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Denson S: Bride of Frankenstein

Bride of Frankenstein

Über das Reisen, die Menschen und die schönen Zufälle im Leben Drei Männer im roten Bus. 40 Jahre lang ist Franz Xaver Gernstl mit zwei Freunden kreuz und quer durch die Welt gereist - auf der Suche nach guten Geschichten und besonderen Menschen. Menschen auf dem Land und in der Stadt, am Rand der Gesellschaft und auf der Überholspur. Wie leben sie? Was treibt sie an? Wovon träumen sie?Daraus wurde die BR-Kultserie 'Gernstl unterwegs'. In gut 1000 Gesprächen erzählen Menschen von ihrem Leben. Offen, direkt und manchmal ziemlich schräg. Aber wie kommt es zu solchen Begegnungen? Kann man den Zufall planen? Oder heißt es am Ende einfach: Glück gehabt?!Gernstl erzählt von den besten Geschichten, von den wilden Jahren 'on the road' und von dem, was er gefunden hat, ohne je danach gesucht zu haben: ein abenteuerliches Leben mit seinen besten Freunden und eine Ahnung davon, was Glück bedeutet. <ul><li>Einer der erfolgreichsten, preisgekrönten Film- und Fernsehmacher Deutschlands gibt erstmals Einblicke in sein Leben und Arbeiten.</li><li>Wie kam es zur Erfolgsserie 'Gernstl unterwegs', die über Jahrezehnte hinweg fester Bestandteil der TV-Landschaft war? </li><li>Die besten Geschichten aus den wilden Jahren on the road!</li><li>Stories aus 40 Jahren 'Rumfahren und Filmemachen'.</li></ul> Ausstattung: Mit zahlreichen Fotos

Über das Unterwegssein, das Filmemachen und das Leben an sich - SPIEGEL-Bestseller

Glück gehabt!

Die Filme der HFF München

Die Reihe "Die Filme der HFF München" präsentiert anhand von Bild- und Textmaterial ausgewählte Produktionen der Hochschule für Fernsehen und Film in München seit ihrer Eröffnung im Jahre 1967. Der vierte Band widmet sich den Filmen der 2000er Jahre, einem Jahrzehnt des Wandels und der Neuausrichtung.
Prägend für die Nullerjahre an der HFF sind der bevorstehende Umzug von Giesing ins Kunstareal München sowie internationale Erfolge u. a. bei den "Oscars" mit Filmen wie "Die Geschichte vom weinenden Kamel" und "Das Leben der Anderen". Ebenso markiert dieses Jahrzehnt die Entstehung des "Neuen bayerischen Heimatfilms", die Münchner Anfänge der "Berliner Schule" und den technischen Wandel hin zur digitalen Filmherstellung. Werke von Absolvent:innen wie Maren Ade, Byambasuren Davaa, Christian Ditter, Tim Fehlbaum, Dennis Gansel, Florian Henckel von Donnersmarck, Christoph Hochhäusler, Baran bo Odar, Marcus H. Rosenmüller und Hans Steinbichler hinterlassen bis heute einen nachhaltigen Eindruck. Zudem ermöglichen dokumentarische Momentaufnahmen und experimentelle Kurzfilme einen tiefen Einblick in die Gedanken- und Gefühlswelt einer neuen Generation von Filmemacher:innen.

Bilder aus der Zeit des Wandels

Memory, Subjectivity and Independent Chinese Cinema provides a historically informed examination of independent moving image works made between 1990 and 2010 in China. Showcasing an evolving personal mode of narrating memory, documenting reality, and inscribing subjectivity in over sixteen selected works that range from narrative film and documentary to experimental video and digital media (even including a multimedia avant-garde play), this book presents a provocative portrait of the independent filmmakers as a peculiarly pained yet active group of historical subjects of the transitional, post-socialist era. Through a connected investigation of cultural and cinematic concepts including historical consciousness, personal memory, narrative, performance, subjectivity, spatiality, and the body, Wang weaves a critical narrative of the formation of a unique post-socialist cultural consciousness that enables independent cinema and media to become a highly significant and effective conduit for historical thinking in contemporary China. Covering directors such as Zhang Yimou, Chen Kaige, Jia Zhangke, Jiang Wen, Lou Ye, Meng Jinghui, Wang Bing, Wang Guangli, Duan Jinchuan, Cui Zi'en, Shi Tou, and Tang Danhong, this book is essential reading for all students and scholars in Chinese film.

