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Klassische Meisterwerke zum Kennenlernen

Get to Know Classical Masterpieces

Peter und der Wolf

Eine musikalische Erzählung für Kinder. op. 67. Klavier

Joe Hisaishis neues Album wurde Live in Tokyo in der renommierten Suntory Hall am 31. Juli 2024 aufgenommen. Zu hören ist die japanische Erstaufführung von 'The Desert Music' von Steve Reich, einem Freund und Kollegen Hisaishis sowie 'The End of the World', ein eigenes Werk des japanischen Komponisten. Aufgeführt wurden die Stücke vom Future Orchestra Classics unter der Leitung des Maestros. Dieses Orchester wurde von Hisaishi gegründet, um sein Interesse an klassischer Musik mit anderen zu teilen. Es ist ein Orchester junger Musiker, das für seine lebendigen, ausdrucksstarken Interpretationen sowohl des Kernrepertoires als auch zeitgenössischer Werke bekannt ist. Die Vocalpartien wurden vom Philharmonic Chorus of Tokyo und, in 'The End of the World', von der Sopranistin Ella Taylor gesungen.

Joe Hisaishi Conducts

Touch of Grey, or How the Grateful Dead Became Pop Stars draws on extensive archival research to tell the behind-the-scenes story of how one song fundamentally transformed the legacy of one of rock’s most iconic groups. Touch of Grey, or How the Grateful Dead Became Pop Stars tells the story of how one song transformed the popular legacy of one of rock’s most iconic musical groups. John Brackett traces the history of the song “Touch of Grey,” beginning with songwriter Robert Hunter’s lyrical sketches and the Grateful Dead’s earliest live arrangements, culminating in the group’s popular renaissance following the release of “Touch of Grey” and the album In the Dark in the summer of 1987. Brackett details how particular recording technologies, notable musical characteristics, modes of attending and listening, and the mechanics of the contemporary music industry shaped this defining moment in the group’s career. Drawing on extensive archival research, Touch of Grey examines how the band and their label worked to produce a hit record, a dynamic music video, and an effective promotional campaign that would propel the Grateful Dead from a group with a devoted cult following to become a pop culture phenomenon.

Touch of Grey, or How the Grateful Dead Became Pop Stars

Maria Herz - erst seit wenigen Jahren beginnt sich dieser Name in der Musikwelt herumzusprechen, so gründlich war ihr Schaffen durch ein mehrfaches, kompliziertes Exilschicksal in Vergessenheit geraten. 1878 in Köln geboren und dort als Kind einer bedeutenden jüdischen Textilhändlerfamilie aufgewachsen, gehörte sie zu den wenigen Komponistinnen, denen es gelang, sich einen Platz in der Männerdomäne der Neuen Musikszene in Deutschland zu erkämpfen. Anfang des 20. Jahrhunderts war sie ihrem Mann, Albert Herz, nach England gefolgt, um dem antisemitischen Klima in Deutschland zu entgehen. Im August 1914 verhinderte der Ausbruch des 1. Weltkriegs ihre Rückkehr nach England im Anschluss an einen Familienbesuch in Köln. Sie begann eine zweite Karriere als Komponistin nach weiteren Studien bei Hermann Hans Wetzler und Philipp Jarnach. Ende der 1920er Jahre trat sie mit erfolgreichen Aufführungen von Orchesterwerken und Liedern in die Öffentlichkeit - doch die Zeit bis zu ihrem erzwungenen zweiten englischen Exil nach der Machtergreifung der Nationalsozialisten 1933 reichte nicht aus, um sich international zu etablieren. Sie verstummte als Komponistin und starb 1950 in New York, ihrer dritten und letzten Exil-Station. Die Erstausgabe ihrer Werke bei Boosey &amp; Hawkes - Bote &amp; Bock entsteht in Kooperation mit den Nachkommen der Komponistin und der Zentralbibliothek in Zürich, wo ihr Nachlass aufbewahrt ist. 
Maria Herz' 1909 komponierte spätromantische Violinsonate gehörte zu den Werken, die während ihrer Kompositionsstudien zwischen 1905 und 1910 bei dem Leedser Komponisten und Organisten Arthur Edmund Grimshaw entstanden. Eine Aufführung, die vermutlich die Uraufführung war, ist in einem Porträtkonzert, das ausschließlich Werken der Komponistin gewidmet war, am 12. Dezember 1911 in Bradford nachgewiesen - in dieser Stadt im Norden England, unweit von Leeds, hatte sich die junge Familie Herz niedergelassen. Lyrische Beseeltheit und große Expressivität verbinden sich in diesem durch und durch gelungenen "Gesellinnenstück" mit dem Nachweis formaler und satztechnischer Meisterschaft.

