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Watanabe J: Junya Watanabe Photography
Collection

Junya Watanabe Photography Collection

Night Lights on Water

Over a decade in the making, Sugimoto's masterpiece observatory building at his art foundation in Odawara, Japan, is the culmination of his architectural practiceApart from photography, Japanese artist Hiroshi Sugimoto has been working in sculpture, performing arts and architecture for more than 20 years. Since the early 2010s, he has been constructing the Enoura Observatory, and with his singular vision he has brought together ancient and contemporary Japanese traditions in one art and architectural complex. This book provides an account of this stunning multidisciplinary project. The Observatory, part of the artist's Odawara Art Foundation, is sited on a hilly area covered with citrus trees in Odawara, nestled against the outer rim of the Hakone Mountains and overlooking Sagami Bay. Odawara is home to groups of artisans with mastery of sophisticated techniques that have been handed down for centuries. Sugimoto has constructed the Enoura Observatory using these techniques, which are growing increasingly difficult to preserve. He envisions it as a forum for disseminating art and culture both within Japan and to the rest of the world. The stunning photographs in Enoura Observatory: Land of Distant Memories reveal Sugimoto's poetic vision for this total work of art that is the culmination of his art practice. Hiroshi Sugimoto was born in Tokyo in 1948. A photographer since the 1970s, his work deals with history and temporal existence by investigating themes of time, empiricism and metaphysics. Sugimoto has received numerous grants and fellowships, and his work is held in the collections of Tate Gallery, London, the Museum of Contemporary Art, Chicago, and the Metropolitan Museum of Art, among many others. Sugimoto lives between Tokyo and New York City.

Land of Distant Memory

Hiroshi Sugimoto: Enoura Observatory

Das Chelsea Hotel in New York ist seit den 1960er-Jahren ein ikonischer Ort der Kunst- und Musikszene. Von 1969 bis 1971 lebte auch der Künstler Albert Scopin dort, damals noch als Assistent der Fotografen Mikel Avedon und Bill King. Im Hotel herrschte nie Ruhe und alle, so schien es, waren auf der Suche nach etwas. Der junge Scopin suchte den unverstellten Blick auf die Menschen, die hier ein und ausgingen. Um die lebhaften Geschehnisse möglichst unbemerkt einzufangen, schaute er häufig nicht einmal durch den Sucher seiner einfachen Kodak Instamatic. Die dabei entstandenen Aufnahmen zeigen die noch unbekannten Patti Smith und Robert Mapplethorpe als junges Paar und als Individuen auf ihrem Weg zum Ruhm, ebenso Filmregisseure wie Wim Wenders, Rosa von Praunheim, Milos Forman und Jonas Mekas; die Warhol-Crowd führt ein Theaterstück auf; im Keller feiern die Hotelangestellten eine wilde Party; auf dem Dach sinniert man darüber, was die Zukunft bringen mag und schaut herunter auf eine Stadt, die darauf wartet erobert zu werden. Kurze Begleittexte des Künstlers und ein Interview runden den Band ab und vermitteln außergewöhnlich nahe Einblicke in die Welt hinter der Fassade des vielleicht berühmtesten Hotels der Welt.

Chelsea Hotel

Scopin

Zwischen Kiespfad und Industriebrache folgt Ulrich Wüst dem Lauf der Elbe durch Magdeburg - zu Fuß, mit wachem Blick und großer Beharrlichkeit. Über 200 Fotografien aus den Jahren 2021-2025 verdichten sich zu einem vielschichtigen Porträt des Flusses vom Westufer aus, stromauf wie stromab. Keine Postkartenmotive, sondern Randzonen, Brachen, Hafenarchitektur und Auenlandschaften: menschenleere Bühnen, in denen Geschichte sedimentiert und Gegenwart Gestalt annimmt. Wüsts subjektiver Blick verbindet Analyse und poetische Präzision und lädt dazu ein, Stadt und Fluss neu zu entdecken.

