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: Schweizerische Zivilprozessordnung (Art. 1–352 ZPO sowie Art. 400–408 ZPO)</div>

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Wall T: Petra Frey: Glas-Licht

Petra Frey: Glas-Licht

Stoffe aus Westfalen in Afrika? Für zwei Unternehmen aus Hagen und Herdecke war dies ein profitables Geschäft. Über viele Jahrzehnte produzierten und exportierten sie sogenannte African Prints. Die Publikation Muster und Märkte geht diesen globalen Verflechtungen der westfälischen Textilindustrie nach.

Ausgangspunkt sind die beiden Stoffdruckereien Heinrich Habig AG in Herdecke (1809-1966) und Göcke &amp; Sohn AG in Hohenlimburg (1805-1972). Sie exportierten von den 1920er- bis in die 1960er-Jahre in verschiedene Länder des afrikanischen Kontinents. Ihre "typisch afrikanischen" Stoffe zeugen von globalen Handelsbeziehungen und wandernden Motiven, von politischen Fragen und (post-)kolonialen Kontinuitäten, von ökonomischen Strukturen und kulturellen Transfers - früher wie heute. Das Buch erzählt vor diesem Hintergrund eine bislang unbekannte Kultur-, Wirtschafts- und Designgeschichte zwischen Westfalen und dem afrikanischen Kontinent. Historische Stoffe, Fotografien und Dokumente werden durch Mode afrodiasporischer Designer*innen und künstlerische Interventionen ergänzt.

Auf den Spuren westfälischer African Prints

Muster und Märkte

Das Museum Ludwig verfügt über eine herausragende ständige Sammlung. Diese darf sich einiger Superlative rühmen: Sie enthält den umfangreichsten Pop-Art-Bestand außerhalb der USA, die drittgrößte Picasso-Sammlung der Welt, bedeutende Werke des deutschen Expressionismus und der Neuen Sachlichkeit sowie rund 70.000 Fotografien, die die Geschichte des Mediums von seinen frühsten Anfängen bis heute abbilden. Damit besitzt das Museum Ludwig eine der international wichtigsten Sammlungen von Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts. Diese wird in dieser Publikation anhand von 146 Werken dargestellt. Die Auswahl ist geleitet von dem Bestreben, die Sammlung durch bisher vernachlässigte Positionen aus dem nicht europäischen Kontext sowie durch Werke der noch immer unterrepräsentierten Künstlerinnen zu erweitern. Sie wirft aktuelle Schlaglichter auf die in stetigem Wachstum und Wandel begriffenen Museumsbestände.

Text: Dominik Busch, llona Ciesielski, Stephan Diederich, Yilmaz Dziewior, Barbara Engelbach, Erich Franz, Julia Friedrich, Erec Gellautz, Barbara Hess, Silke Immenga, Christina Irrgang, Rita Kersting, Ania Köyszko, Adelheid Komenda, Michael Krajewski, Helena Kuhlmann, Iris Maczollek, Christiane Meixner, Kathrin Michel, Janice Mitchell, Anne Niermann, Leonie Pfennig, Luise Pilz, Thomas Pöhler, Andreas Prinzing, Leonie Radine, Joanne Rodriguez, Katrin Sauerländer, Simone Schmahl, Leonore Spemann, Rainer Stamm, Miriam Szwast

Ausst. Kat. Museum Ludwig, Köln

Museum Ludwig. 146 Artworks from the Collection

Der 13. Ernst-Rietschel-Preis für Skulptur ging an die Künstlerin Iman Issa (*1979 in Kairo), die in ihrem Werk die Geschichte von Museen und Sammlungen sowie des Erinnerns reflektiert. Ihre Installationen aus Skulptur, Fotografie und Schrift arbeiten häufig mit den Wechselwirkungen von Text und Objekt und zeigen eindrücklich, wie sehr (Be-)deutung von Kontext, Display und Zuschreibung abhängt - und wie sich diese im Lauf der Zeit oder durch Transfer verschieben.
Iman Issa befragt kritisch wie poetisch die westlich geprägt Sammlungsgeschichte - so wie auch anlässlich der Preisträgerinnenausstellung 2025 im Albertinum. Es entstand ein Dialog zwischen den Werken Issas und der Sammlung des Albertinum, wodurch eine besondere Spannung entfaltet wurde. Ihre Interventionen an verschiedenen Orten im Albertinum machten den Besucherinnen und Besucher die institutionelle Macht, ihren Einfluss auf Rezeption und Wahrnehmung durch Titel, Kontext und Display auf spielerische und doch präzise Art überaus deutlich und nachvollziehbar.

