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TROIKA: Pink Noise

Pink Noise

Troika

Françoise Pétrovitch, born in 1964, is among the most distinguished contemporary artists in France. Her art reveals ambiguous, often transgressive worlds that play with conventional boundaries and defy interpretation. The intimate, the fragment, the disappearance, as well as themes such as doppelgängers, transition, and cruelty, run through her works, which are populated by animals, flowers, and creatures and whose atmosphere, alternately bright or nocturnal, rarely leaves a viewer untouched.
 Framed by the topic of absence, this volume features new and recent drawings, prints, and video art by Françoise Pétrovitch. Absence can be agonizing, a tragedy. As counterpart to presence, it is characterized by longing and projection. It describes the passing of time, distance, and lack. Painting itself is also characterized by absence: the artist, the model, the landscape, or the past moment are not truly present.
 Richly illustrated and with essays on Pétrovitch's art and the various techniques she uses, the book offers a deep look into the worlds she creates.

Ambiguous worlds that play with conventional boundaries and defy interpretation: the art of Françoise Pétrovitch

Von der Abwesenheit

Françoise Pétrovitch

in der Kunst

Die Taube als Sinnbild des Friedens, die Eule als Ausdruck von Weisheit, der Rabe als Unglücksbringer und Todesbote: Über alle Epochen und Ländergrenzen hinweg haben sich Künstler der Symbolik von Vögeln bedient. Ihr prächtiges Federkleid und ihre besondere Anatomie faszinierte Maler wie Albrecht Dürer, Giuseppe Arcimboldo oder René Magritte und inspirierte sie zu Gemälden, Zeichnungen und Grafiken.
Von Meisen und Zaunkönigen über Greifvögel bis hin zu farbenfrohen Exoten zeigt dieser Band eine Auswahl der schönsten Vogel-Porträts der Kunstgeschichte vom frühen 16. Jahrhundert bis zur Gegenwart - jedes besonders in seiner künstlerischen Interpretation und ergänzt um Hintergrundwissen über die Entstehungsgeschichten der Werke, ihre Künstler und die unterschiedlichen Vogelarten.

Die Taube als Sinnbild des Friedens, die Eule als Ausdruck von Weisheit, der Rabe als Unglücksbringer und Todesbote: Über alle Epochen und Ländergrenzen hinweg haben sich Künstler der Symbolik von Vögeln bedient. Ihr prächtiges Federkleid und ihre besondere Anatomie faszinierte Maler wie Albrecht Dürer, Giuseppe Arcimboldo oder René Magritte und inspirierte sie zu Gemälden, Zeichnungen und Grafiken.
Von Meisen und Zaunkönigen über Greifvögel bis hin zu farbenfrohen Exoten zeigt dieser Band eine Auswahl der schönsten Vogel-Porträts der Kunstgeschichte vom frühen 16. Jahrhundert bis zur Gegenwart – jedes besonders in seiner künstlerischen Interpretation und ergänzt um Hintergrundwissen über die Entstehungsgeschichten der Werke, ihre Künstler und die unterschiedlichen Vogelarten.

Vögel in der Kunst

Wenn die Kirche mit Kunst in Berührung kommt, geht es nicht nur um die sogenannte sakrale Kunst, sondern auch um Kommunikation, Lehre und Belehrung, Deutung, Demonstration und Polemik. Deshalb hatten die kirchlichen Autoritäten von jeher ein wachsames Auge nicht nur auf moralische und dogmatische Fragen, sondern auch auf die künstlerische Auseinandersetzung damit. So sind mit der kirchlichen Kunst auch Bilderstürme, Bilderverbote und Polemiken verbunden. Sie steht zudem symptomatisch für das Auseinanderdriften der östlichen und der römischen Kirche seit dem Hochmittelalter.
Josef Imbach erzählt Kirchengeschichte auf einzigartige Weise, nämlich anhand der Kunst. Wo nötig, skandalisiert er auch. Anhand vieler Beispiele erklärt er die christlichen Bildsymboliken und zeigt auf, dass Kunst immer auch eine Verarbeitung zeitgebundener Überzeugungen und Glaubensformen ist. Für ein besseres «Sehvermögen» und ein besseres Verständnis einer fast 1700-jährigen Bild- und Bildergeschichte.

