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Giunti Editore

Giannini F: Vero, falso, fake. Credenze,
errori e falsità nel mondo dell'arte

Vero, falso, fake. Credenze, errori e falsità nel mondo dell'arte

Für John Waters war Jack Smith »der einzig wahre Underground-Filmemacher«; der Theatermacher Richard Foreman nannte ihn »die verborgene Quelle von praktisch allem, was im experimentellen amerikanischen Theater von Interesse ist« - Jack Smith inspirierte u. a. Laurie Anderson, Robert Wilson, Cindy Sherman, Nan Goldin und die Transkünstlerin Anohni. Er arbeitete mit Musikern wie John Zorn und war eine Schlüsselfigur für die Entwicklung der New Yorker Queer- und Drag-Underground-Performances der 1960er- bis 80er-Jahre. Smiths Kunst und Lebensstil beinflusste u. a. die deutschen Experimentalfilmemacher Wilhelm und Birgit Hein oder die Künstler:innen Katharina Sieverding und Klaus Mettig; seine Queere Performance-Ästhetik hat ihn zu einem wichtigen Bezugspunkt für kritische Schriften zum Phänomen des Camps gemacht, von Susan Sontag bis Diedrich Diederichsen und der Philosophin Juliane Rebentisch. Der größte Teil seines schriftlichen Werks, das faszinierende, verstörende und urkomische Schriften, Performance-Texte und Essays über Film und Kunst, pornografische Fantasien, Manifeste und Statements umfasst, erscheint nun erstmals auch auf Deutsch. Mit Beiträgen von Bertolt Brechts Sohn Stefan Brecht, dem Smith-Forscher Jim Hoberman, Jonas Mekas und Susan Sontag; ferner Fotos und Dokumente, die Smiths Aufenthalt im Köln der 1970er-Jahre und im Hamburg der frühen 1980er-Jahren dokumentieren, sowie einem einführenden Essay des Filmwissenschaftlers Marc Siegel.

Texte von und über Jack Smith / Texts by and about Jack Smith

What's underground about Marshmallows?

Cathedral Museum Hildesheim

Palmen und Trauerbirken, mit Perlen verzierte Schlosstürme, Prinzen und Prinzessinnen. Mit kleinen Stichen stickte Anna Casparsson Motive, die von klassischen Märchen, biblischen Geschichten und Musicals inspiriert waren. Landschaftsszenen wurden zu Textilgemälden und Paravents, neben ihren freien Kompositionen auf Flügelbezügen, Taschen und Tischdecken. Anna Casparsson war Künstlerin, Pianistin und Übersetzerin. Ihr Werk zeichnet sich durch Opulenz, Liebe zum Detail und die Freude am Geschichtenerzählen aus und entstand in ihrem Haus in Saltsjöbaden vor den Toren Stockholms - einem wichtigen Treffpunkt für Kulturschaffende in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Trotz ihrer starken Präsenz in einem künstlerischen und intellektuellen Umfeld mit Künstlern wie Anders Zorn und Carl Larsson ist Casparsson in der schwedischen Kunstgeschichte relativ unbeachtet geblieben.

Ed.: Asrin Haidari. Text: Fredrik von Feilitzen, Asrin Haidari, Cecilia Widenheim.

Ausst. Kat. Moderna Museet, Stockholm

Anna Casparsson

Paratext-Studien

Entlang der Achsen Situation - Relation - Narration wird in dieser Veröffentlichung danach gefragt, in welchem Verhältnis situative Kunstformen und Paratexte stehen und welche Rolle der Paratext im Gefüge aus Ort, Zeit und Kontext spielt.
Durch den Transfer des literaturwissenschaftlichen Begriffs auf die Bildenden Kunst wird eine Befragung des Begriffs Paratext vorgenommen. Die formale Umkehr von Text und Paratext akzentuiert, was sich als Subtext durch diese Veröffentlichung zieht: die verschwimmende Grenze zwischen Text, Kontext und Paratext - ohne jedoch die Differenzen zwischen diesen Felden auflösen zu wollen. &nbsp;
So geht diese Veröffentlichung der Frage nach, welche Funktionen die Paratexte, die auf den ersten Blick wie Beiwerk wirken, im Zusammenhang der künstlerischen Arbeiten einnehmen. Der Fokus liegt dabei auf jenen Paratexten, die Künstler:innen selbst als künstlerische Strategie einsetzen, um den scheinbar an den Rändern befindlichen Raum zu nützen und dort Elemente zu platzieren, die Kontexterweiterungen vornehmen, in Frage stellen, Irritationen erzeugen und sozio-ökonomische, mediale, politischen und institutionelle Narrationen umschreiben.

