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Denson S: Bride of Frankenstein

Bride of Frankenstein

Richard Dindo (1944-2025) ist ein herausragender Exponent des Schweizer Dokumentarfilms. Mit 'Die Erschiessung des Landesverräters Ernst S.' hat er tief auf das helvetische Selbstverständnis eingewirkt. Öffentlich aufgerüttelt haben auch 'Schweizer im Spanischen Bürgerkrieg' und Untersuchungen zum gewaltsamen Tod von Jugendlichen in den 1980er-Jahren ('Dani, Michi, Renato &amp; Max', 'Verhör und Tod in Winterthur'). Dindos Motivation galt der Erinnerung an Widerständige, an Rebellen und Träumer, oft mit Blick auf deren utopisches Potenzial. Mehr und mehr ist er dabei in autobiografischem Material fündig geworden: bei Max Frisch vorab, bei Jean Genet, Ernesto 'Che' Guevara, Arthur Rimbaud, Max Haufler, Charlotte Salomon, Henri Matisse oder Paul Gauguin. Bislang hat eine eingehende Darstellung von Dindos Methode filmischer Rekonstruktion von Erinnerung gefehlt. Ausgehend von seiner Prämisse, dass Nichterinnerung Selbstzerstörung ist, erhellt dieser Streifzug durch das OEuvre seine Bedeutung und Vielseitigkeit.

Richard Dindo (1944–2025) ist ein herausragender Exponent des Schweizer Dokumentarfilms. Mit «Die Erschiessung des Landesverräters Ernst S.» hat er tief auf das helvetische Selbstverständnis eingewirkt. Öffentlich aufgerüttelt haben auch «Schweizer im Spanischen Bürgerkrieg» und Untersuchungen zum gewaltsamen Tod von Jugendlichen in den 1980er-Jahren («Dani, Michi, Renato &amp; Max», «Verhör und Tod in Winterthur»). Dindos Motivation galt der Erinnerung an Widerständige, an Rebellen und Träumer, oft mit Blick auf deren utopisches Potenzial. Mehr und mehr ist er dabei in autobiografischem Material fündig geworden: bei Max Frisch vorab, bei Jean Genet, Ernesto «Che» Guevara, Arthur Rimbaud, Max Haufler, Charlotte Salomon, Henri Matisse oder Paul Gauguin. Bislang hat eine eingehende Darstellung von Dindos Methode filmischer Rekonstruktion von Erinnerung gefehlt. Ausgehend von seiner Prämisse, dass Nichterinnerung Selbstzerstörung ist, erhellt dieser Streifzug durch das OEuvre seine Bedeutung und Vielseitigkeit.

Ein Streifzug durch seine Filme

Richard Dindo, Erinnerungsarbeiter

Explores the influence of the graphic user interface on contemporary screen media

Screen Entertainment and the Graphic User Interface

Gooey Media

Ein fesselndes und lebendiges Memoire über ein Leben, das von der Musik geprägt wurde: At Large-Behind the Camera with Brian Large beginnt in den Ruinen des vom Krieg gezeichneten Londons und nimmt die Leserinnen und Leser mit auf eine mitreißende Reise rund um den Globus.
Durch seine Kameralinse verewigte Brian Large historische Aufführungen der bekanntesten Sänger, Tänzer und Musiker der letzten fünfzig Jahre und brachte die Magie der Live-Präsentationen in die Wohnzimmer von Millionen. In diesem eindrucksvollen Bildungsroman erzählt Large mit Weisheit, Wärme und Witz von seiner Karriere und gewährt dabei intime und aufschlussreiche Einblicke in das Leben einer beeindruckenden Riege von Persönlichkeiten - darunter Luciano Pavarotti, Mirella Freni, Plácido Domingo, Leonard Bernstein, Marilyn Horne, Igor Strawinsky, Leontyne Price, Carlos Kleiber, Birgit Nilsson, Georg Solti, Cecilia Bartoli, Benjamin Britten, Königin Elizabeth II. und Frank Zappa.