Was Bilder vermitteln – und woran sie Kritik üben

Kirche und Kunst

20 Lesezeichen

Lesen mit Klimt Lesezeichen VE 20

"Dreams are universal."An air of confidence and vibrancy, but also vulnerability and fragility surround the works of the Iranian artist, photographer, and filmmaker Shirin Neshat (b. Qazvin, 1957; lives and works in New York). Central themes in Neshat's art are identity, origin, and power structures. Her works are defined by a melding and broadening of the rich visual traditions of Persian and Western art. The US-based artist's work is now the subject of the museum's first presentation in association with the Written Art Collection. Neshat's most recent work, Land of Dreams (2019), revolves around Persian calligraphy and Western canon of portraiture and combines for the fist time the media of photography and video in a single work. Combining documentary and fictional elements, it scrutinizes the American dream and its flipsides. The artist conducted interviews with the portrayed, asking them about their dreams, and then integrated summaries in Persian into the photographs together with traditional visual motifs. Interweaving writing, gestural expression, and formal variety achieves a rhythmical poetic density as it gathers individual narratives that reflect universal human experiences. The catalogue accompanying the exhibition puts the focus on the conjunction of writing and image with a special focus on the series Roja (2016), The Home of My Eyes (2015), The Book of Kings (2012), and Possessed (2001). With a preface by Bernhard Maaz, essays by Sussan Babaie, Christian Boehringer, Judith Csiki and Thomas Kellein, and an interview with the artist by Judith Csiki.

Shirin Neshat

Living in One Land, Dreaming in Another

Naturbilder / Images of Nature

Das Buch zeigt erstmals auf, wie die unsichtbare Pflanzenseele in Kunst, Film, Tanz und Wissenschaft Frankreichs dargestellt und mit religiösen und biologischen Konzepten vermischt wurde. Die Bandbreite der Visualisierungen reicht von romantischen Personifikationen im frühen Film über fleischfressende zoomorphe Monster bis zu Ornamenten bei FrantiSek Kupka und Loïe Fuller, die Pflanzenbewegungen zu einem abstrakten Dynamismus stilisierten. Auch der neu erfundene Zeitrafferfilm zeigt das langsame Leben der Pflanzen beschleunigt und schreibt ihnen so Willen und Ausdruck zu. Die Kunst- und Bildgeschichte der postevolutionären anima vegetativa verdeutlicht, dass der vegetabile Animismus Konzeptionen von Natur, Wahrnehmung und Wirkmacht hinterfragt und damit auch den Sonderstatus des Menschen.

Do plants have a soul? This first-ever study examines how the invisible souls of plants were depicted in French art, film, dance and science around 1900, including the way these depictions were melded with religious and biological concepts. The aesthetic and pictorial history of post-evolutionary anima vegetativa shows how plant animism questioned conceptions of nature, perception and power, and, by extension, the special status of human beings.

Florale Animationen in bildender Kunst, Film und Tanz Frankreichs um 1900

Anima vegetativa

Die neue große Biografie König Ludwigs I. 
 Ludwig war ein hoch emotionaler Mensch: aufbrausend und heftig, spontan und unvorsichtig, enthusiastisch und begeisterungsfähig. Gegen die reservierte Zurückhaltung der höfischen Gesellschaft und die Vernunftbestimmtheit der aufgeklärten Beamtenschaft setzte er Vitalität und Leidenschaft. Noch nie kam man dem bedeutendsten bayerischen König so nahe wie in der neuen Biografie von Marita Krauss. Die Historikerin konnte Ludwigs Tagebuchaufzeichnungen und sein Träumebuch auswerten und rückt den König so in ein neues Licht. 

