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Musik/1979 - 1995

In seiner Besprechung von Mark Turners letztem Quartettalbum für ECM, Return From The Stars (2022), bezeichnete Peter Rüedi in der Weltwoche das Programm als 'die denkbar schlankste, konzentrierteste und inspirierteste improvisierte Kammermusik.' Eine treffende Beschreibung für die kraftvollen Quartettausarbeitungen des Tenorsaxophonisten, die auf Patternmaster ihre bislang ausgereifteste und zugleich durchschlagskräftigste Form erreicht zu haben scheinen. Kompromisslose Improvisation ebenso wie kühle Kontrolle sind die antreibenden Motoren einer Gruppe, die ihr gemeinsames musikalisches Verständnis über Jahre hinweg auf Tour und im Studio weiterentwickelt hat. Turner und Jason Palmer entfalten Themen mit weitreichenden harmonischen Implikationen, getragen von Joe Martin am Kontrabass und Jonathan Pinson am Schlagzeug - Musikern, die sich mit den Bläsern auf melodischer, harmonischer und rhythmischer Ebene mit großer Intensität verzahnen. Den sechs Originalkompositionen Turners wohnt eine zeitlose Qualität inne, die den Geist der klassischen Bebop-Ära aufgreift und zugleich in die Zukunft weist. Patternmaster, 2024 in Südfrankreich aufgenommen, wurde von Manfred Eicher produziert.

Patternmaster

An uncompromising and sensually charged collection from one of the great practitioners of the short story. Squandering the Blue is Kate Braverman’s debut story collection, a fierce, hallucinatory vision of Southern California and the women who move through its heat, glamour, and wreckage. Set among artists, addicts, lovers, and drifters, these interconnected stories form a vivid patchwork of lives caught between longing and self-destruction, where affection and addiction are often inseparably entwined. Across brief, haunting snapshots, Braverman captures women at moments of fracture and transformation: an art-world satire that becomes a feminist post-nuclear parable in “Falling in October”; a woman struggling to break free from an abusive relationship in “Points of Decision”; and, in the widely anthologized “Tall Tales from the Mekong Delta,” a recovering alcoholic navigating motherhood, sobriety, and a dangerously seductive stranger. At once raw, lyrical, and unsparing, Squandering the Blue explores how people shape—or bury—their own experiences while living in the long shadow of a better life just out of reach. “If, as they say, beauty is in the eye of the beholder, it stands to reason that horror, too, lurks deep within the optic nerve. How else to explain the lushly menacing imagery in the poet and novelist Kate Braverman’s latest book?” —The New York Times

An uncompromising and sensually charged collection from one of the great practitioners of the short story. Squandering the Blue is Kate Braverman’s debut story collection, a fierce, hallucinatory vision of Southern California and the women who move through its heat, glamour, and wreckage. Set among artists, addicts, lovers, and drifters, these interconnected stories form a vivid patchwork of lives caught between longing and self-destruction, where affection and addiction are often inseparably entwined. Across brief, haunting snapshots, Braverman captures women at moments of fracture and transformation: an art-world satire that becomes a feminist post-nuclear parable in “Falling in October”; a woman struggling to break free from an abusive relationship in “Points of Decision”; and, in the widely anthologized “Tall Tales from the Mekong Delta,” a recovering alcoholic navigating motherhood, sobriety, and a dangerously seductive stranger. At once raw, lyrical, and unsparing, Squandering the Blue explores how people shape—or bury—their own experiences while living in the long shadow of a better life just out of reach. “If, as they say, beauty is in the eye of the beholder, it stands to reason that horror, too, lurks deep within the optic nerve. How else to explain the lushly menacing imagery in the poet and novelist Kate Braverman’s latest book?” —The New York Times

Stories

Squandering the Blue

One of the world’s greatest bassists lays down the heart of Black music, revealing how its rhythmic structures and the long history of the African diaspora made it the world’s most popular form.&nbsp; &nbsp; “A&nbsp;revelatory new book.”—New York Times Why do Bob Marley, John Coltrane, Aretha Franklin, and Nina Simone move us the way they do? What drives the worried notes of the Delta blues? What makes Beyoncé’s triumph Cowboy Carter inescapably great? &nbsp; &nbsp; &nbsp; As Melvin Gibbs shows in How Black Music Took Over the World, it is the musical inheritance of Africa. Beginning with two rhythmic building blocks he calls the cell and the frame, Gibbs shows how those tools can transport listeners to “a realm where sounds become vehicles for human movement.” Reforged in the African diaspora in the Americas, they are played today on church organs, electric guitars, computers, telephones, or a simple gourd. Kool &amp; the Gang called Black musicians the “scientists of sound”—and Gibbs shows how they discovered the world’s music. &nbsp;&nbsp; &nbsp; &nbsp; Gibbs’s vantage is unique. A world-class musician fluent in many genres, Gibbs is as comfortable in an old-school Times Square record shop as he is breaking down mathematics and music theory with university professors. Imbued with his own journey and a sharp eye for the sins and triumphs of history, How Black Music Took Over the World is an unforgettable revelation of one of humanity’s greatest achievements. &nbsp; &nbsp;