Entlang der Achsen Situation – Relation – Narration wird in dieser Veröffentlichung danach gefragt, in welchem Verhältnis situative Kunstformen und Paratexte stehen und welche Rolle der Paratext im Gefüge aus Ort, Zeit und Kontext spielt.Durch den Transfer des literaturwissenschaftlichen Begriffs auf die Bildenden Kunst wird eine Befragung des Begriffs Paratext vorgenommen. Die formale Umkehr von Text und Paratext akzentuiert, was sich als Subtext durch diese Veröffentlichung zieht: die verschwimmende Grenze zwischen Text, Kontext und Paratext – ohne jedoch die Differenzen zwischen diesen Felden auflösen zu wollen. &nbsp;So geht diese Veröffentlichung der Frage nach, welche Funktionen die Paratexte, die auf den ersten Blick wie Beiwerk wirken, im Zusammenhang der künstlerischen Arbeiten einnehmen. Der Fokus liegt dabei auf jenen Paratexten, die Künstler:innen selbst als künstlerische Strategie einsetzen, um den scheinbar an den Rändern befindlichen Raum zu nützen und dort Elemente zu platzieren, die Kontexterweiterungen vornehmen, in Frage stellen, Irritationen erzeugen und sozio-ökonomische, mediale, politischen und institutionelle Narrationen umschreiben.

Paratext als künstlerische Strategie im Kontext situativer Kunstformen

Situation, Relation, Narration

Warum wieder eine Publikation über Picasso, den Paradekünstler des 20. Jahrhunderts und der Moderne, über den doch alles bereits als gesagt erscheint und das in zahllosen Wiederholungen? Dies deshalb, weil dieser Künstler - so die These - wesentliche Grundzüge des Menschen- und Weltbildes des 20. Jahrhunderts in sein Werk übertragen hat; Grundstrukturen, die bis heute die Basis zumindest der westlichen Kulturen bilden. Somit trägt die Analyse von Werk und künstlerischem Denken Picassos zum besseren Verständnis der gegenwärtigen kulturellen Situation bei - und das ist vielleicht die vornehmste und wichtigste Aufgabe des Historikers. In der vorliegenden Arbeit wird versucht, die Entwicklung von künstlerischem Denken und Werk Picassos in den Kontext der zeitgenössischen Kultur zu stellen, also dessen Rezeption und Verarbeitung von Phänomenen aus Politik, Gesellschaft und den Künsten, vor allem aber der Philosophie und der Naturwissenschaften zu beleuchten.

Realität, Eros und Aggression

Das Menschen- und Weltbild Pablo Picassos

Die blaue Stunde in Max Beckmanns "Großes Stilleben mit Tauben" konzentriert sich auf die Darstellung eines transformativen Moments, der sich jeden Tag ereignet, wenn die Sonne untergeht und den frühen Abendhimmel in einen besonderen Blauton taucht. Für Max Beckmann war dies ein Moment der Reflexion, der die Vergangenheit wieder zum Leben erweckte. Als eines seiner letzten Stillleben führt der Künstler den Betrachter in das Wohnzimmer seiner letzten Wohnung in der West 69th Street in Manhattan. Obwohl "Großes Stilleben mit Tauben" zunächst etwas flach und erhaben wirkt, unternimmt es eine Zeitreise zurück nach Berlin vor dem Ersten Weltkrieg. Während diese Erinnerungen auftauchen, wandert Beckmann durch New York City, häufig entlang der Lexington Avenue, und dann weiter nach St. Louis, Los Angeles und Oakland, wodurch eine multidimensionale Wahrnehmung von Vergangenheit und Gegenwart entsteht.

in Max Beckmanns "Großes Stilleben mit Tauben"

Die blaue Stunde

Das Buch behandelt Leben und Werk der aus der kasachischen Republik (Sowjetunion) stammenden Künstlerin MAKÈ (1959-1993), die 1991 in die USA zog und Bilder schuf, die den Geist der Umbruchzeit und ihre persönlichen Erfahrungen einfängt. 
Es handelt sich um eine faszinierende, farbenfrohe und philosophische Malerei, die im neoexpressionistischen und symbolistischen Stil ausgeführt ist. Sie enthält eine Botschaft in Farben und Formen.