Schwierigkeitsgrad: 4

for Violin and Pianoforte. Violine und Klavier

Sonata in C minor

Maria Herz - erst seit wenigen Jahren beginnt sich dieser Name in der Musikwelt herumzusprechen, so gründlich war ihr Schaffen durch ein mehrfaches Exilschicksal in Vergessenheit geraten. 1878 in Köln geboren und dort als Kind einer bedeutenden jüdischen Textilhändlerfamilie aufgewachsen, gehörte sie zu den wenigen Komponistinnen, denen es gelang, sich einen Platz in der Männerdomäne der Neuen Musikszene in Deutschland zu erkämpfen. Anfang des 20. Jahrhunderts war sie ihrem Mann, Albert Herz, nach England gefolgt, um dem antisemitischen Klima in Deutschland zu entgehen. Im August 1914 verhinderte der Ausbruch des 1. Weltkriegs ihre Rückkehr nach England im Anschluss an einen Familienbesuch in Köln. Sie begann eine zweite Karriere als Komponistin nach weiteren Studien bei Hermann Hans Wetzler und Philipp Jarnach. Ende der 1920er Jahre trat sie mit erfolgreichen Aufführungen von Orchesterwerken und Liedern in die Öffentlichkeit - doch die Zeit bis zu ihrem erzwungenen zweiten englischen Exil 1933 reichte nicht aus, um sich international zu etablieren. Sie verstummte als Komponistin und starb 1950 in New York, ihrer dritten und letzten Exil-Station. Die Erstausgabe ihrer Werke bei Boosey &amp; Hawkes - Bote &amp; Bock entsteht in Kooperation mit den Nachkommen der Komponistin und der Zentralbibliothek in Zürich, wo ihr Nachlass aufbewahrt ist. 
Maria Herz' Klavierwerke erscheinen in zwei Bänden. Der vorliegende erste ist ihrer 1922 in Köln entstandenen, einzigen Klaviersonate gewidmet, ein pianistisch anspruchsvolles Werk, in dem spätromantischer Überschwang auf neoklassizistischen Esprit und Eleganz trifft. Der Komponistin hing sehr an dieser Sonate, die sie selbst wohl nur einmal öffentlich zur Aufführung brachte - thematisches Material daraus verwendete sie wieder in ihrem ebenfalls bei Boosey &amp; Hawkes - Bote &amp; Bock erschienenen Klavierkonzert. 

Schwierigkeitsgrad: 4

Klavier

Piano Sonata in F minor

Satie's music and ideas are inextricably linked with the City of Light. This book situates Satie's work within the context and sonic environment of contemporary Paris.

Sunday Times Classical Music Book of the Year

Erik Satie's (1866-1925) music appeals to wide audiences and has influenced both experimental artists and pop musicians. Little about Satie was conventional, and he resists classification under easy headings such as "classical music". Instead of pursuing the path of a professional composer, Satie initially earned a living as a café pianist and moved in bohemian circles which prized satire, popular culture and experiment. Small wonder that his music is fundamentally new in conception. It is music which is not always designed to be listened to attentively: music which can be machine-like but is to be played by humans. For Satie, music was part of a wider concept of artistic creation, as evidenced by his collaborations with leading avant-garde artists and in works which cross traditional genre boundaries such as his texted piano pieces. His music was created in some of the most exciting and creatively stimulating environments of the late nineteenth and early twentieth century: Montmartre and Montparnasse. Paris was the artistic centre of Europe, and Satie was a notorious figure whose music and ideas are inextricably linked with the City of Light. This book situates Satie's work within the context and sonic environment of contemporary Paris. It shows that the influence of street music, musicians and poets interested in new technology, contemporary innovations and radical politics are all crucial to an understanding of Satie. Music from the ever-popular Gymnopédies to newly discovered works are discussed, and an online supplement features rare pieces recorded especially for the book.

A Parisian Composer and His World

Erik Satie

Ailbhe McDonaghs Dance Suite for Solo Cello ist ein lebendiges und fantasievolles neues Werk, das die ganze Ausdrucksvielfalt des Cellos feiert. In sechs kontrastreichen Sätzen lässt sich McDonagh von Tanztraditionen aus aller Welt inspirieren und schafft eine Folge von Charakterstücken, die ebenso facettenreich wie musikalisch lohnend ist.

Die Suite eröffnet mit der rauchigen Intensität eines Tangos und geht anschließen in die anmutige Lyrik eines Walzers über. Ein temperamentvoller Gopak sorgt für brillanten rhythmischen Schwung, während der nachdenkliche Ballett-Satz durch Eleganz und Ausdruckstiefer besticht. McDonaghs irische Herkunft tritt in den lebhaften Irish Reels besonders hervor, bevor das Werk mit einem selbstbewussten, vom Jazz geprägten Charleston seinen glanzvollen Abschluss findet.

Mit McDonaghs charakteristischer Verbindung aus rhythmischer Energie, kantabler Linienführung und einem feinen Gespür für die Bedürfnisse der Ausführenden bietet die Dance Suite Cellistinnen und Cellisten eine reiche Palette musikalischer Herausforderungen und interpretatorischer Möglichkeiten. Ob im Konzert, bei Wettbewerben oder im Unterricht - dieses Werk ist eine dynamische und fesselnde Bereicherung des modernen Repertoires für Violoncello solo aus der Feder einer der führenden Komponistinnen und Interpretinnen Irlands.