 
 Bekannt ist Ludwig als Kunstsammler und Erbauer der Kunststadt München, als Philhellene und "teutscher" Patriot. Er war ein politisch versierter, äußerst diszipliniert arbeitender Regent, der für Bayern mit Kunst Politik machte. Hinter der Disziplin standen jedoch Leidenschaftlichkeit, Mut und Schöpferkraft. Marita Krauss kann nun die Persönlichkeit des Königs genauer fassen, dessen Privatleben oft auf angeblich skandalöse Frauengeschichten reduziert wurde. Die Tagebücher zeigen seine reiche Gefühlswelt und seinen weiten Horizont, seine Originalität, seine Bereitschaft, über Grenzen zu gehen. Seine vielfach missverstandenen Verhältnisse zu Frauen wie der Marchesa Marianna Florenzi oder Lola Montez erweisen sich als die hoch idealisierten Liebesbeziehungen eines leidenschaftlichen Romantikers. Diese neue Biografie lässt neben den politischen Entwicklungen den Menschen Ludwig nahbarer werden und zeigt eindrücklich, welche Auswirkungen Gefühle auf politisches Handeln haben konnten. 

 <ul><li> "Krauss zeigt, wie spannend und unterhaltsam wissenschaftliches Erzählen sein kann." Yvonne Poppek, Süddeutsche Zeitung über "Das Leben der Lola Montez" </li><li>Die neue Biografie auf Grundlage der unveröffentlichten Tagebücher des Königs</li><li>Einblicke in Privatleben und Gefühlswelt Ludwig I.</li><li>Reich an Anekdoten und intimen Einsichten </li></ul>

Träume und Macht

Ludwig I. von Bayern

Schriften des documenta archivs

Der Kasseler Fotograf Dieter Schwerdtle verglich die Arbeit am fotografischen Porträt gern mit dem Führen eines Gesprächs. Die Intimität des Blicks, das Gespür für sein Gegenüber verbanden sich mit einem spielerischen Zugang zur artifiziellen Pose. Das gilt für die Aufnahmen von documenta-Künstlern wie Richard Serra, Jonathan Borofsky oder Ilya Kabakov ebenso wie für Arbeiter in nordhessischen Betrieben. Schwerdtles Fotos der Aktion 7000 Eichen aus dem Jahr 1982 prägen das kollektive Beuys-Bild bis heute. Diese präzise Auswahl würdigt erstmals die bislang wenig bekannte Position dokumentarischer Künstlerfotografie mit Arbeiten aus dem Schwerdtle-Nachlass des documenta archivs. Neben den Porträts finden sich Ausstellungsansichten entlang der documenta 5 bis 11 mit ihren überraschenden, mitunter verborgenden Perspektiven eigentlich bekannter Werke, die gewohnte Rezeptionen unterlaufen. 

Erscheint in der Reihe: Schriften des documenta archivsDIETER SCHWERDTLE (1952-2009) studierte Fotografie bei Floris M. Neusüß an der Kunsthochschule Kassel. Seit 1981 arbeitete er in der dortigen Künstler- und Kulturszene als Dokumentarfotograf, u.a. im Auftrag der Zeitschrift Kunstforum International.

Der Kasseler Fotograf Dieter Schwerdtle verglich die Arbeit am fotografischen Porträt gern mit dem Führen eines Gesprächs. Die Intimität des Blicks, das Gespür für sein Gegenüber verbanden sich mit einem spielerischen Zugang zur artifiziellen Pose. Das gilt für die Aufnahmen von documenta-Künstlern wie Richard Serra, Jonathan Borofsky oder Ilya Kabakov ebenso wie für Arbeiter in nordhessischen Betrieben. Schwerdtles Fotos der Aktion 7000 Eichen aus dem Jahr 1982 prägen das kollektive Beuys-Bild bis heute. Diese präzise Auswahl würdigt erstmals die bislang wenig bekannte Position dokumentarischer Künstlerfotografie mit Arbeiten aus dem Schwerdtle-Nachlass des documenta archivs. Neben den Porträts finden sich Ausstellungsansichten entlang der documenta 5 bis 11 mit ihren überraschenden, mitunter verborgenden Perspektiven eigentlich bekannter Werke, die gewohnte Rezeptionen unterlaufen.&nbsp;
 
 Erscheint in der Reihe: Schriften des documenta archivs
 DIETER SCHWERDTLE (1952–2009) studierte Fotografie bei Floris M. Neusüß an der Kunsthochschule Kassel. Seit 1981 arbeitete er in der dortigen Künstler- und Kulturszene als Dokumentarfotograf, u.a. im Auftrag der Zeitschrift Kunstforum International.

