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Refocus: The Films of Antoinetta
Angelidi

Refocus: The Films of Antoinetta Angelidi

A 200-page monograph proposing a formal, falsifiable theory of cinematic greatness - and using it to analyse the arrival of generative cinema.The thesis. A great film does not fill the viewer's time; it restructures it. We call this temporal sovereignty and derive from it a six-part criterion, stated relationally: no film is a masterpiece in itself, only for viewers in situations that permit the relation to form.Formal core. A montage interaction kernel resolves the century-long montage debate into three coupling classes - and shows that only one, the band class descending from Griffith's continuity system, is accelerable and therefore conscriptable by an attention economy. A stimulus-inflation theorem shows that any system holding a habituating audience at constant arousal is forced onto an escalating trajectory: the virus of spectacle is a structural instability, not a moral failing. A cultivation theorem gives contemplative viewing a two-phase law with a crossover, so that the boredom of the first twenty minutes is a segment of the optimal trajectory rather than a defect. A single-carrier collapse theorem generalises density across six carriers - image, event, face, speech, sound, subject - and shows why imitation fails for a structural rather than a spiritual reason. And a single Lagrangian unifies the whole: capture and masterpiece are the same action under different weights.Institutions. What a system can make is determined by the unit on which it levies its tax: content (the censor), the event contract (the classical studio - hence the genre bargain, which explains how the purest market system in history produced Ford, Welles, Hitchcock and Kubrick), the second (the attention market - which can fund neither), or the system as a whole (the CNC, the National Film Board). We also show how the genre bargain could be rebuilt today.The generative turn. Documented aesthetic bias in generative models is, in our terms, an instrumentality prior. The cost of density is its inverse - and optimising models toward immediate rater approval provably narrows it. Progress, as currently defined, makes spectacle cheaper and art dearer. But the paradox is one of preference tuning, not of capability: capability is innocent, and this is a design instruction rather than a lament.Relation to the free energy principle. Stimulus density is prediction-error rate; habituation is model learning; receptivity is precision-weighting. Read this way, stimulus inflation is an arms race against a learning model. Ontological density is defined as free energy the narrative model cannot discharge and the viewer cannot dismiss - which forces model revision, and model revision on the question why is this here is interpretation. Four frameworks with nothing in common upstream - Friston's epistemic value, Schmidhuber's compression progress, Iser's Leerstellen, and hermeneutic residue - converge on one interval.film theory; cinematic masterpiece; temporal sovereignty; ontological density; montage; attention economy; generative AI

Temporal Sovereignty, the Carriers of Density, and Why Technical Progress Makes Art Dearer

A Theory of the Cinematic Masterpiece in the Generative Era

In the glow of global screens and quiet behind-the-scenes moments, this book explores the layered journey of a young performer whose life unfolds under constant observation while still trying to remain fully human within it. It is not simply a story of success or recognition, but a deeper reflection on what it means to grow while being seen, to evolve while already being defined by the world before you even fully define yourself.Through a richly reflective narrative style, this work moves beyond surface-level fame and steps into the emotional architecture behind performance, the silent preparation, the internal discipline, the psychological shifts that happen when imagination becomes craft, and when private identity begins to exist alongside a public version that never fully disappears. It captures the unseen tension between authenticity and expectation, where every role carries both emotional immersion and technical precision, and where even stillness becomes a form of skill. As the journey unfolds, the reader is drawn into the invisible spaces between scenes, the moments of silence where emotion settles, where identity recalibrates, and where the mind quietly adjusts between character and self. These are the spaces where true development happens, not in applause or spotlight, but in reflection, repetition, and the subtle learning that shapes long-term artistic depth. It also examines the weight of growing up while being watched, where memory is not only personal but partially shared, and where earlier versions of self continue to exist in public form long after internal change has moved forward. This creates a powerful emotional contrast between who someone was, who they are, and who they are becoming, all existing at once within perception and reality. At its core, the book is about more than performance, it is about identity under visibility, emotional intelligence under pressure, and the quiet strength required to remain grounded while life is continuously interpreted from the outside. It invites readers into a world where calmness is not simplicity, fame is not arrival, and growth is not linear, but instead a continuous unfolding shaped by experience, awareness, and inner balance. Engaging, introspective, and deeply human, this is a story that does not chase spectacle, it reveals what exists beneath it.