Philosophie der Malerei - Farbe und Form

Das Rätsel MAKÈ

Walter Kröhnke (1903 - 1944) zählt zu jenen Künstlern, deren Werk sich durch eine außergewöhnliche Klarheit und innere Ordnung auszeichnet. Bereits früh wurde sein Schaffen für die harmonische Verbindung von Natur- und Kunstform gewürdigt: Weite Landschaften, rhythmisierte Flächen und ein gedämpfter, doch leuchtender Farbklang prägen seine Bildwelt. Dabei bleibt jedes Detail bedeutungsvoll - Zeichen, Linien und Formen verdichten sich zu einer lebendigen, vielschichtigen Komposition.
Geprägt von seinen Jahren in Paris und den Eindrücken der Mittelmeerlandschaft, entwickelte Kröhnke schon in den 1930er Jahren eine eigenständige künstlerische Sprache. Zugleich arbeitete er unter den schwierigen Bedingungen der NS-Zeit, in der seine Kunst - wie die vieler seiner Generation - ausgegrenzt wurde.
Die Publikation stellt Leben und Werk Walter Kröhnkes in einen kunsthistorischen Kontext und würdigt ihn als bedeutenden, lange unterschätzten Beitrag zur deutschen Kunst des 20. Jahrhunderts.

Walter Kröhnke

German edition Care, welfare and nurturing work ensure the foundations of human coexistence. This exhibition catalogue of Vienna's VERBUND COLLECTION presents works by artists who devote themselves to existential areas of caregiving. They reflect upon a new 'sign language of the kitchen'. They make paid and unpaid care work - often invisible and realised under precarious working conditions - visible as class politics. Touching photographs of care for elders show intergenerational solidarity. Female artists who are mothers address the evaluation of care work in the art world. Works by the Feminist Avant-garde of the 1970s are thereby set into a lively dialogue with contemporary works. Thus, the publication aims to contribute to the appreciation of care work, which is predominantly performed by women. <ul> <li>Discussion of the highly relevant topic of care/nurturing/welfare</li> <li>A lively dialogue between works from the Feminist avant-garde of the 1970s and contemporary works - including sculptures, objects, photographs, drawings and videos</li> <li>Participating artists: Akihito Yoshida, Aneta Grzeszykowska, Anna Kutera, Anna Schölß, Annegret Soltau, Birgit Jürgenssen, Christine Lederer, Elizabeth Catlett, Frida Orupabo, Hannah Cooke , Karin Mack, Kirsten Justesen, Laura Ribero, Lena Henke, Letícia Parente, Lorna Simpson, Mägorzata Markiewicz, Margaret Raspé, Maria Pini¿ska-Bere¿, Marlene Haring, Martha Rosler, Mary Sibande, Mierle Laderman Ukeles, Natalia Iguiñiz, Nicole Wermers, Renate Bertlmann, Renate Eisenegger, Rosemarie Trockel, See Red Women's Workshop, Sophie Gogl, VALIE EXPORT&nbsp;</li> <li>An exhibition by the VERBUND COLLECTION, Vienna, Albertina, Vienna, March 13 to June 14, 2026</li> </ul>

German editionCare, welfare and nurturing work ensure the foundations of human coexistence. This exhibition catalogue of Vienna’s VERBUND COLLECTION presents works by artists who devote themselves to existential areas of caregiving. They reflect upon a new ‘sign language of the kitchen’. They make paid and unpaid care work – often invisible and realised under precarious working conditions – visible as class politics. Touching photographs of care for elders show intergenerational solidarity. Female artists who are mothers address the evaluation of care work in the art world. Works by the Feminist Avant-garde of the 1970s are thereby set into a lively dialogue with contemporary works. Thus, the publication aims to contribute to the appreciation of care work, which is predominantly performed by women.<ul><li>Discussion of the highly relevant topic of care/nurturing/welfare</li><li>A lively dialogue between works from the Feminist avant-garde of the 1970s and contemporary works – including sculptures, objects, photographs, drawings and videos</li><li>Participating artists: Akihito Yoshida, Aneta Grzeszykowska, Anna Kutera, Anna Schölß, Annegret Soltau, Birgit Jürgenssen, Christine Lederer, Elizabeth Catlett, Frida Orupabo, Hannah Cooke , Karin Mack, Kirsten Justesen, Laura Ribero, Lena Henke, Letícia Parente, Lorna Simpson, Małgorzata Markiewicz, Margaret Raspé, Maria Pinińska-Bereś, Marlene Haring, Martha Rosler, Mary Sibande, Mierle Laderman Ukeles, Natalia Iguiñiz, Nicole Wermers, Renate Bertlmann, Renate Eisenegger, Rosemarie Trockel, See Red Women's Workshop, Sophie Gogl, VALIE EXPORT&nbsp;</li><li>An exhibition by the VERBUND COLLECTION, Vienna, Albertina, Vienna, March 13 to June 14, 2026</li></ul>