Der Fotograf Dieter Schwerdtle

Imaging Beuys

Kunst für Kinder

Midas Kinderbuch

Farbenfrohe lebendige Kunstgeschichte im Atelier der jeweiligen Epoche - Einzigartig illustriert und mehrfach mit Preisen ausgezeichnet!
Emese Révész, Kunsthistorikerin, und Alexandra Grela, Malerin und Illustratorin, präsentieren eine Geschichte der Kunst, von den Höhlenmalereien von Altamira bis zu den Graffiti von Banksy, mit Bildern von 25 Künstlern von epochaler Bedeutung. Alle Szenen spielen sich im Atelier ab, dem Ort, an dem die Kunst geboren wird, dem Ort der eigentlichen Schöpfung.
Mit Humor und Verspieltheit zieht das mehrfach preisgekrönte Buch die Leserschaft in die verschiedenen Stile und Epochen hinein und macht so die Trends, die Techniken, die Visionen einer Epoche, die sich wandelnden Arbeitstechniken und die Art und Weise des Schaffens greifbar. Gleichzeitig können wir beobachten, wie sich die Umgebung der Menschen im Laufe der Zeit verändert hat.
Die Illustrationen sind immer im Stil der jeweiligen Zeit gehalten und enthalten als kleines Extra einige Elemente, die dort nicht hingehören und von den Leser:innen gesucht (und gefunden) werden sollen.

Bist du neugierig, was Bildhauer früher inspiriert hat? Möchtest du wissen, wie Maler über die Jahrhunderte gearbeitet haben?

Dann komm mit: Wir reisen durch die Geschichte der Kunst und werden einen Blick in die Ateliers berühmter Künstler.:
- Niki de Saint Phalle
- Albrecht Dürer
- Frida Kahlo
- Louise Bourgeois
- Christo
- Andy Warhol
und viele andere.

Farbenfrohe lebendige Kunstgeschichte im Atelier der jeweiligen Epoche - Einzigartig illustriert und mehrfach mit Preisen ausgezeichnet!

Emese Révész, Kunsthistorikerin, und Alexandra Grela, Malerin und Illustratorin, präsentieren eine Geschichte der Kunst, von den Höhlenmalereien von Altamira bis zu den Graffiti von Banksy, mit Bildern von 25 Künstlern von epochaler Bedeutung. Alle Szenen spielen sich im Atelier ab, dem Ort, an dem die Kunst geboren wird, dem Ort der eigentlichen Schöpfung.
Mit Humor und Verspieltheit zieht das mehrfach preisgekrönte Buch die Leserschaft in die verschiedenen Stile und Epochen hinein und macht so die Trends, die Techniken, die Visionen einer Epoche, die sich wandelnden Arbeitstechniken und die Art und Weise des Schaffens greifbar. Gleichzeitig können wir beobachten, wie sich die Umgebung der Menschen im Laufe der Zeit verändert hat.
Die Illustrationen sind immer im Stil der jeweiligen Zeit gehalten und enthalten als kleines Extra einige Elemente, die dort nicht hingehören und von den Leser:innen gesucht (und gefunden) werden sollen.

Eine Reise durch die Ateliers der Kunstgeschichte

Wo Kunst gemacht wird

A - Z Reihe

Niki de Saint Phalle liebte Pseudo-Ordnungen, mit deren Hilfe sie willkürlich Begriffe und Piktogramme auf einem Zeichenblatt versammelte. Unter der Überschrift »I Love« treffen so das Zeichen einer Schlange auf das Emblem für Gerechtigkeit, ein oranger Fleck für die entsprechende Farbe auf zwei Sterne als Symbol für Astrologie.
Niki de Saint Phalle A-Z nimmt sich dieselbe Freiheit und fügt die vielfältigen Facetten des Werks Niki de Saint Phalles in die Ordnung eines Alphabets. Der Schein einer logischen Reihung trügt jedoch. Von A wie AIDS bis Z wie Züricher Engel, von B wie Braut bis V wie Vanitas entsteht vielmehr ein Begriffsmosaik, das verschiedene Bedeutungsebenen des OEuvres herausfiltert und sie in ein offenes Spiel gegenseitiger Kommentierung entlässt.

