rebellion

Willkommen im Jurassic Park!
1993 präsentierte Regisseur Steven Spielbergs Jurassic Park eine Insel voller Ehrfurcht gebietender Dinosaurier, die das Publikum auf der ganzen Welt fesselten. Die erfolgreichen Fortsetzungen The Lost World: Jurassic Park und Jurassic Park III ließen nicht lange auf sich warten, begleitet von einer Fülle an Spielzeugen, Comics und Videospielen. Zum ersten Mal nimmt Jurassic Park: Das ultimative Kompendium den Leser mit auf eine Reise in die Entstehung der Filme und die weite Welt der Saga. Mit Schilderungen beteiligter Kreativköpfe wie Spielberg, Produzentin Kathleen Kennedy und den Stars Sam Neill, Laura Dern und Jeff Goldblum wartet dieser äußerst umfassende Band mit einer Vielzahl seltener Einblicke hinter die Kulissen auf, sowie mit exklusiven Fotos, Storyboards und Konzeptzeichnungen.

MIT 19 FANTASTISCHEN EXTRAS, inkl. der authentischen Jurassic-Park-Broschüre, dem Cover von Dr. Alan Grants Buch und einer Jurassic-Park-Postkarte.

Jurassic Park: Das ultimative Kompendium

Film-Konzepte

Wolfgang Kohlhaase (1931-2022), dessen Schaffen über 30 Filme umfasst und sich weit über ein halbes Jahrhundert erstreckt, gehört zu den bedeutendsten Drehbuchautoren der (deutsch-)deutschen Filmgeschichte. Seine Zusammenarbeit mit den Regisseuren Gerhard Klein und Konrad Wolf bei Filmen wie BERLIN - ECKE SCHÖNHAUSER (1957), ICH WAR NEUNZEHN (1968) oder SOLO SUNNY (1980) hat Meilen-, zugleich immer auch Stolpersteine in die Geschichte der DEFA gesetzt. Seine Drehbücher für Andreas Dresen (u.a. SOMMER VORM BALKON, 2005, ALS WIR TRÄUMTEN, 2015), aber auch Volker Schlöndorff (DIE STILLE NACH DEM SCHUSS, 2000) oder Matti Geschonneck (IN ZEITEN DES ABNEHMENDEN LICHTS, 2017) haben verlässlich für künstlerische Höhepunkte des Nachwendekinos gesorgt. 
Die Beiträge zu diesem Band schlagen thematische und motivische Schneisen durch das umfangreiche Gesamtwerk Kohlhaases. Sie widmen sich der Darstellung von Nationalsozialismus und Zweitem Weltkrieg in seinen Filmen, gehen dem wiederkehrenden Thema eines geteilten Deutschland nach, diskutieren seinen Umgang mit Frauenfiguren und jugendlichen Helden und betrachten das Wechselspiel von Humor und Lebensnähe. Ein persönliches Porträt Kohlhaases und unveröffentlichte Texte aus dem Nachlass runden den Band ab.

Wolfgang Kohlhaase

Carl Theodor Dreyer (1889-1968) ist der bedeutendste Filmemacher des dänischen Kinos und bis heute einer der eigensinnigsten Künstler, die im Laufe der Filmgeschichte in diesem Medium gearbeitet haben.
Dreyers ästhetisch kompromisslose Haltung führte dazu, dass er über den Zeitraum eines knappen halben Jahrhunderts in fünf verschiedenen Ländern lediglich 14 Spielfilme realisieren konnte. Nimmt man nur die bekanntesten - "La Passion de Jeanne d'Arc" (1928), "Vampyr" (1932), "Ordet" (1955) und "Gertrud" (1964) - zum Maßstab, so deutet sich in ihnen bereits eine thematische und formale Vielfalt an, die für sein Schaffen insgesamt charakteristisch ist. Das allen seinen Filmen Gemeinsame und Besondere wird dabei oft an ihrer Spiritualität festgemacht. Für Chris Marker waren Dreyers Filme schlicht an die Ewigkeit gerichtet. Paul Schrader sprach gar von einem "transzendenten Stil", mit dem die gewohnten Raum- und Zeitverhältnisse zur Auflösung gebracht werden. Das Geheimnis der Unverwechselbarkeit eines Dreyer-Films ist damit jedoch längst noch nicht gelöst. Die Beiträge zu diesem Band setzen ganz eigene Schlaglichter auf ein Werk, dessen innere Komplexität und unverbrüchliche Schönheit es immer wieder neu zu entdecken gilt.

Carl Theodor Dreyer

John Ford at Work: Production Histories 1927–1939 explores the evolution of John Ford's career in the Hollywood studio system of the 1930s as the system itself changed in response to the coming of sound and the business downtown instigated by the Depression. Based upon a decade of research utilizing the studio files of Twentieth Century-Fox, RKO and Samuel Goldwyn, it delineates the director's collaborations with the producers, screen- writers, actors and cinematographers that had the most impact on his production practices. It traces the major literary, cinematic and musical sources from which he drew. It considers relevant changes in film technology and seeks to explain how they were incorporated into his style. Films analyzed include 4 Sons, The Black Watch, Arrowsmith, Air Mail, The Lost Patrol, The Informer, Judge Priest, Steamboat Round the Bend, The Prisoner of Shark Island, Wee Willie Winkie, Stagecoach and Young Mr. Lincoln.

Production Histories 1927-1939

John Ford at Work

Jeanine Meerapfel ist eine der wichtigsten Autor- Regisseurinnen der Bundesrepublik. Migration und Mehrsprachigkeit, Heimatverlust und -suche sowie weibliche und jüdische Perspektiven prägen ihre Filme.