Memory, Subjectivity and Independent Chinese Cinema

2013 wurden in Deutschland 85 Prozent aller Filme von Männern und nur 15 Prozent von Frauen inszeniert. Dem standen 42 Prozent Regie-Absolventinnen gegenüber, die jährlich die Filmhochschulen verließen. Zehn Jahre später wurden immerhin bereits 38 Prozent aller Fernsehfilme von Frauen inszeniert. Doch noch immer wirken überkommene patriarchale Strukturen, die zementieren wollen, wer die Macht, das Geld und das Sagen hat. Es scheint etwas Grundsätzliches nicht zu stimmen. Um einen Wandel zu provozieren, müssen Geschichten und Rollenbilder neu erzählt werden, muss an verkrusteten Strukturen gerüttelt und müssen neue Perspektiven eingenommen werden - mit neuen Werten, neuen Verhaltensweisen und einer neuen Verteilung der Posten. 
Zwölf Regisseurinnen haben in ihrer Branche den Stein ins Rollen gebracht und die deutsche Filmlandschaft verändert: Mit der Gründung des Vereins 'Pro Quote Regie' 2014 und der Erweiterung zu 'Pro Quote Film' 2018 sind endlich auch Inklusion und Diversität selbstverständliche Themen in der Film-und Fernsehbranche geworden. Welche Hürden und Mächte es zu überwinden galt, davon erzählt dieses Buch. 
Zugleich möchte es eine augenzwinkernde Anleitung und eine Ermutigung zum Nachmachen sein - für alle, die etwas ändern und damit letztlich unsere Demokratie stärken wollen, branchenübergreifend und übertragbar auf alle gesellschaftlichen Bereiche.

Empowerment - Heldinnenreise - Gebrauchsanweisung für die politische Arbeit

12 Regisseurinnen schreiben Geschichte

Anleitung für eine Rebellion

Richard Dindo (1944-2025) ist ein herausragender Exponent des Schweizer Dokumentarfilms. Mit 'Die Erschiessung des Landesverräters Ernst S.' hat er tief auf das helvetische Selbstverständnis eingewirkt. Öffentlich aufgerüttelt haben auch 'Schweizer im Spanischen Bürgerkrieg' und Untersuchungen zum gewaltsamen Tod von Jugendlichen in den 1980er-Jahren ('Dani, Michi, Renato &amp; Max', 'Verhör und Tod in Winterthur'). Dindos Motivation galt der Erinnerung an Widerständige, an Rebellen und Träumer, oft mit Blick auf deren utopisches Potenzial. Mehr und mehr ist er dabei in autobiografischem Material fündig geworden: bei Max Frisch vorab, bei Jean Genet, Ernesto 'Che' Guevara, Arthur Rimbaud, Max Haufler, Charlotte Salomon, Henri Matisse oder Paul Gauguin. Bislang hat eine eingehende Darstellung von Dindos Methode filmischer Rekonstruktion von Erinnerung gefehlt. Ausgehend von seiner Prämisse, dass Nichterinnerung Selbstzerstörung ist, erhellt dieser Streifzug durch das OEuvre seine Bedeutung und Vielseitigkeit.

Ein Streifzug durch seine Filme

Richard Dindo, Erinnerungsarbeiter

Film-Konzepte

Yorgos Lanthimos gehört zu den prägnantesten, gleichzeitig wandelbarsten Regisseuren des Gegenwartskinos. Seine Wurzeln hat er im sogenannten Weird Greek Cinema, dessen international bekanntester Vertreter er wurde. 
Lanthimos' noch in Griechenland produzierte Filme "Alps" und vor allem "Dogtooth" wurden zu Klassikern eines neuen Kinos der Groteske, in deren Mittelpunkt provokante Sozialkritik im Sinne einer Sezierung der Kommunikations- und Emotionsdefizite zeitgenössischer Gesellschaften steht. Diese Themen übertrug er dann auch auf seine internationalen Produktionen wie "The Lobster" oder "The Killing of a Sacred Deer", für die er trotz ihrer Sperrigkeit schnell Starbesetzungen aufbieten konnte. Gleichzeitig blieb Lanthimos seinen Wurzeln treu, neben dem opulenten Oscar-prämierten Kostümfilm "Poor Things" produzierte er zeitgleich den "kleinen", an seine frühen griechischen Filme angelehnten Ensemblefilm "Kinds of Kindness". Dass er mit "The Favourite" auch bedenkenlos ins Mainstream-Fach wechseln konnte, ohne seine ihm eigene Bildsprache zu verlieren, spricht für die Vielseitigkeit und Kreativität eines der interessantesten Filmemacher unserer Zeit.