13. Ernst-Rietschel-Preis für Skulptur 2024

Iman Issa. Das Spiel

Baukunstarchiv NRW

Leonie Reygers (1905-1985) gilt weit über Dortmund hinaus als bedeutende Persönlichkeit im deutschen Kulturbetrieb der Nachkriegszeit. Die Gründungsdirektorin und langjährige Leiterin des Museums am Ostwall in Dortmund - dem heutigen Standort des Baukunstarchivs NRW - war eine Pionierin der Kunstdidaktik und eine Botschafterin der künstlerischen Moderne.Unter ihrer Leitung entwickelte das Museum ab 1949 vielfältige Ausstellungen, die regionale Identität mit universellen Fragestellungen verbanden. Dabei wurde systematisch ein Nachkriegsmuseum zur Kunst des 20. Jahrhunderts aufgebaut. Durch ihr Engagement gewann die Stadt Dortmund eine kulturelle Identität, die nicht nur das Museum, sondern auch das städtische Leben prägte. Die Publikation erscheint anlässlich des 120. Geburtstages von Reygers sowie des 75-jährigen Bestehens des von ihr gegründeten Museums am Ostwall. Vorgestellt wird nicht nur eine außergewöhnliche Frau, Museumsleiterin, Kuratorin und Kulturvermittlerin, ihre Arbeit und wegweisende Ausstellungen - das Buch soll auch zum kritischen Diskurs und Austausch einladen.

Aus der Reihe "Baukunstarchiv NRW"

Leonie Reygers

100 Jahre GEDOK! Das heißt, 100 Jahre Künstlerinnen aller Disziplinen - Malerinnen, Bildhauerinnen, Schriftstellerinnen, Musikerinnen, Komponistinnen, aber auch darstellende Künstlerinnen und jene, die sich in mehreren Künsten zugleich bewegen und in keine Schublade
passen wollen - sowie Kunstfördernde vereint in einer Gemeinschaft mit dem Ziel, das Kunstschaffen von Frauen zu fördern und öffentlich sichtbar zu machen. Wie keine andere Gemeinschaft von Kunstschaffenden steht die GEDOK für Interdisziplinarität und überregionale Zusammenarbeit.
Im GEDOK-Buch Künste · Frauen · Netzwerk begegnen Texte Bildern und Skulpturen, die sich auch untereinander in Beziehung setzen; Kompositionen, die zu Texten oder Bildern entstanden, sind im Buch zugänglich über Partitur-Auszüge und QR-Codes. So bildet sich ein kreatives
Netz ab, das auf eindrucksvolle Weise das vielfältige Kunstschaffen der GEDOK-Künstlerinnen zeigt.

Künste, Frauen, Netzwerk

Paul Cezanne is widely regarded as one of the most influential artists of the nineteenth century and a key pioneer of modern art. By consciously breaking with the traditional rules of perspective, Cezanne reimagined painting as a construction of color, form, and structure. His radical approach laid the foundations for 
 Cubism
 and played a decisive role in the emergence of 
 painterly abstraction
 .&nbsp;
 
 This richly illustrated catalogue accompanies the major exhibition at the 
 Fondation Beyeler
 , which is dedicating a comprehensive solo exhibition to Cézanne for the first time in its history. Both the exhibition and the catalogue focus on the final and most significant phase of the artist's career, shedding light on the central themes of his late work: 
 still lifes, portraits, landscapes, and the iconic bather scenes
 .&nbsp;
 
 Featuring around 
 eighty oil paintings and watercolors
 , the catalogue offers an in-depth exploration of form, light, and color in Cezanne's groundbreaking works. These defining qualities have profoundly shaped generations of artists and continue to resonate within contemporary art today.&nbsp;
 
 A special highlight of the catalogue is an 
 illustrated biography of Paul Cezanne
 , 
 presented as a visually compelling graphic novel
 , which provides an accessible and engaging introduction to the artist's life and legacy.&nbsp;
 &nbsp;An essential publication for readers interested in modern art, nineteenth-century painting, and the origins of abstraction.Paul Cezanne's (1839-1906) oeuvre builds a bridge between Impressionism and abstraction. Through formal reduction to basic geometric elements and a new type of perspective, he became a pioneer of Cubism. The surroundings of his French hometown of Aix-en-Provence were often the subject of his paintings, in which he sought to achieve a "harmony parallel to nature."