Rising Beyond the Frame: From early roles to global fame, a story of focus, passion, and evolution

Noah Schnapp

Film & Schrift

Hans Schifferle (1957-2021) schrieb sein Leben lang über Filme. Sein Verhältnis zum Kino war von existenzieller Natur. Er wollte Kino erleben und nicht nur Filme schauen.
Hans Schifferle akzeptierte keine Genregrenzen und fand auch in vermeintlich zweit- und drittklassigen Filmen einen Reichtum, den andere nur in anerkannten Klassikern sehen wollten. Dank seines immensen film- und kulturhistorischen Wissens, seines Stilbewusstseins, seiner analytischen Fähigkeiten und nicht zuletzt seiner konzentrierten Hingabe an den jeweiligen Film entstanden unter seiner Autorenschaft Filmkritiken und Essays, die lustvoll zu lesen sind und den cineastischen Horizont erweitern. Prägend für Schifferles Akkulturation war die Münchner Kinoszene der 1980er Jahre, als mit dem Filmmuseum und dem Werkstattkino zwei außergewöhnliche Bildungsstätten auf sich aufmerksam machten, ein "Living Cinema", das darüber hinaus eine neue Generation von Filmkritikern hervorbrachte. Schifferle veröffentlichte reichhaltig und breit gestreut: Er schrieb für die "Süddeutsche Zeitung", den "Kölner Stadt-Anzeiger", für "epd Film", diverse Stadt- und Lifestyle-Magazine, er publizierte in Filmbüchern, Festivalkatalogen, in Publikumszeitschriften und cinephilen Spezialjournalen. Der vorliegende Band enthält zahlreiche Texte von Hans Schifferle, Fotos und Dokumente sowie einen Essay von Ulrich Mannes.

Berufung: Kritiker

Hans Schifferle

In this poignant, magical tale by the acclaimed author of Eventown, two girls find themselves dropped into each other’s world—and must face down dragons they’ve only imagined. Auden “Denny” Greene is happiest with her friend Runa, creating stories set in their imaginary land of Sorrowfeld, where princesses rule and cursed dragons are a constant danger. But now that they are turning twelve, Runa seems ready to give up on the magic of Sorrowfeld just when Denny needs it the most…Princess Auden is the last remaining princess of Sorrowfeld—and on her twelfth birthday, she will be expected to vanquish the dragons that took her family. Only, when a swarm attacks her birthday celebration, all she can do is run…But suddenly. Auden is in Denny’s world. And Denny is in Auden’s.The two Audens have switched places. No one but them has any idea. And now, each girl must come into her own power in order to fight the other’s dragons.&nbsp;The magical beasts of Impossible Creatures meet the body-swap of Freaky Friday, set in a world as fantastical as Wicked’s Oz!&nbsp;

The Ordinary and Extraordinary Auden Greene

Objekte widersprechen - Objects Talk Back

Inspiriert von einem Geschichtenmesser (storyknife) aus dem Walross-Elfenbein der Arktis schafft die mexikanische Schriftstellerin Cristina Rivera Garza eine facettenreiche Erzählung, die Fragen stellt: Woran wird erinnert? Und wie? Für wen? Die flüchtigen Striche eines solchen Messers wurden traditionell von jungen Yup´ik-Mädchen in die Erde oder in den Schnee gezeichnet; ihre Geschichten verwehten oder zerrannen. Rivera Garza verbindet diese kraftvolle indigene Praxis mit der Dokumentation von Gewalt in partnerschaftlichen Beziehungen, Gewalt gegen Frauen – Geschichten, die oft genug verschwinden. Könnte ein Geschichtenmesser dabei helfen, diese Auslöschung rückgängig zu machen?

Femizid in den Schlamm schreiben

Dem Messer die Klinge nehmen

SHORTLISTED FOR THE KERRY GROUP IRISH NOVEL OF THE YEAR AWARD AN IRISH TIMES DEBUT AUTHOR TO LOOK OUT FOR 2025 'Beautifully written' LOUISE KENNEDY 'Full of verve and wit and humanity' MARY COSTELLO 'Clever and original' TLS 'A tremendous new talent' KEVIN BARRY Mairéad works tirelessly in a run-down West End theatre's wardrobe department - mending shoes, fixing broken zips and even handwashing underwear. She must also sidestep groping hands backstage and withstand the relentless bullying of the show's producer. The job was meant to be the first step towards the life Mairéad has always wanted, and yet half of her remains back home in Ireland, along with everything she abandoned there. A reckoning with the past is coming and, with it, the need to forge a new present - one stitch at a time.