Ursprünglich als Konzertpianist ausgebildet, wechselte Large die Laufbahn, trat bei der Gründung von BBCTV2 in den Sender ein und erweiterte kontinuierlich die Grenzen des Fernsehens, indem er die Unmittelbarkeit und Emotion des Moments für Zuschauerinnen und Zuschauer auf der ganzen Welt einfing. Zu seinen bahnbrechenden Arbeiten gehören preisgekrönte Produktionen wie der Jahrhundertring in Bayreuth, die legendären Drei Tenöre aus den Caracalla-Thermen, die Live-Übertragung von Tosca aus historischen Schauplätzen in Rom sowie zwei Jahrzehnte, in denen er das Neujahrskonzert der Wiener Philharmoniker inszenierte.

Geschrieben in Zusammenarbeit mit Jane Scovell, die bereits Biografien über Elizabeth Taylor und Ginger Rogers sowie eine Biografie von Oona O'Neill Chaplin verfasst hat, sind diese Memoiren mit einem Vorwort von Renée Fleming ein absolutes Muss für Musikliebhaberinnen und Musikliebhaber und all jene, die sich für die Geschichte der Videotechnologie interessieren.

Behind the Camera with Brian Large

At Large

Gegenwärtig erleben wir eine zunehmende gesellschaftliche Diversifizierung und zugleich einen rechtskonservativen Backlash gegen diese Tendenz. In dieser paradoxen Situation gleichzeitiger Fort- und Rückschritte ist eine wissenschaftliche Auseinandersetzung mit Differenz enorm wichtig. Diese kann sich auf Kategorien wie Geschlecht, Klasse, 
 race
 , Alter oder Mensch/Tier beziehen; Differenzierungen finden sich aber auch in Film und Medien, wenn es um Gegensätze wie hell/dunkel oder Close Up/Totale geht. All diese und weitere Dimensionen von Differenz nimmt der Band als komplexe Gebilde kritisch in den Blick und bezieht sie (neu) aufeinander.
 Im Mittelpunkt der Beiträge stehen spezifische mediale, materielle und soziale Konstellationen, in denen Differenzen ausgehandelt werden. Diese versammeln dabei ein breites Themenspektrum, etwa verschiedene künstlerische Verfahren, die Darstellung von Migration und jüdischer Differenzerfahrung im Film, auf Sport bezogene Unterscheidungen, politische Verhältnisse in Kolumbien oder queere und diasporische Perspektiven. Im Weiterdenken intersektionaler Forschungen, die vor allem soziale Differenzen produktiv in Beziehung setzen, kommt den Bildausschnitten, Montagen, Dispositiven, Sounds etc. besondere Aufmerksamkeit zu.
 Die Wendung "differences that matter", mit der u.a. Donna Haraway, Sara Ahmed und Karen Barad argumentieren, gibt einen zentralen Impuls für den Band. 'Unterschiede von materieller Bedeutung' beziehen sich auf entsprechende Forderungen nach Ausdifferenzierung durch kapitalismus- und rassismuskritische Feministinnen of Color bereits seit dem 19. Jahrhundert. Gleichzeitig klingt in 
 Matters of Difference
 die unterschiedliche Wertigkeit der Kategorisierungen selbst an: In einer konkreten Figuration sind bestimmte Differenzen von größerem Gewicht als andere, und auch diese Unterscheidung ist sowohl hergestellt als auch mit materiellen und politischen Implikationen verbunden. Inwiefern kann die Orientierung an komplexen Differenzbeziehungen politisch produktiv sein und welche Rolle spielen dabei filmische, mediale und diskursive Dimensionen?
 Matters of Difference
 bildet den Auftakt der neuen Reihe 
 Figurationen - Filmische und mediale Verflechtungen von Differenz
 , die sich mit Fragen, Prozessen und Wahrnehmungen von Differenzverhältnissen befasst.
 Mit Beiträgen von
 Svea Bräunert, Angelica Fenner, Natascha Frankenberg, Karin Harrasser, Bettina Henzler, Till Kadritzke, Katrin Köppert, Gwendolin Lehnerer, Vera Mader, Winfried Pauleit, Drehli Robnik, Julia Schumacher / Lea Wohl von Haselberg, Markus Stauff und Susann Winsel.