Kunst aus der SAMMLUNG VERBUND, Wien

CARE MATTERS

Klaus Reichert gehört zu den prägenden Stimmen der deutschsprachigen Essayistik. Sein Buch "Wolkendienst. Figuren des Flüchtigen", das auf der Shortlist des Deutschen Sachbuchpreises stand, hat ihn einem breiten Publikum bekannt gemacht.
Mit "I welcome whatever happens" next kehrt er zu einem Thema zurück, das ihn über Jahrzehnte begleitet hat: seiner Beziehung zu John Cage. Aus Begegnungen, Gesprächen und gemeinsamer Arbeit entsteht kein klassisches Künstlerporträt, sondern ein offenes, bewegliches Gefüge aus Erinnerungen und Gedanken.

Reichert schreibt so, wie man ihn kennt: präzise, unaufdringlich, mit einem feinen Gespür für Übergänge - zwischen Musik und Sprache, zwischen Hören und Denken. Immer wieder geht es um Aufmerksamkeit: gegenüber Klängen, gegenüber Texten, gegenüber einem anderen Menschen.

Ein stilles, kluges Buch für Leserinnen und Leser, die Essayistik als Form des Denkens schätzen - und die in Reicherts Schreiben genau jene Verbindung von Klarheit und Offenheit finden, die seine Texte so besonders macht.

Erinnerungen an John Cage

I welcome whatever happens next

Wilfried Kuckartz. geb. 1937 in Aachen. Studium der Philosophie, Psychologie und Pädagogik. Promotion 1965, TH Aachen. Titel der Dissertation: Die Bildsamkeit des Trieblebens nach Thomas von Aquin. Habilitation 1970, PH Westfalen-Lippe. Seit 1980 Professor für Allgemeine Pädagogik an der Universität Köln. 1995 emeritiert.
 
 www.merlinus.de
 
 Buchveröffentlichungen: Sozialisation und Erziehung. Eine Polemik wider den Pädagogismus, Essen 1969 (2. Aufl. 1971); Kritik der pädagogischen Technologie. Die Erziehung angesichts der Gefährdung des Menschen, Bad Heilbrunn/Obb. 1974; Ludwig Klages als Erzieher, Bonn 1978; Hugo von Hofmannsthal als Erzieher. Zum Problem von Dichtung und Pädagogik oder Das Vorbild in Bildung und Erziehung, dargestellt am Beispiel von Hofmannsthals Märchen "Die Frau ohne Schatten" und dem Lustspiel "Der Schwierige" in tiefenpsychologisch-pädagogischer Deutung, Fellbach-Oeffingen 1981; Michael Ende: Die Unendliche Geschichte. Ein Bildungsmärchen, Essen 1984; Die Zauberflöte. Märchen und Mysterium, Essen 1985, (2. Aufl . Hamburg 1996); Frau Holle. Ein Bildungsmärchen, Essen 1986; Merlin. Mythos und Gegenwart, Essen 1988, (2. Aufl. 2002); Shakespeare und das neuzeitliche Heidentum, Frankfurt/M. 1995; Das Bild des Menschen im Spiegel der Kunst, Bd. 1 / Christus. Maria. Michelangelo. Leonardo. Raffael. Rembrandt. Buddha. Indien. Kreta. Etrusker, Berlin 2012; Das Bild des Menschen im Spiegel der Kunst, Bd. 2 / Antikes Griechenland, Berlin 2013, Das Bild des Menschen im Spiegel der Kunst, Bd. 3 / Ägypten, Babylon, Islam, Rom , Berlin 2015, Das Bild des Menschen im Spiegel der Kunst, Bd. 4 / Von der Steinzeit bis zur Gegenwart, Hohenswarsleben, 2025, Chinesische Landschaftsmalerei, Homo Pictor versus Homo Faber / Wider den Anthropozentrismus, Hohenwarsleben 2026
 