How Black Music Took Over the World

Für&nbsp;A Sun That Never Sets&nbsp;erweitert Ralph Alessi die Quartettbesetzung um einen fünften Musiker für ein Set aus elf neuen Kompositionen, die Alessis komplexe Schreibweise aus Reflektion und Lust am Abenteuer weiter ausführen. Das letzte Mal arbeitete Alessi in einem Quintett mit dem Saxophonisten Ravi Coltrane in seinem Ensemble This Against That zusammen, festgehalten auf dem gefeierten Album&nbsp;Imaginary Friends&nbsp;von 2019. Anstelle eines Saxophonisten tritt diesmal der Bruder des Trompeters, Joseph Alessi, hinzu und verstärkt eine ohnehin hochkarätige Gruppe mit inspirierten Posaunenlinien im häufig wilden Zusammenspiel mit der Trompete. Pianist Matt Mitchell, John Hébert am Kontrabass sowie Ches Smith an Schlagzeug und Vibraphon vervollständigen eine Band, die sich durch Alessis synkopierte Themen wie über einen Spielplatz bewegt und bei jeder Wendung neue Ausdrucksformen herausfordert. Geduldig sich entwickelndes, kontemplatives Material und kantige Strukturen mit kraftvollem Bläser-Spiel koexistieren in einem abwechslungsreichen Programm, das jeder Facette von Ralph Alessis eigenwilligem Spiel Raum zum Leuchten gibt. Das Online-Magazin&nbsp;Making A Scene&nbsp;bemerkte, dass 'Alessis Trompetenton rein und atemberaubend ist, sowohl in Bezug auf die Bandbreite als auch auf die vermittelten Stimmungen' - eine Tatsache, die sich durch das gesamte Album zieht. Mitchell am Klavier zeichnet die Themen nach und spielt zugleich 'außerhalb' der Harmonien, tanzt um die Bläser herum, während Ches Smith und Hébert den Puls flexibel und hochkonzentriert halten.

The Sun That Never Sets

The first publication to focus on a rarely seen series of jazz-infused collages that explore the African American experience and the artist’s lifelong relationship to jazz music, by one of the most important and influential visual artists of the twentieth&nbsp;century. Bearden (1911–1988) was a prominent African American artist often described as the consummate jazz painter, known for his innovative collages that explored themes of Black American culture, history, and personal experiences. This publication reexamines Bearden’s life and work in the context of jazz, tracing the musician’s impact from the artists’ earliest oil paintings to his iconic collages. In 1981, Bearden created nineteen collages that the artist called his “Paris Blues,” or simply “Jazz,” series. Conceived as pages for an oversized book that would be a response to the Hollywood movie Paris Blues (1961)—though featuring Harlem and New Orleans along with Paris—the series has been little known until now. Here the wildly colorful illustrations are set alongside Bearden’s encounters with iconic jazz musicians, clubs, and cities. Examined for the first time in depth, the Paris Blues series makes a major statement on the relationships between visual art, jazz music, and urban spaces. The book also includes poignant photographs of Bearden and musicians in the 1950s–70s, such as Duke Ellington and Louis Armstrong.

The first publication to focus on a rarely seen series of jazz-infused collages that explore the African American experience and the artist's lifelong relationship to jazz music, by one of the most important and influential visual artists of the twentieth century.

Paris Blues: Painting Jazz

Romare Bearden

Villainous

Roland Reiter versteht Skulptur als Denkweise. Seine Arbeiten kreisen um Materialität, Handwerk, Raum und Bewegung - und um die Frage, wie Dinge Bedeutung annehmen. Industrieprodukte, Autoteile, Leder, Fell oder Haar werden zu hybriden Formationen zwischen Organischem und Technischem, zwischen Popkultur und Kunstgeschichte.
Reiters Werk speist sich aus den Bildwelten des 20. Jahrhunderts ebenso wie aus musikalischen Subkulturen. Das Automobil erscheint als schwebendes Kultobjekt, glänzend und fetischhaft aufgeladen. Metallrohre tragen Haar, Maschinen wirken androgyn, Leinwände entstehen im Rhythmus von Jazz - mit Drumsticks direkt auf dem Bildträger. Immer bleibt die Herkunft der Materialien spürbar, doch ihre Funktion wird transformiert.
Zwischen Ernst und Ironie, Referenz und Entzug schafft Reiter Arbeiten, die sich eindeutigen Zuschreibungen entziehen. Sie spielen mit Projektion, Begehren und kulturellen Mythen - und eröffnen einen Möglichkeitsraum, in dem das Vertraute fremd und das Fremde vertraut erscheint.
Die Publikation versammelt zentrale Werkgruppen und beleuchtet Reiters vielschichtiges Œuvre aus kunsthistorischer und kulturtheoretischer Perspektive. Ein konzentrierter Blick auf einen Künstler, der Skulptur als offene Form begreift - präzise, poetisch und radikal gegenwärtig im Design von Büro Perndl.