Paul Cezanne is widely regarded as one of the most influential artists of the nineteenth century and a key pioneer of modern art. By consciously breaking with the traditional rules of perspective, Cezanne reimagined painting as a construction of color, form, and structure. His radical approach laid the foundations for 
 Cubism
 and played a decisive role in the emergence of 
 painterly abstraction
 .&nbsp;
 
 This richly illustrated catalogue accompanies the major exhibition at the 
 Fondation Beyeler
 , which is dedicating a comprehensive solo exhibition to Cézanne for the first time in its history. Both the exhibition and the catalogue focus on the final and most significant phase of the artist’s career, shedding light on the central themes of his late work: 
 still lifes, portraits, landscapes, and the iconic bather scenes
 .&nbsp;
 
 Featuring around 
 eighty oil paintings and watercolors
 , the catalogue offers an in-depth exploration of form, light, and color in Cezanne’s groundbreaking works. These defining qualities have profoundly shaped generations of artists and continue to resonate within contemporary art today.&nbsp;
 
 A special highlight of the catalogue is an 
 illustrated biography of Paul Cezanne
 , 
 presented as a visually compelling graphic novel
 , which provides an accessible and engaging introduction to the artist’s life and legacy.&nbsp;
 &nbsp;An essential publication for readers interested in modern art, nineteenth-century painting, and the origins of abstraction.Paul Cezanne's (1839–1906) oeuvre builds a bridge between Impressionism and abstraction. Through formal reduction to basic geometric elements and a new type of perspective, he became a pioneer of Cubism. The surroundings of his French hometown of Aix-en-Provence were often the subject of his paintings, in which he sought to achieve a “harmony parallel to nature.”

Cezanne

Oyster

Dies ist die erste umfassende Publikation, die die Vermengung von Feminismus, Gender und zeitgenössischer nordischer Kunst neu bewertet. Die sich wandelnde Natur des Nordischen wird eingehend untersucht, um das populäre Bild des liberalen Nordens in Hinblick auf Gender, Sexualitäten und Ethnien zu hinterfragen. Der intersektionale, transhistorische und transkulturelle Schwerpunkt liefert eine nuancierte Darstellung des Nordischen und entmystifiziert gebräuchliche Tropen, während er gleichzeitig die grundlegenden Anliegen heutiger Wissenschaftler*innen im Bereich feministischer Kunst widerspiegelt: Wohlfahrtsmodell, Gender, Sexualität und Körper, Transkulturalität und Entkolonialisierung sowie (Post-)Migration und posthumaner Feminismus.   Energischer Eingriff in und Neubewertung der Probleme, die aus der Vermengung von Feminismus, Gender und zeitgenössischer nordischer Kunst hervorgehen   Mit einem besonderen Schwerpunkt auf Entkolonialisierung und Transkulturalität

Nordic Art in the Transcultural Present

Transformative Feminisms

Der fotografische Nachlass von Heinrich und Thea Weskamp in der Deutschen Fotothek bildet den Ausgangspunkt für eine vergleichende Untersuchung der Bildpublizistik zum Thema Arbeit im Nationalsozialismus und in der Nachkriegszeit der BRD. Das Fotografenpaar arbeitete zwischen 1930 und 1960 für verschiedene illustrierte Zeitschriften. Mit ihren Bildern speisten sie den für die nationalsozialistische Ideologie zentralen Topos der 'Deutschen Arbeit'. Mit der Frage nach dessen Fortleben in den Bild- und Mediendiskursen der Nachkriegszeit widmet sich der Band einem Desiderat der fotohistorischen Forschung.
Anhand der drei Bereiche Landwirtschaft, Industrie und Hauswirtschaft analysiert die Autorin die Fotografien der Weskamps in ihren medialen und gesellschaftlichen Kontexten und zeigt dabei Kontinuitäten sowie Brüche in den (visuellen) Leitbildern von Arbeit auf. Die Publikation leistet zugleich eine erste kritische Aufarbeitung des fotografischen Nachlasses von Heinrich und Thea Weskamp sowie ihrer Netzwerke und Arbeitsweisen und verweist auf das Potenzial für weiterführende Forschungen.