 

NIKI DE SAINT PHALLE (1930-2002) ist eine der bedeutendsten Künstlerinnen und Bildhauerinnen ihrer Generation. Aufgewachsen in Paris und New York, kehrte sie in den 1950er-Jahren nach Paris zurück, wo sie ihre künstlerische Karriere mit ihren legendären »Schießbildern« begann und ihre sinnlichen Frauenfiguren, die Nanas, sie über die Kunstwelt hinaus populär machten.Kunsthistorikerin KATHARINA SYKORA (*1955) war von 1994 bis 2018 Professorin an der Universität Bochum und der HBK Braunschweig. Forschungen zur Konstruktion von Autorschaft, Geschlecht und Transmedialität.

Niki de Saint Phalle – Künstlerin, Rebellin und Visionärin. Bekannt für ihre farbenfrohen „Nanas“, ihre gesellschaftskritischen Werke und ihre unkonventionelle Arbeitsweise, zählt Niki de Saint Phalle zu den prägendsten Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts.In diesem Band der Hatje Cantz Reihe A–Z entfaltet sich ein faszinierendes Mosaik ihres Œuvres. Von „A wie AIDS“ bis „Z wie Züricher Engel“ führt das Buch durch die vielfältigen Facetten von Saint Phalles Leben und Schaffen – spielerisch, überraschend und inspirierend. Ein einzigartiger Zugang zu einer Künstlerin, die ihre Freiheit immer neu definierte.<ul><li>Von Nanas bis Züricher Engel: Das gesamte Spektrum von Saint Phalles Werk.</li><li>Künstlerische Freiheit: Ein kreativer Zugang zur Kunst durch Alphabet-Ordnung.</li><li>Inspirierender Lesegenuss: Ein Buch, das die Vielfalt und Tiefe ihrer Kunst lebendig macht.</li></ul>Hatje Cantz A–Z – Kunstgeschichte kompakt und inspirierend.Die Hatje Cantz Buchreihe A–Z bringt große Künstlerinnen und Künstler der Kunstgeschichte in kompakter, unterhaltsamer Form näher. Jeder Band bietet biografische Einblicke, überraschende Details und spannende Perspektiven auf ihr Schaffen. Mit klarer Struktur und handlichem Format ist die Reihe der ideale Begleiter für Kunstinteressierte, Sammler und Neuentdecker.NIKI DE SAINT PHALLE (1930–2002) ist eine der bedeutendsten Künstlerinnen und Bildhauerinnen ihrer Generation. Aufgewachsen in Paris und New York, kehrte sie in den 1950er-Jahren nach Paris zurück, wo sie ihre künstlerische Karriere mit ihren legendären »Schießbildern« begann und ihre sinnlichen Frauenfiguren, die Nanas, sie über die Kunstwelt hinaus populär machten.Kunsthistorikerin KATHARINA SYKORA (*1955) war von 1994 bis 2018 Professorin an der Universität Bochum und der HBK Braunschweig. Forschungen zur Konstruktion von Autorschaft, Geschlecht und Transmedialität.

Niki de Saint Phalle: A–Z

Now available in a wallet-friendly pocket edition, this artist's book by David Hockney collects 120 iPhone and iPad paintings, recording his perceptions of the world from the window of his Yorkshire home. Each image depicts a fleeting moment-together they paint the passage of time through Hockney's eyes.

David Hockney. My Window

The catalogue A Meeting of Cultures: Fashions of North Africa is a pathbreaking work focused specifically on contemporary fashion designers and influencers in Morocco, Algeria, Tunisia, Libya and Egypt. This work broadens the scope of scholarship on the fashion industry, which to date has focused primarily on American and European designers. To illuminate the myriad ways North Africans dress, this catalogue showcases the works of contemporary fashion designers along with photography by fashion photographers, journalists, and social media influencers. The catalogue is organized around five themes which bring together the work of fashion practitioners from different countries and draw out the diverse approaches to retaining cultural distinctiveness while adapting to contemporary concerns ranging from sustainability to gender identity.

Fashioning North Africa

A Meeting of Cultures

Pink Noise

Bibliografische Angaben

Schlagworte

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