Filmische, mediale und diskursive Differenzverflechtungen

Matters of Difference

Willkommen im Jurassic Park!
1993 präsentierte Regisseur Steven Spielbergs Jurassic Park eine Insel voller Ehrfurcht gebietender Dinosaurier, die das Publikum auf der ganzen Welt fesselten. Die erfolgreichen Fortsetzungen The Lost World: Jurassic Park und Jurassic Park III ließen nicht lange auf sich warten, begleitet von einer Fülle an Spielzeugen, Comics und Videospielen. Zum ersten Mal nimmt Jurassic Park: Das ultimative Kompendium den Leser mit auf eine Reise in die Entstehung der Filme und die weite Welt der Saga. Mit Schilderungen beteiligter Kreativköpfe wie Spielberg, Produzentin Kathleen Kennedy und den Stars Sam Neill, Laura Dern und Jeff Goldblum wartet dieser äußerst umfassende Band mit einer Vielzahl seltener Einblicke hinter die Kulissen auf, sowie mit exklusiven Fotos, Storyboards und Konzeptzeichnungen.

MIT 19 FANTASTISCHEN EXTRAS, inkl. der authentischen Jurassic-Park-Broschüre, dem Cover von Dr. Alan Grants Buch und einer Jurassic-Park-Postkarte.

Jurassic Park: Das ultimative Kompendium

Finde den Unterschied I 94 Bildsuchrätsel mit beliebten Disney-Charakteren

Suchrätsel Disney

Go behind the scenes of Dreamworks Animation's first live-action animation hybrid film.DreamWorks Animation brings its global smash streaming series Gabby's Dollhouse to the big screen. The Art &amp; Making of DreamWorks Gabby's Dollhouse: The Movie showcases never-before-seen production art, insider perspectives, and the elaborate artistry involved in making the live-action/animation cinematic adventure. Join Gabby and her irresistible Gabby Cats as they venture through the real world and their magical mini-world to save the dollhouse before it's too late. Includes: ¿ Foreword by singer, songwriter, actress, and author Gloria Estefan, who plays Grandma Gigi ¿ Preface by actress Laila Lockhart Kraner, who reprises her role of Gabby from the Netflix television series ¿ Hundreds of character designs, concept art, sketches, storyboards, color keys, and final frames from the making of the movie ¿ Exclusive interviews with the artists, filmmakers, and key creators

The Art & Making of DreamWorks Gabby's Dollhouse: The Movie

Film-Konzepte

Wolfgang Kohlhaase (1931-2022), dessen Schaffen über 30 Filme umfasst und sich weit über ein halbes Jahrhundert erstreckt, gehört zu den bedeutendsten Drehbuchautoren der (deutsch-)deutschen Filmgeschichte. Seine Zusammenarbeit mit den Regisseuren Gerhard Klein und Konrad Wolf bei Filmen wie BERLIN - ECKE SCHÖNHAUSER (1957), ICH WAR NEUNZEHN (1968) oder SOLO SUNNY (1980) hat Meilen-, zugleich immer auch Stolpersteine in die Geschichte der DEFA gesetzt. Seine Drehbücher für Andreas Dresen (u.a. SOMMER VORM BALKON, 2005, ALS WIR TRÄUMTEN, 2015), aber auch Volker Schlöndorff (DIE STILLE NACH DEM SCHUSS, 2000) oder Matti Geschonneck (IN ZEITEN DES ABNEHMENDEN LICHTS, 2017) haben verlässlich für künstlerische Höhepunkte des Nachwendekinos gesorgt. 
Die Beiträge zu diesem Band schlagen thematische und motivische Schneisen durch das umfangreiche Gesamtwerk Kohlhaases. Sie widmen sich der Darstellung von Nationalsozialismus und Zweitem Weltkrieg in seinen Filmen, gehen dem wiederkehrenden Thema eines geteilten Deutschland nach, diskutieren seinen Umgang mit Frauenfiguren und jugendlichen Helden und betrachten das Wechselspiel von Humor und Lebensnähe. Ein persönliches Porträt Kohlhaases und unveröffentlichte Texte aus dem Nachlass runden den Band ab.