stromauf stromab

Ulrich Wüst

Reflexion der Magnum-Fotografin auf ihr Frühwerk aus dem Iran mit vielen unveröffentlichten Fotografien

Newsha Tavakolians neueste Publikation versammelt Arbeiten aus den Jahren 1995-2001 und 2017-2019 und umfasst damit mehr als zwei Jahrzehnte fotografischer Praxis. Sie kehrt in ihr Archiv zurück und legt jene Bilder frei, die sie als 'Schandflecken' bezeichnet - frühe, unvollkommene Fotografien aus der Zeit, als sie mit sechzehn Jahren als Fotojournalistin in Teheran begann. Im bewussten Blick auf das vermeintliche Scheitern reflektiert Tavakolian über Erinnerung, Politik und persönlicher Entwicklung. Kontaktbögen, beschädigte Negative und übersehene Schnappschüsse verweisen dabei nicht nur auf ihre künstlerischen Anfänge, sondern auf die Erfahrungen einer ganzen Generation zwischen Reformhoffnung, politischer Repression und wiederholter Ernüchterung.

'Bei der Betrachtung dieser ¿Schandflecke¿ vor dem Hintergrund neuer schrecklicher Ereignisse zeigt sich eine klare Entwicklung
von der Hoffnung und den Träumen der Jugend zur Enttäuschung über die Realität und zur Schlussfolgerung, dass es im Leben nur eine echte Wahl gibt. Sich von der Dunkelheit anziehen zu lassen oder sich dafür zu entscheiden, die Dunkelheit zu bekämpfen und sich dem Licht zuzuwenden.' (Newsha Tavakolian)

Das Buch bewegt sich zwischen frühen journalistischen Arbeiten und späteren, formal verdichteten konzeptuellen Porträts. So entsteht eine visuelle Passage vom jugendlichen Idealismus durch die Desillusionierung hindurch - und darüber hinaus. Autos auf den Straßen, Hidschab-Stile der 1990er-Jahre, Gesten des Protests, Theaterszenen - verdichten sich hier zu einem vielschichtigen historischen Dokument des postrevolutionären Iran und der nachfolgenden Generationen.
Das Projekt gewinnt zusätzliche Dringlichkeit vor dem Hintergrund jüngerer Ereignisse, darunter die tödlichen Proteste im Januar 2026, bei denen Tausende Iranerinnen und Iraner im Streben nach Veränderung ihr Leben verloren.

Die iranische Fotografin Newsha Tavakolian (*1981) hat zahlreiche Auszeichnungen erhalten, darunter den Carmignac Photojournalism Award und den Prince Claus Award.

And They Laughed at Me

Newsha Tavakolian

Das Denkmal versammelt erstmals die vollständige fotografische Serie von Sibylle Bergemann zur Entstehung des Marx-Engels-Denkmals, das 1986 auf Initiative der DDR-Regierung unweit des Berliner Alexanderplatzes errichtet wurde. Die Publikation präsentiert zahlreiche bislang unveröffentlichte Aufnahmen und eröffnet einen neuen Blick auf eine der bedeutendsten Werkgruppen der Fotografin. Bergemanns Langzeitdokumentation - entstanden zwischen 1975 und 1986 - wird dabei nicht nur als eindrucksvolle fotografische Erzählung sichtbar, sondern durch begleitende Essays auch historisch, gesellschaftspolitisch und fototheoretisch kontextualisiert. Das Denkmal bietet somit umfassende Einsichten in den künstlerischen Schaffensprozess hinter der Serie und leistet zugleich einen wichtigen Beitrag zur kritischen Neubewertung ihrer Bedeutung und Rezeption im Spannungsfeld von Kunst und Ideologie.

The Monument

Sibylle Bergemann

The Green Heart of Italy provides an intimate portrait of the lush and verdant region of Umbria, known as ‘Tuscany without tourists.’ The pandemic halted international travel and access to most areas of Europe, creating lasting impacts on these regions which benefit greatly from outside visitors. Now, in the post-Covid reboot of Italy’s ever growing tourist industry, Umbria is poised to attract much needed visitors to help support this central region of the country. The Green Heart of Italy weaves between exteriors and interiors of this unique emerging region, painting a picture of an oasis unknown to most.&nbsp;This monograph also incudes an extensive body of text, written by Frank Van Riper that provides a first hand account of these often overlooked gems.