Das Schaffen der 1943 in Buenos Aires geborenen Filmemacherin umfasst Spiel- und Dokumentarfilme wie Im Land meiner Eltern (1981), Malou (1980), La Amiga (1987/88) oder Eine Frau (2022). Als Professorin unterrichtete sie Filmstudierende und prägte als Präsidentin zehn Jahre lang die Akademie der Künste in Berlin. Ihr Werk trägt deutsch-jüdische Geschichte(n) von Flucht, Exil und (Un)Zugehörigkeit ebenso ins deutsche Kino wie einen Blick auf sogenannte Gastarbeiter:innen, den andauernden Rassismus der Bundesrepublik oder die fortwirkende NS Vergangenheit, die ihre Schatten auf die Gegenwart wirft und das Leben von nachgeborenen Generationen prägt. Doch Meerapfels Werk entzieht sich einer allzu einfachen Kategorisierung und erzählt in poetischen Bildern immer auch von der Schönheit des Lebens.

Der Band widmet sich den Bezügen zu Lateinamerika, den Auseinandersetzungen mit bundesrepublikanischer Gegenwart, Generationenverhältnissen und dem Umgang mit Erinnerung in den Filmen Jeanine Meerapfels, begleitet von einem biografischen Porträt und einem Gespräch mit der Filmemacherin über ihre filmische Arbeit.

Jeanine Meerapfel

An incisive analysis of contemporary crime film in Brazil, this book focuses on how movies in this genre represent masculinity and how their messages connect to twenty-first-century sociopolitical issues.

Neo-Authoritarian Masculinity in Brazilian Crime Film

What do Vincent Price, Harrison Ford, Jackie Chan, and Uma Thurman all have in common with Frank Lloyd Wright? Answer: The Movies.﻿The influence of Frank Lloyd Wright on architecture can't be overstated, and his unique creations have also left a lasting impression on movie audiences. From the Marin County Civic Center's starring role in George Lucas's first feature film to the famous Ennis House appearing in multiple movies, eight of Wright's California buildings have served as dramatic settings for stories about power, wealth and dystopian futures. Inspiring generations of filmmakers, these sites--both public and private--remain some of the most iconic places captured on film. With behind-the-scenes production facts and a peek into Wright's design process, author Mark Anthony Wilson recounts the legacy of Frank Lloyd Wright's architecture in the movies.This book features: <ul><li>120 color and black and white images, including scenes from popular Hollywood films such as Blade Runner, Black Rain and A Summer Place, as well as cult favorites like House on Haunted Hill, Permanent Midnight, and Cannibal Women in The Avocado Jungle of Death.</li><li>Little known facts about how Frank Lloyd Wright's work influenced Alfred Hitchcock and about Wright's friendship with Walt Disney and his comments about some of Disney's most famous films.</li><li>Detailed information about how to visit those Frank Lloyd Wright buildings in this book that are open to the public.</li><li>The controversies created by several of these films that caused members of some audiences to leave the theater in moral outrage and caused other audiences to scream in horror.</li><li>Behind-the-scenes comments by Hollywood directors and producers about why they chose to use Frank Lloyd Wright buildings or design features in their films.</li><li>A look at how Frank Lloyd Wright's design philosophy influenced the style of Hollywood films and how some of his strong-willed female clients got him to change the design of their homes.</li><li>Why Frank Lloyd Wright was accused of being a "communist sympathizer" and "un-American" near the end of his career, and why this nearly derailed the construction of one of his most famous buildings.</li></ul>

Iconic California Sites on Film

Frank Lloyd Wright in the Movies

Fotografieren wie Wes Anderson. Ein praktischer Guide - Mit vielen Tipps zu typischen Bildkompositionen und Step-by-Step-Anleitungen

Shoot Like Wes

Succinct and comprehensive, this updated and expanded edition of A Short History of Film provides an accessible overview of the major movements, directors, studios, and genres from the 1880s to the present.

A Short History of Film

Cutaways

"Beugnet's ingenious insights seep like a fog into once-crisp categories of film analysis, unsettling notions of blur as visual deficiency. Near-sighted characters, formless smudges, teary and weary vision, and perspectival and atmospheric distortions energize this compelling love song to the affordances of and cinematic predisposition toward visual chaos, vagueness, uncertainty and confusion. Clearly, it's the perfect moment for both cinema and blur."--Karen Redrobe, author of Crash: Cinema and the Politics of Speed and Stasis In cinema, blurriness is usually intended to go unnoticed. When it appears it is either considered an error -- a mistake of focus or a technological failure -- or a background effect of shallow focus intended to offset a defined image. As Martine Beugnet argues, however, blur is an essential feature of the cinema, possessing its own properties and affordances, and capable of powerful effects. Examining an array of notable examples of blurriness from horror to art cinema and experimental film, and including the works of the Lumière brothers, Josef von Sternberg, Agnès Varda and many others, she develops a taxonomy of blurs, from speed and motion blur to the hand-held, "shaky camera" blur common in contemporary digital cinema. These wide-ranging instances all return the viewer to the sensorial and material qualities of the moving image. In the face of technological developments that valorize sharpness as an indicator of progress, blur stands as a provocative reminder of the value of uncertainty--a sign of the irreducible mystery at the heart of the filmic image. Martine Beugnet is Professor in Visual Studies at the Université Paris Cité and a member of ECHELLES, a CNRS research institute.

Blur

Bride of Frankenstein

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