The Wardrobe Department

'Dieses Buch hat das Zeug zu einem echten Blockbuster.'&nbsp;
 

 - Jurybegründung zur Nominierung zum Preis der Leipziger Buchmesse 2026
 

 Santa Monica, Pacific Palisades oder Beverly Hills - das sind die klingenden Namen des kalifornischen Idylls, in dem sie Zuflucht gefunden haben: Filmemacher und Schauspieler, Schriftsteller und Intellektuelle, die in den 1930er- und 1940er-Jahren vor den Nazis aus Europa fliehen mussten. Sie bilden eine Solidargemeinschaft der Exilierten: Bertolt Brecht, Helene Weigel und Hanns Eisler, Billy Wilder und Vicki Baum, Fritz Lang und William Wyler, Thomas und Heinrich Mann. Wer in Berlin, Wien oder Prag einen Namen hatte, folgte dem Ruf der boomenden Filmindustrie Hollywoods. Doch dieses romantische 'Weimar am Pazifik' ist nicht die ganze Geschichte: Noch während sie im beginnenden Krieg ihren mal militärischen, mal moralischen Beitrag aufseiten der Alliierten leisten, werden die Geflüchteten zu Verdächtigen. Eben noch als noble Nazi-Gegner gefeiert, wird jetzt ihr Müll vom FBI durchsucht - der 'red scare' und der McCarthyismus machen aus Freigeistern und Linksliberalen feindliche 'Kommunisten'. Das Land, das Zuflucht war, wandelt sich zum Ort der Repression und Verfolgung. 

 Fesselnd und stimmungsvoll, anhand bisher unveröffentlichter Dokumente aus Archiven in Los Angeles zeichnet Jan Jekal nach, wie sich die Exilierten gegen das autoritäre Amerika wehrten - mit Aktivismus, Witz, Courage und mit Filmen, die zu Klassikern geworden sind -, aber auch, wie einige von ihnen an Amerika verzweifelten.

»Dieses Buch hat das Zeug zu einem echten Blockbuster.«&nbsp;
 – Jurybegründung zur Nominierung zum Preis der Leipziger Buchmesse 2026 Santa Monica, Pacific Palisades oder Beverly Hills – das sind die klingenden Namen des kalifornischen Idylls, in dem sie Zuflucht gefunden haben: Filmemacher und Schauspieler, Schriftsteller und Intellektuelle, die in den 1930er- und 1940er-Jahren vor den Nazis aus Europa fliehen mussten. Sie bilden eine Solidargemeinschaft der Exilierten: Bertolt Brecht, Helene Weigel und Hanns Eisler, Billy Wilder und Vicki Baum, Fritz Lang und William Wyler, Thomas und Heinrich Mann. Wer in Berlin, Wien oder Prag einen Namen hatte, folgte dem Ruf der boomenden Filmindustrie Hollywoods. Doch dieses romantische »Weimar am Pazifik« ist nicht die ganze Geschichte: Noch während sie im beginnenden Krieg ihren mal militärischen, mal moralischen Beitrag aufseiten der Alliierten leisten, werden die Geflüchteten zu Verdächtigen. Eben noch als noble Nazi-Gegner gefeiert, wird jetzt ihr Müll vom FBI durchsucht – der »red scare« und der McCarthyismus machen aus Freigeistern und Linksliberalen feindliche »Kommunisten«. Das Land, das Zuflucht war, wandelt sich zum Ort der Repression und Verfolgung. Fesselnd und stimmungsvoll, anhand bisher unveröffentlichter Dokumente aus Archiven in Los Angeles zeichnet Jan Jekal nach, wie sich die Exilierten gegen das autoritäre Amerika wehrten – mit Aktivismus, Witz, Courage und mit Filmen, die zu Klassikern geworden sind –, aber auch, wie einige von ihnen an Amerika verzweifelten.