Special Feature: Das Buch enthält exklusiv einen Downloadlink zu einem Kunstwerk von Roland Reiter - eine digitale Erweiterung der Publikation und ein besonderes Extra für Sammler:innen.

Reiter Roland

Roland Reiter

Eine rasante Mischung aus Jazz, Funk, Indie-Pop, Kammermusik und futuristischer Klangforschung: WHO ASKED? von DOMi &amp; JD BECK dürfte eines der mit größter Spannung erwarteten zweiten Alben einer Jazzband der letzten Jahre sein. Mit ihrem Debüt NOT TiGHT sorgten Keyboarderin Domi Louna und Schlagzeuger JD Beck 2022 für internationales Aufsehen. Festivalauftritte und zwei Grammy-Nominierungen machten das junge Duo zu einer der spannendsten neuen Stimmen des stilistisch offenen Jazz. Vier Jahre ließen die beiden musikalisch kaum etwas von sich hören, bis erste Social-Media-Clips mit neuer Musik aus dem Stand mehr als eine Million Aufrufe erreichten. Jetzt melden sich DOMi &amp; JD BECK mit ihrem zweiten Studioalbum unüberhörbar zurück. Statt einer prominenten Gästeliste wie auf dem Vorgänger prägen diesmal - neben dem atemberaubenden Spiel der beiden an Keyboards und Drums - filigran arrangierte Orchesterklänge das Soundkonzept. Auch gesanglich treten DOMi &amp; JD BECK erstmals in Erscheinung. Mit WHO ASKED? beweisen sie einmal mehr, dass sie sich jeder stilistischen Einordnung trickreich entziehen und ihren Fans jene ebenso virtuose wie eigenwillige Musik liefern, die sie in den siebten Jazzhimmel katapultiert.

WHO ASKED?

You Wonderful You

TimeMust-Read Books of 2024IndependentBest Non-Fiction Books 2024MojoBooks of the Year 2024"A vibrant, multifaceted portrait of a music enigma" Guardian"A powerful portrait" Irish Independent"Displays a bracing rigour and an exhilarating curiosity about its subject, coming closer than most to catching up with Mitchell on her lonely road" TimesCelebrated music critic Ann Powers explores the life and career of the legendary Joni Mitchell.What you are about to read is not a standard account of the life and work of Joni Mitchell. Instead, it's a tale of long journeying through a life that changed popular music: of a homesick wanderer forging ahead on routes of her invention, and of me on her trail, heading toward the ringing of her voice.One of the most celebrated artists of her generation, Joni Mitchell has inspired countless musicians and writers, while never stopping still herself.In Travelling,celebrated music critic Ann Powers seeks to understand the paradox of Mitchell - at once both elusive and inviting - through her myriad journeys. Drawing on extensive inter­views with Mitchell's peers and deep archival research, Powers takes readers to rural Canada, charts the course of Mitchell's musical evolution, follows the winding road of Mitchell's collaborations with other greats and explores the loves that fed her songwriting.Kaleidoscopic in scope and intimate in detail, Travellingis a fresh and fascinating addition to the Joni Mitchell corpus - and one that questions whether an artist can ever truly be known to their fans.

On the Path of Joni Mitchell

Travelling

Über ihre Kraft, unser Leben glücklicher und unsere Gesellschaft gerechter zu machen - Ein SPIEGEL-Buch

Die Macht der Musik

Das neue Projekt von Joe Lovano trägt den programmatischen Namen Paramount Quartet - und tatsächlich versteht der Saxofonist diese Formation als künstlerischen Meilenstein. 'Mit diesem Quartett sind wir an einem einzigartigen Ort angekommen', erklärt Lovano. 'Es ist etwas ganz Besonderes, etwas Neues. Und diese ?cats?, sie spielen mit einem globalen Bewusstsein.' Zu diesen 'cats' zählen der Gitarrist Julian Lage, der Bassist Asante Santi Debriano sowie der Schlagzeuger Will Calhoun, der auch durch seine Arbeit mit der Rockband Living Colour bekannt wurde. Gemeinsam schlagen sie ein neues, abenteuerliches Kapitel in Lovanos weit gespanntem ?uvre auf. Anlässlich der Tournee, die der Aufnahme vorausging, würdigte die Financial Times das Konzert in London mit den Worten: 'Lovanos jüngstes Projekt, das Paramount Quartet, fügt einem modernistischen Kern Anklänge von Americana hinzu und erkundet dieses Terrain mit Freiheit, Fokus und Feuer.' Die klangliche Palette des Albums ist ebenso facettenreich wie die beteiligten Musiker unterschiedlicher Generationen: kraftvoll und extrovertiert in manchen Momenten, intim und zart in anderen. Neben Eigenkompositionen Lovanos finden sich eindrucksvolle Interpretationen von 'Lady Day' - einer Hommage von Wayne Shorter an Billie Holiday - sowie von 'First Song' des Bassisten Charlie Haden. Aufgenommen wurde das Album im Februar 2025 in Südfrankreich, produziert von Manfred Eicher.

Paramount Quartet

Musik/1979 - 1995

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