Wolfgang Kohlhaase

A deep dive into the grit and glamor of America’s favorite criminal couple and the nation’s love affair with guns. On May 23, 1934, two borderline inept but ruthless criminals named Clyde Barrow and Bonnie Parker met their end in a hail of semiautomatic gunfire on a rural road in the Louisiana backcountry. The duo had terrorized Depression-era Middle America with a string of robberies and a brazen daylight prison escape, killing nearly a dozen police officers along the way. A legend was born. Thirty-two years later, a movie crew gathered on a Warner Bros. studio ranch to re-create the scene of Bonnie and Clyde’s violent demise. It was the end of a difficult shoot. Almost everyone involved knew they were on to something, but getting there had taken a toll on relationships both professional and personal. The result was destined to become what is arguably the landmark film of the New Hollywood era. Nothing like it had ever been attempted anything similar had, in fact, been forbidden by censorship. When the lights finally came up after an agonizing moment of black, Hollywood would never be the same. Almost sixty years since it exploded onto American screens, Bonnie and Clyde still retains the power to shock, amaze, and provoke, as fresh and relevant today as when it was first released in 1967. The movie’s resonance goes well beyond the peerless filmmaking of director Arthur Penn, producer-star Warren Beatty, and their talented team of collaborators. Bonnie and Clyde taps into a dark wellspring in the American psyche. Produced in a time of great social upheaval, with a country divided under a deeply polarizing president, the film addresses troubling questions about our country’s founding myth and its obsession with firearms, questions that remain part of our national debate. They Kill People is the story of the making of Bonnie and Clyde. It is the story of the outlaws whose real lives were anything but glamorous. Most of all, it is the story of how violence and a predilection for firearms became a fundamental part of American identity.

Bonnie and Clyde, a Hollywood Revolution, and America's Obsession with Guns and Outlaws

They Kill People

Cutaways

"Beugnet's ingenious insights seep like a fog into once-crisp categories of film analysis, unsettling notions of blur as visual deficiency. Near-sighted characters, formless smudges, teary and weary vision, and perspectival and atmospheric distortions energize this compelling love song to the affordances of and cinematic predisposition toward visual chaos, vagueness, uncertainty and confusion. Clearly, it's the perfect moment for both cinema and blur."--Karen Redrobe, author of Crash: Cinema and the Politics of Speed and Stasis In cinema, blurriness is usually intended to go unnoticed. When it appears it is either considered an error -- a mistake of focus or a technological failure -- or a background effect of shallow focus intended to offset a defined image. As Martine Beugnet argues, however, blur is an essential feature of the cinema, possessing its own properties and affordances, and capable of powerful effects. Examining an array of notable examples of blurriness from horror to art cinema and experimental film, and including the works of the Lumière brothers, Josef von Sternberg, Agnès Varda and many others, she develops a taxonomy of blurs, from speed and motion blur to the hand-held, "shaky camera" blur common in contemporary digital cinema. These wide-ranging instances all return the viewer to the sensorial and material qualities of the moving image. In the face of technological developments that valorize sharpness as an indicator of progress, blur stands as a provocative reminder of the value of uncertainty--a sign of the irreducible mystery at the heart of the filmic image. Martine Beugnet is Professor in Visual Studies at the Université Paris Cité and a member of ECHELLES, a CNRS research institute.

Blur

Ein Auge kommt selten allein: 27 Jahre nach seinem literarischen Erstling "Das wilde Auge", in dem er einen Streifzug durch das italienische Horrorkino unternahm, bringt Filmjournalist Christian Keßler den seit langer Zeit vergriffenen Text auf Vordermann und befaßt sich mit über 240 Filmen, die sowohl die anerkannten Knüller des Genres umfassen als auch bislang durch das Radar geschlüpfte Sonderlinge, die unbesungen am Wegesrand lauern, um erfahrungshungrige Cineasten das Fürchten zu lehren. Sämtliche Filme wurden neu gesichtet und betextet. Neben dem Bereich des Horrorkinos gilt das Augenmerk des neuen Buches der Science Fiction und einigen ausgesuchten Vertretern der Fantasy. Klassiker und Quasimodos reichen einander dünkelfrei die Hände zum Tanz und machen die Nacht zum Tage. Leserin wie Leser dürfen sich freuen auf spinnwebverhangene Gruselschlösser, die unendlichen Weiten des Weltraums und marodierende Barbarenhorden mit unzähligen Anregungen für genußvolle Filmerlebnisse, für die man aber ganz starke Nerven benötigt. Remember: You have been warned!

Horror und Science Fiction all'italiana (1957-1994)

Das wildeste Auge

The Warriors and Its Legacy

Armies of the Night

Bride of Frankenstein

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