Wie die USA exilierte Künstler erst retteten und dann verfolgten 1941–1953

Paranoia in Hollywood

'I came to realise my mother was a lioness. She was soft and strong at the same time and had the gentlest of hearts.' - Sean Hepburn FerrerThe deeply personal, official biography of Audrey Hepburn, full of untold stories exclusive photos and cherish memories from her son Sean Hepburn Ferrer, one of the people who knew her best.Audrey Hepburn was many things. She was a child survivor of the Second World War. She was a symbol of timeless style. She played a runaway princess, an eccentric socialite and a nun struggling with her faith. But perhaps her greatest contribution to the world was as a selfless humanitarian in the final years of her life.For Sean Hepburn Ferrer, Audrey was also his mother. In INTIMATE AUDREY, he candidly recounts how the shy 'girl from across the landing' became the star we remember and love today. Featuring never-before-seen photographs and excerpts from her personal letters, this book is an intimate portrait of Audrey: as an icon, as a mother and as an altruist who drew on her own experience of hunger and suffering to advocate fiercely for children in war-torn countries.Audrey shines in this moving portrait of a mother by her son; a visionary woman who continues to defy all expectations decades after her death.

The Authorised Biography

Intimate Audrey

Dieses Buch bietet einen umfassenden Überblick über Ostalgie-Filme zur DDR, die seit den 1990er-Jahren entstanden sind. Ostalgie ist kein homogenes Phänomen, das den totalitären Staat verklärt, sondern ein vielschichtiges, reflexives und teils subversives Filmgenre. Astafeva sieht den Kern der „Ostalgie" in einer Erfahrung der Distanz, die durch verschiedene ästhetische Strategien „vorfokussiert" wird. Diese genrebasierte Definition erlaubt es, das Phänomen in seiner Heterogenität zu erfassen und die zugrunde liegenden Mechanismen offenzulegen. Der kognitivistisch-phänomenologische Ansatz stützt sich auf historiografische und genretheoretische Grundlagen sowie auf die Analyse von Filmbeispielen – von bekannten Ostalgie-Filmen wie Good Bye, Lenin! (Wolfgang Becker, 2003) bis zu weniger bekannten Produktionen und aktuellen Serien wie Kleo (2022–2024). Diese Beispiele ermöglichen die Erkundung verschiedener Funktionen ostalgischer Erfahrung. Ostalgie-Filme können konservative Geschichtsauffassungen fördern und die Distanz durch eine Ästhetik von Kitsch und Retro betonen. Sie können aber auch reflexive und metareflexive Perspektiven eröffnen, die eine kritische Auseinandersetzung mit der DDR-Vergangenheit ermöglichen. Zudem können sie historisches Bewusstsein aktivieren, zur Wissensproduktion beitragen und ethisches Denken sowie Empathie fördern.

Ostalgie im deutschen Kino nach der Wiedervereinigung

Movies To-Go

TRON war nie nur ein Film über Computer. 

 Er war ein früher Mythos über das Verhältnis von Mensch, Maschine, Schöpfung und Kontrolle.
 

 1982 öffnete 
 TRON
 ein Kinoportal aus Licht, Raster, Neon und digitalem Glauben. In einer Zeit, in der Personal Computer gerade erst begannen, in den Alltag einzudringen, stellte der Film bereits Fragen, die heute drängender wirken denn je: Was geschieht, wenn der Mensch seine Gedanken in Maschinen legt? Wann wird aus Programmierung Identität? Kann Code Bewusstsein tragen? Und was passiert, wenn die Schöpfung beginnt, ihren Schöpfer zu beobachten?
 TRON - Zwischen Schöpfer und Schöpfung
 liest den ursprünglichen Film von 1982, 
 TRON: Legacy
 , 
 TRON: Uprising
 und 
 TRON: Ares
 als zusammenhängenden digitalen Mythos. Im Zentrum stehen Kevin Flynn als moderner Prometheus, das Master Control Program als algorithmische Machtfigur, CLU als narzisstischer Traum vom perfekten System und die wiederkehrende Frage nach einer Seele im Code.
 

 Das Buch verbindet 
 Filmgeschichte, Psychologie, Philosophie und digitale Kultur
 . Es untersucht die Welt des Rasters als Schöpfungsraum, als Kontrollsystem, als Spiegel des menschlichen Bewusstseins und als Vorahnung unserer heutigen Gegenwart zwischen Künstlicher Intelligenz, Simulation, algorithmischer Ordnung und digitaler Selbstbeobachtung.
 