Yorgos Lanthimos

Gegenwärtig erleben wir eine zunehmende gesellschaftliche Diversifizierung und zugleich einen rechtskonservativen Backlash gegen diese Tendenz. In dieser paradoxen Situation gleichzeitiger Fort- und Rückschritte ist eine wissenschaftliche Auseinandersetzung mit Differenz enorm wichtig. Diese kann sich auf Kategorien wie Geschlecht, Klasse, 
 race
 , Alter oder Mensch/Tier beziehen; Differenzierungen finden sich aber auch in Film und Medien, wenn es um Gegensätze wie hell/dunkel oder Close Up/Totale geht. All diese und weitere Dimensionen von Differenz nimmt der Band als komplexe Gebilde kritisch in den Blick und bezieht sie (neu) aufeinander.
 Im Mittelpunkt der Beiträge stehen spezifische mediale, materielle und soziale Konstellationen, in denen Differenzen ausgehandelt werden. Diese versammeln dabei ein breites Themenspektrum, etwa verschiedene künstlerische Verfahren, die Darstellung von Migration und jüdischer Differenzerfahrung im Film, auf Sport bezogene Unterscheidungen, politische Verhältnisse in Kolumbien oder queere und diasporische Perspektiven. Im Weiterdenken intersektionaler Forschungen, die vor allem soziale Differenzen produktiv in Beziehung setzen, kommt den Bildausschnitten, Montagen, Dispositiven, Sounds etc. besondere Aufmerksamkeit zu.
 Die Wendung "differences that matter", mit der u.a. Donna Haraway, Sara Ahmed und Karen Barad argumentieren, gibt einen zentralen Impuls für den Band. 'Unterschiede von materieller Bedeutung' beziehen sich auf entsprechende Forderungen nach Ausdifferenzierung durch kapitalismus- und rassismuskritische Feministinnen of Color bereits seit dem 19. Jahrhundert. Gleichzeitig klingt in 
 Matters of Difference
 die unterschiedliche Wertigkeit der Kategorisierungen selbst an: In einer konkreten Figuration sind bestimmte Differenzen von größerem Gewicht als andere, und auch diese Unterscheidung ist sowohl hergestellt als auch mit materiellen und politischen Implikationen verbunden. Inwiefern kann die Orientierung an komplexen Differenzbeziehungen politisch produktiv sein und welche Rolle spielen dabei filmische, mediale und diskursive Dimensionen?
 Matters of Difference
 bildet den Auftakt der neuen Reihe 
 Figurationen - Filmische und mediale Verflechtungen von Differenz
 , die sich mit Fragen, Prozessen und Wahrnehmungen von Differenzverhältnissen befasst.
 Mit Beiträgen von
 Svea Bräunert, Angelica Fenner, Natascha Frankenberg, Karin Harrasser, Bettina Henzler, Till Kadritzke, Katrin Köppert, Gwendolin Lehnerer, Vera Mader, Winfried Pauleit, Drehli Robnik, Julia Schumacher / Lea Wohl von Haselberg, Markus Stauff und Susann Winsel.

Filmische, mediale und diskursive Differenzverflechtungen

Matters of Difference

Go behind the scenes of Dreamworks Animation's first live-action animation hybrid film. DreamWorks Animation brings its global smash streaming series Gabby's Dollhouse to the big screen. The Art &amp; Making of DreamWorks Gabby's Dollhouse: The Movie showcases never-before-seen production art, insider perspectives, and the elaborate artistry involved in making the live-action/animation cinematic adventure. Join Gabby and her irresistible Gabby Cats as they venture through the real world and their magical mini-world to save the dollhouse before it's too late. Includes: ¿ Foreword by singer, songwriter, actress, and author Gloria Estefan, who plays Grandma Gigi ¿ Preface by actress Laila Lockhart Kraner, who reprises her role of Gabby from the Netflix television series ¿ Hundreds of character designs, concept art, sketches, storyboards, color keys, and final frames from the making of the movie ¿ Exclusive interviews with the artists, filmmakers, and key creators

The Art & Making of DreamWorks Gabby's Dollhouse: The Movie

The Warriors and Its Legacy

Armies of the Night

A deep dive into the grit and glamor of America’s favorite criminal couple and the nation’s love affair with guns. On May 23, 1934, two borderline inept but ruthless criminals named Clyde Barrow and Bonnie Parker met their end in a hail of semiautomatic gunfire on a rural road in the Louisiana backcountry. The duo had terrorized Depression-era Middle America with a string of robberies and a brazen daylight prison escape, killing nearly a dozen police officers along the way. A legend was born. Thirty-two years later, a movie crew gathered on a Warner Bros. studio ranch to re-create the scene of Bonnie and Clyde’s violent demise. It was the end of a difficult shoot. Almost everyone involved knew they were on to something, but getting there had taken a toll on relationships both professional and personal. The result was destined to become what is arguably the landmark film of the New Hollywood era. Nothing like it had ever been attempted anything similar had, in fact, been forbidden by censorship. When the lights finally came up after an agonizing moment of black, Hollywood would never be the same. Almost sixty years since it exploded onto American screens, Bonnie and Clyde still retains the power to shock, amaze, and provoke, as fresh and relevant today as when it was first released in 1967. The movie’s resonance goes well beyond the peerless filmmaking of director Arthur Penn, producer-star Warren Beatty, and their talented team of collaborators. Bonnie and Clyde taps into a dark wellspring in the American psyche. Produced in a time of great social upheaval, with a country divided under a deeply polarizing president, the film addresses troubling questions about our country’s founding myth and its obsession with firearms, questions that remain part of our national debate. They Kill People is the story of the making of Bonnie and Clyde. It is the story of the outlaws whose real lives were anything but glamorous. Most of all, it is the story of how violence and a predilection for firearms became a fundamental part of American identity.