The Green Heart of Italy

Zwischen 1970 und 1976 arbeitete Helmut Schweizer an seiner fotografischen Werkserie Hand-
lungen. Auf mehr als 100 dreiteiligen Bild-Tableaus inszenierte der Künstler ganz alltägliche, oft
verblüffende, zuweilen auch recht absurde Situationen. Handlungen gehört zu den wichtigsten
Beiträgen zur konzeptuellen Fotografie der 1970er Jahre. Fünf Jahrzehnte nach ihrer Entstehung
wird die Werkserie mit diesem Buch erstmals in vollem Umfang zugänglich gemacht. Hierfür wurde
das Archiv des Künstlers umfassend ausgewertet: Zum Vorschein kommt eine konzeptuell wie
ästhetisch einzigartige künstlerische Arbeit. Eine ausführliche Interpretation des Herausgebers
Steffen Siegel führt an die Werkserie heran und betont auch das politische Anliegen Schweizers:
Wie ist es möglich, das Verhältnis des Menschen zur Natur jenseits der Hierarchie von Subjekt und
Objekt, von Herrschaft und Unterwerfung zu denken?

Helmut Schweizer lebt und arbeitet als bildender Künstler in Düsseldorf. Steffen Siegel ist Professor
für Theorie und Geschichte der Fotografie an der Folkwang Universität der Künste in Essen.

Helmut Schweizer: Handlungen / Actions

Sarah Schumann (1933-2019) zählt zu den einflussreichsten Künstlerinnen der bundesrepublikanischen Nachkriegszeit und gilt als Schlüsselfigur der neuen Berliner Frauenbewegung in den 70er Jahren. Im Zentrum ihres Frühwerkes stehen die "Schockcollagen", die sie zwischen 1954 und 1964 aus Zeitschriftenabbildungen, illustrierten Büchern und eigenen Fotografien fertigte. Zunächst meist als dadaistisch-surrealistische Spielerei verklärt, wurde bald schon die feministisch-emanzipatorische Themen- und Motivwelt Schumanns erkannt. In diesem Band sind über 140 noch erhaltene Schockcollagen versammelt und zum ersten Mal zusammenhängend publiziert. Texte des Herausgebers Christoph Keller und des Historikers Vojin Saša Vukadinovi¿ ordnen die
Arbeiten in den größeren kunsthistorischen Kontext ein.

Das Buch erscheint parallel zu einer Überblicksausstellung zu Sarah Schumanns Frühwerk in der Galerie Meyer Riegger im September 2025 in Berlin.

Christoph Keller ist Kunstverleger, Buchgestalter, Ausstellungsmacher und Schnapsbrenner. Vojin Saša Vukadinovi¿ ist Historiker, Publizist und Geschlechterforscher. Er war ein persönlicher Freund von Sarah Schumann.

Sarah Schumann Schockcollagen 1957-1964

Dreimal ist Jörg Brüggemann nach Chile und Südamerika gereist. Auf einer der Reisen fuhr er mehrere tausend Kilometer durch den Kontinent, wo er Landschaften und Begegnungen in seinen Bildern festhielt. Den Impuls dazu gab ihm ein Traum, in dem ihm seine verstorbene Mutter begegnet war. Auf einer anderen fotografierte er politische Unruhen und Demonstrationen in Valparaíso. Die drei Reisen - im Buch gibt es drei Kapitel - sind in ihrer Bildsprache weit mehr Traum- und Empfindungsreisen - vielleicht auch auf der Suche nach sich selbst, als dokumentarische Bilder von Orten, Personen oder politischen Gegebenheiten. Die drei Kapitel, die sich in ihrer Gestaltung und Materialität wunderbar voneinander absetzen und gleichzeitig verschränkt bleiben, lesen sich wie Erzählstränge, die sich nicht sofort erklären lassen, denn sie lassen Raum für eigene Entdeckungen und Fantasien. Ein kurzer persönlicher Text des Autors führt diese Erzählweise in Worten weiter. Auch interessant ist, dass der Fotograf, der in seinem letzten Buch über mehrere Jahre ein nüchternes Thema wie die deutsche Autobahn verfolgte, nun zeigt, dass eine Reiseerzählung vielleicht auch eine Heilung der eigenen Person sein kann und dass innere Bilder einen ganze eigenen, nicht immer erklärbaren Zugang zur Welt ermöglichen. 
Jörg Brüggemann (*1979) ist seit 2009 Mitglied der Agentur Ostkreuz und Co-Direktor der renommierten Ostkreuzschule in Berlin