 Seit Steinzeiten, als der Mensch sich seiner Überlegenheit über alle übrigen Erdenwesen bewusst wurde und sich im ersten bekannt gewordenen Bild von sich als Löwen-Mensch zum Herrn der Tiere erhöht hat, ist der Mensch das vorrangige, alles andere zur Nebensache herabsetzenden Motivation, zum Hauptthema der bildenden Kunst geworden, von ansehnlichen, bedeutungs- und eindrucksvollen, Achtung und Bewunderung fordernden, anthropozentrisch begründeten und sich ebenso auswirken sollenden Statuen und Gemälden: Gottgleiche ägyptische Pharaonen und mesopotamische Großmenschen, griechische Götter mit vollendet-schönen Menschenleibern und edlen Gesichtern, der Pantokrator mit menschlichem Antlitz, die hehr-hilfreiche Gottesmutter und alle verehrungswürdigen Heiligen, die angesehen-gefeierten Macht- und Geistfürsten der Renaissance und eindrucksvollen Preisbilder menschlicher Souveränität und Bedeutung bis hin zur Gegenwart. Und selbst in den Landschaftsbildern des Westens ab etwa dem 16. Jahrhundert, die sich thematisch von der Darstellung des allein bildwürdigen Erdengottes zu befreien suchten, fehlte der autonom tätige, dominierende Mensch kaum je vollständig, inmitten von Zeugnissen der zu seinem Gebrauch und Nutzen umgeschaffenen Natur zur dienlichen Kultur.
 
 Dagegen ist die altchinesische Landschaftsmalerei, Höhepunkt zur Zeit der Sung-Dynastie (960-1279), von mir, wie bereits den Untertiteln zu entnehmen, als Antithese zu solch anthropozentrischer Bilderkunst gedeutet und dargestellt worden, der übermäßigen Ermächtigung, Rühmung des Menschen als eines allem sonstigen Lebendigen überlegenen Geistwesens. Will sagen: Die chinesische Landschaftsmalerei ist zu verstehen als bildliche Darstellung einer Mensch und alles übrige Erdenleben, ja Erdensein umfassenden Alleinheit, chinesisch Tao, der Vereinigung von Yin und Yang zur Gesamtheit. Und natürlich gehört in dies All-Ganze auch der Mensch hinein, aber bleibt in diesen Bildern durchweg von eher marginaler Bedeutung und ist wie alles andere dem ewigen Gesetz von Wechsel und Wandel unterworfen, der Erden-Vergänglichkeit. Chinesisch verstanden bedeutet das Wort "Landschaft" nicht wie im Deutschen ein vom Menschen ge"schaffen"es, urbar, für ihn nützlich gemachtes Land, sondern heißt "shan shui", "Berg"/"Wasser", Himmel und Berge oben und Wasser und Erde unten. Ihrer beider polare Ergänzung, ihr Spiegelspiel, wo das eine erst durch das andere es selbst wird und nur beide zusammen das Insgesamt bilden, das wäre demnach Motiv wie Thema chinesischer Landschaftsmalerei, und der Mensch ist darin nur eine unbedeutende Komponente des All-Einen. Gleichwohl vermag der Maler, der kunstschaffende Mensch dies All-Eine in bewundernswerten, Zustimmung, Einvernehmen bewirkenden Meisterwerken sinnbildlich darzustellen.
 
 Und in voller Übereinstimmung damit steht ebenfalls die altchinesische Tianxia Idee: "Alles unter dem Himmel", das Ideal einer politischen Weltordnung im Sinne der Tao- Weisen Laotse und Konfuzius. Das Ansinnen, einfach gesagt, zu leben und leben zu lassen, ein Ethos von Mitmenschlichkeit und schonender Respektierung des übrigen Erdenlebens, von notwendiger Koexistenz als Bedingung der Existenz. Entschieden ist das gegen allen egoistischen Nationalismus und megalomanen Imperialismus gerichtet, der zu befürchtenden Ruinierung von Erde wie Mensch durch den entfesselten Prothesengott, den verhängnisvollen Triumph von homo faber, der sich die Erde untertan gemacht hat, aber zum Preis des Verlusts der menschlichen Seele.

Homo Pictor versus Homo Faber. Wider den Anthropozentrismus

Chinesische Landschaftsmalerei

Ein Auswahlkatalog

Dommuseum Hildesheim

Vero, falso, fake. Credenze, errori e falsità nel mondo dell'arte

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