 Dabei geht es nicht um technische Prognosen und nicht um bloße Nostalgie. Die Analyse fragt nach den kulturellen, symbolischen und psychologischen Bedeutungen hinter den ikonischen Neonbildern: nach dem Glauben der Programme an ihre User, nach dem digitalen Prometheus-Mythos, nach Platons Höhle im Code, nach Perfektion als Gefahr und nach Empathie als Störung im System.
 Im Buch: 

 ¿ 
 Filmanalyse:
 TRON 1982, Legacy, Uprising und Ares im Zusammenhang
 

 ¿ 
 Figuren &amp; Psyche:
 Flynn, Tron, MCP, CLU, Quorra und Ares
 

 ¿ 
 Mythos &amp; Deutung:
 Prometheus, User-Glaube, digitale Seele, Höhle des Codes
 

 ¿ 
 Technik &amp; Kontrolle:
 KI, Perfektion, algorithmische Macht und Verantwortung
 

 ¿ 
 Stil &amp; Wirkung:
 Neon, Raster, Licht, Sound und die Ästhetik des Digitalen
 

 Ein essayistischer Filmband über einen Science-Fiction-Klassiker, der lange vor unserer Gegenwart ahnte, dass digitale Systeme mehr sein könnten als Werkzeuge: Spiegel, Götter, Gefängnisse - und vielleicht die ersten Räume eines neuen Bewusstseins.

Die Philosophie der digitalen Götter und die Zukunft des Bewusstseins

TRON - Zwischen Schöpfer und Schöpfung (Movies To-Go)

This catalogue raisonné of works by Italian artist Fabio Mauri (Rome, 1926-2009) is edited by Carolyn Christov-Bakargiev. Comprising an introductory essay by the author and images of over 3,600 works accompanied by extended captions, it constitutes the most comprehensive study of the artist's oeuvre to date.
One of the leading figures of the post-war Italian avant-garde, Mauri was a multifaceted figure-visual artist, writer, educator, publisher, and overall intellectual- whose work is distinguished by his prophetic insights into the power of the screen in contemporary society and his research into ideology, memory and manipulation.

This catalogue raisonné of works by Italian artist Fabio Mauri (Rome, 1926–2009) is edited by Carolyn Christov-Bakargiev. Comprising an introductory essay by the author and images of over 3,600 works accompanied by extended captions, it constitutes the most comprehensive study of the artist’s oeuvre to date.
One of the leading figures of the post-war Italian avant-garde, Mauri was a multifaceted figure—visual artist, writer, educator, publisher, and overall intellectual— whose work is distinguished by his prophetic insights into the power of the screen in contemporary society and his research into ideology, memory and manipulation.

Fabio Mauri. Catalogue Raisonné

Film-Konzepte

Yorgos Lanthimos gehört zu den prägnantesten, gleichzeitig wandelbarsten Regisseuren des Gegenwartskinos. Seine Wurzeln hat er im sogenannten Weird Greek Cinema, dessen international bekanntester Vertreter er wurde. 
Lanthimos' noch in Griechenland produzierte Filme "Alps" und vor allem "Dogtooth" wurden zu Klassikern eines neuen Kinos der Groteske, in deren Mittelpunkt provokante Sozialkritik im Sinne einer Sezierung der Kommunikations- und Emotionsdefizite zeitgenössischer Gesellschaften steht. Diese Themen übertrug er dann auch auf seine internationalen Produktionen wie "The Lobster" oder "The Killing of a Sacred Deer", für die er trotz ihrer Sperrigkeit schnell Starbesetzungen aufbieten konnte. Gleichzeitig blieb Lanthimos seinen Wurzeln treu, neben dem opulenten Oscar-prämierten Kostümfilm "Poor Things" produzierte er zeitgleich den "kleinen", an seine frühen griechischen Filme angelehnten Ensemblefilm "Kinds of Kindness". Dass er mit "The Favourite" auch bedenkenlos ins Mainstream-Fach wechseln konnte, ohne seine ihm eigene Bildsprache zu verlieren, spricht für die Vielseitigkeit und Kreativität eines der interessantesten Filmemacher unserer Zeit.

Yorgos Lanthimos

Refocus: The Films of Antoinetta Angelidi

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