Jörg Brüggemann | Tres Viajes

Koudelka: Diaries offers insight into the mind of this iconoclastic Czech photographer renowned for projects on the Roma, the 1968 Soviet invasion of Prague, and the impact humans have had on the landscape. Over the course of fifty-plus years Josef Koudelka has kept nearly seventy journals. Distilled now into one richly illustrated volume, Koudelka: Diaries offers a look inside the mind of the iconoclastic Czech photographer renowned for his life in exile and a career that has included seminal projects on the Roma, legendary coverage of the 1968 Soviet invasion of Prague, and volumes on the often-devastating impact humans have had on the landscape. Revealed throughout the book are Koudelka's thoughts on photographers, such as Henri Cartier-Bresson, and editors, curators, and friends, including Robert Delpire and Anna Fárová, along with notes on his legendary projects. Facsimiles of actual diary pages and images by the photographer, including self-portraits, lend the volume an immediacy and authenticity. Josef Koudelka: Diaries provides a perfect companion to Josef Koudelka: Next (2023), the visual biography by Melissa Harris, editor at large at Aperture, and has been brought together by the same creative collaborators: designer Ales Najbrt and translators Derek and Marzia Paton.

Josef Koudelka: Diaries

Jenseits der Grenze: mutige Schritte auf der Roxham Road
"Crossing" widmet sich dem Grenzpunkt Roxham Road zwischen New York (USA) und Quebec (Kanada), einem irregulären Grenzübergang, der während Trumps erster Amtszeit zunehmend genutzt wurde. Geflüchtete versuchten dort nach Kanada zu gelangen, um einen Asylantrag zu stellen. Der Übergang wurde 2023 aufgrund anhaltender Kontroversen geschlossen. Zwischen 2018 und 2023 kehrte Ruth Kaplan immer wieder an diesen Ort zurück, um die vielfältigen Spuren und Begegnungen zu dokumentieren, die sich hier verdichteten. Als kleines, aber bedeutendes Kapitel kanadischer Geschichte bildet dieses Archiv eines meist sicheren und funktionierenden Grenzübergangs ein wichtiges Zeugnis - gerade in einer Zeit, in der wir uns mit den komplexen globalen Herausforderungen von Migration auseinandersetzen.

From USA to Canada, Walking Roxham Road

Crossing

In An Abridged Dictionary of Sculpture John Gossage considers the changes objects (sculptures) undergo when they are photographed. His images transform these objects rather than transcribe them, altering their condition of being. For Gossage, to photograph is to ask one thing to become another kind of thing. Indeed, does a sculpture always need a pedestal or isolation to not just be another thing in the world? Whether a pile of archive folders, a dirty beaker, a heap of baseball caps, a plank of wood or a tuft of grass, he photographs these objects against the same background of white paper, their shadows often taking on as much presence as their concrete forms. With so much of the objects unclear (their volume, scale and weight, their three-dimensionality), and each having lost its original purpose or being about to die, how much has Gossage actually saved in his photographs: only his intentions? Is a good photograph always better than what it pictures-and how? This book is a dictionary because it describes the sculptures rather than being the sculptures: as every photograph does with everything.

An Abridged Dictionary of Sculpture

Junya Watanabe Photography Collection

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