Die Karriere des Fotografenpaares Heinrich und Thea Weskamp zwischen 1930 und 1960

"Deutsche Arbeit"

Die Schrebergartenlaube

Pred kratkim je Valentin Oman, eden najpomembnejših umetnikov avstrijske povojne generacije, praznoval svoj 90. rojstni dan. Njegovo ustvarjanje je posve¿eno raziskovanju ¿loveške eksistence v vseh njenih vidikih: kot reliefne, fragmentirane in ve¿plastne podobe se Omanove figure Ecce homo dvigajo s površine, postavljene na prese¿iš¿e liturgi¿ne tradicije, natan¿nega opazovanja narave in izkušenj civilizacije.

Rojen leta 1935 kot koroški Slovenec in oblikovan s katoliškim internatom, sledile so študije na Univerzi za uporabno umetnost na Dunaju, Oman pa je razvil prepoznavni vizualni jezik, ki združuje svete tradicije z avantgardnimi pristopi. Politi¿no in družbeno angažirano, njegovo delo odraža vojno, etni¿no raznolikost in politi¿ne konflikte, pri ¿emer nikoli ne izgubi humanisti¿ne dimenzije posameznika.

Ta monografija dokumentira Omanovo ve¿plastno ustvarjanje v neprimerljivi širini in hkrati deluje kot obsežen katalog. Združuje eseje, analize in intervjuje polifoni¿nega avtorska, s ¿imer postavlja Omanovo delo v umetnostnozgodovinski, teoreti¿ni in osebni kontekst.

Ecce Homo predstavlja Valentina Omana ne le kot umetnika, temve¿ kot kronista ¿loveštva: opus, ki združuje svetost, fragmentarnost in sodobnost v koherentno umetniško vizijo.

ECCE HOMO

Valentin Oman

n.b.k. Ausstellungen

Die Publikation enthält einen neuen Essay der Künstlerin, Fotografin, Autorin und Filmemacherin Moyra Davey. In aphoristischen Texten und kombiniert mit ihren eigenen fotografischen Aufnahmen, verwebt Davey ihre Erfahrungen als Fotografin mit Reflexionen über kanonische Produzent*innen und Theoretiker*innen des Mediums. Mit besonderem Fokus auf die Bildkomposition sowie den Umgang mit Licht, Zufall und Zeitlichkeit, konzentriert sich Davey auf die Arbeit von Fotograf*innen, die die Standards des (Selbst-)Porträts und der Repräsentation herausgefordert haben, und verbindet deren Ansätze mit zeitgenössischen queeren und feministischen Protagonist*innen des Genres. 

Text: Moyra Davey.

Portrait Mode presents a new essay by artist, photographer, writer, and filmmaker Moyra Davey. In aphoristic texts paired with her own photographs, Davey interweaves accounts of her experiences as a photographer with reflections on canonical practitioners and theorists of the medium. With a particular focus on framing, light, contingency, and temporality, she considers the work of photographers who have challenged conventions of (self-)portraiture and representation, connecting their approaches to contemporary queer and feminist protagonists of the genre. 

Text: Moyra Davey.

Ausst. Kat. n.b.k. Neuer Berliner Kunstverein

n.b.k. Ausstellungen Bd. 30: Moyra Davey. Portrait Mode

DKV-Kunstführer

"Unser Lieben Frauen" in Bremen is the city's oldest parish church, founded in the 11th century on former pagan sites. Its hall church with twin towers, extended choir, and Gothic aisles reflects Bremen's rich history: from Romanesque basilica to council church and the Protestant Reformation. Highlights include the St. Veit Chapel, the Baroque pulpit from 1709, and Alfred Manessier's abstract stained-glass windows, whose colors vividly accompany the liturgy. The church combines architecture, art, and history, offering visitors a unique cultural and spiritual experience.

Unser Lieber Frauen Bremen

Petra Frey: Glas-Licht

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