Bonnie and Clyde, a Hollywood Revolution, and America's Obsession with Guns and Outlaws

They Kill People

Der kompromissloseste und kreativste deutsche Filmemacher 
 
 Dominik Graf ist einer der kompromisslosesten und kreativsten deutschen Filmemacher. Er hat in den letzten vier Jahrzehnten mit großen Stars wie Götz George, Matthias Brandt oder Martina Gedeck, aber auch mit einer Reihe junger Talente auf dem Weg zu großem Ruhm zusammengearbeitet und oft das Beste aus ihnen herausgeholt. In ?Sein oder Spielen? legt er nun die genauso rücksichtslos offene wie hochempathische Summe seiner Erfahrungen als Regisseur und Filmbegeisterter vor und benennt seine künstlerischen Einflüsse. 
 
 Als erstes Kind eines Schauspielers und einer Schauspielerin hatte Dominik Graf von Kindesbeinen an eine intime Perspektive auf die Schauspielerei. Bei ihm waren Beruf und Leben, Spiel und Wirklichkeit stets unauflöslich miteinander verquickt: ?ein Kuddelmuddel?, wie er selbst schreibt. Grafs Werke wie ?Die Katze?, ?Im Angesicht des Verbrechens? oder ?Fabian? haben stilistisch Maßstäbe gesetzt und sind zu Leuchttürmen der deutschen Filmgeschichte avanciert: rasant und exzessiv gedreht, aber auch mit wunderbaren, nachwirkenden Bildern, ob im harten Polizei-Thriller, im Liebesdrama oder bei der Adaption historischer Stoffe. Temporeiche Künstlererinnerungen und präziser Werkstattbericht in einem, erzählt Graf in ?Sein oder Spielen? auf unnachahmliche Weise eine bis heute unabgeschlossene Erziehung des Herzens im und mit dem Film. Sein Buch ist nicht zuletzt eine Huldigung aller Schauspielerinnen und Schauspieler, mit denen er zusammengearbeitet hat. 
 
 
<ul> 
 <li>Über Ohrfeigen am Set, Schimanskis Tricks und die Anmut großer Schauspielerinnen - Dominik Grafs besondere Künstlererinnerungen </li> 
 <li>Ein faszinierender Blick hinter die Kulissen der Filmwelt </li> 
 <li>Offene und empathische Reflexionen über die Arbeit als Regisseur </li> 
 <li>Von rasanten Polizei-Thrillern bis hin zu bewegenden Liebesdramen - Grafs Filme setzen Maßstäbe </li> 
 <li>Dominik Graf ist bis heute der Regisseur mit den meisten Grimme-Preisen</li> 
</ul>

Über Filmschauspielerei

Sein oder Spielen

Film|Lektüren

"For the first time in 70 years the Sight and Sound poll has been topped by a film directed by a woman - and one that takes a consciously, radically feminist approach to cinema. Things will never be the same." Laura Mulvey
Im Dezember 2022 wurde in der alle zehn Jahre stattfindenden Umfrage von Sight and Sound überraschend Chantal Akermans "Jeanne Dielman" (1975) zum "besten Film aller Zeiten" gewählt. Mit ihren rituell ausgeführten, repetitiven Gesten produzieren die Figur Jeanne Dielman und ihre Darstellerin Delphine Seyrig nicht nur ein Bild von sich selbst - ein Bild, das jedem unterstellenden Blick standhält -, sondern machen auch ein in den Privatbereich abgeschobenes Arbeitsfeld öffentlich: die unbezahlte, weil unzahlbare Haus- und Sorgearbeit. Durch eine einzigartige Verklammerung von Film(-arbeit) und Hausarbeit bildet "Jeanne Dielman" ein Bollwerk gegen die Kapitalisierung von Lebenszeit und ermöglicht im geteilten Kinoerlebnis den Fokus auf jene Dinge zu lenken, die den feinen und schließlich entscheidenden Unterschied machen. Insofern hat der Film nichts von seiner damaligen Schlagkraft eingebüßt: "It felt as though there was a before and after Jeanne Dielman just as there had once been a before and an after Citizen Kane" (Laura Mulvey). Im Gegenteil: Die stille Revolution, die der Film anstößt, scheint ihr volles Potenzial erst in der Zwischenzeit entwickelt zu haben.

Chantal Akerman: JEANNE DIELMAN

Bride of Frankenstein

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