 

Ailbhe McDonagh ist eine Komponistin und Cellistin aus Dublin, Irland, und unterrichtet an der Royal Irish Academy of Music. Zu ihren Werken für Cello gehören das Konzert Nr. 1 für Cello und Kammerorchester, Skellig, Valentia und Storm für Cello und Klavier sowie die Dance Suite für Solo-Cello. Als Cellistin tritt sie sowohl als Solistin als auch als Kammermusikerin auf. Zu ihren Aufnahmen zählen It's a Cello Thing (2012), Skellig (2020), die Gesamtaufnahme der Beethoven-Sonaten für Cello und Klavier mit John O'Conor beim Label Steinway (2021) sowie Bach: Complete Solo Cello Suites (2024).

Schwierigkeitsgrad: 3-4

Violoncello

Dance Suite for Solo Cello

Decca Classics präsentiert Lise Davidsen: Live at the Met - aufgenommen während des bahnbrechenden Soloauftritts der Sopranistin an der Metropolitan Opera im September 2023. 'Es kommt selten vor, dass die Met einen Künstler zu einem Solokonzert in ihrem Auditorium mit 3.800 Plätzen einlädt. Und noch seltener ist es, dass diese Sängerin ihr Debüt in New York City gibt. Aber Davidsen ist etwas ganz Besonderes: eine echte dramatische Sopranistin.' (The New York Times). 'Keine Kulissen, keine Kostüme, kein Orchester: Aber die ganze Oper war da.' so die Zeitung weiter. Davidsen hat eine enge Beziehung zur Met, wo sie seit ihrem Debüt 2019 regelmäßig in Hauptrollen von Tschaikowski, Wagner, Strauss, Verdi, Puccini und Beethoven auftritt. 'Ich betrachte die Met als mein zweites Zuhause', sagt Davidsen. 'Aber um so etwas gebeten zu werden, war etwas ganz Besonderes.' Zu den Höhepunkten zählen Wagners 'Dich, teure Halle' aus Tannhäuser, Amelias Arie aus dem dritten Akt von Verdis 'Un ballo in maschera' und Puccinis 'Vissi d'arte'. Dazu kommen Lieder von Schubert sowie Musik von Grieg und Sibelius als Hommage an Davidsens skandinavische Herkunft. Die Veröffentlichung folgt auf Davidsens gefeiertes Wagner-Album 'Der fliegende Holländer', welches den Gramophone Award 2025 für die beste Opernaufnahme gewann und von Kritikern weltweit hoch gelobt wurde.

Live At The Met

Buchenwald und Mittelbau-Dora - Forschungen und Reflexionen

Liedsammlungen aus nationalsozialistischen Konzentrationslagern stellen eine einzigartige Quelle dar, deren (musik-)historische Bedeutung noch unzureichend erschlossen ist.

Christine Oeser untersucht sieben Liedsammlungen aus dem Konzentrationslager Buchenwald, um die Bedeutung dieser einzigartigen Quellenform herauszustellen. Dabei entwickelt sie eine differenzierte Perspektive auf die musikalischen Aktivitäten im Kontext der Lager.
Die musikalischen Überlieferungen aus den Konzentrationslagern sind eng mit den Bedingungen ihrer Entstehung verbunden. Eine intensive Analyse der Handlungsbedingungen und der Wirkungsweisen künstlerischer Tätigkeiten zeigt sowohl strukturelle als auch thematische Ambivalenzen auf. Bei den Liedsammlern aus Buchenwald handelt es sich um deutsche und polnische Gefangene, die aufgrund ihrer politischen Überzeugung verfolgt wurden. In relativ sicheren Arbeitskommandos fanden sie einen geschützten Raum für ihre Aufzeichnungen.
Das überlieferte Liedgut ist auf vielfältige Weise mit den Erfahrungen im Lager verknüpft. Es spiegelt sowohl die von der SS auferlegten als auch die selbstbestimmten Formen des Musizierens wider. Die Lieder, die aus unterschiedlichen Quellen stammen, thematisieren zentrale Belastungssituationen der Haftzeit. Durch die Darstellung dieser Themen erhalten wir Einblicke in das Erleben und die Bewältigung des Lageralltags, was eine differenzierte Perspektive auf das Musikleben im Konzentrationslager ermöglicht.

Kontexte – Funktionen – Deutungen

Liedsammlungen aus dem Konzentrationslager Buchenwald

Kaum zu glauben: am 18. März feiert Gitarren-Legende Bill Frisell seinen 75. Geburtstag. Das würdigt ein neues Blue-Note-Album mit Aufnahmen in ungewöhnlicher musikalischer Konstellation. Bill Frisells neuestes Projekt 'In My Dreams' könnte man als eine Art Familientreffen bezeichnen, das einige der engsten Freunde des Musikers in einem einzigartigen Sextett vereint: Thomas Morgan am Bass, Rudy Royston am Schlagzeug, Jenny Scheinman an der Violine, Eyvind Kang an der Bratsche und Hank Roberts am Cello. Ihre musikalische Geschichte reicht Jahrzehnte zurück, doch noch nie zuvor spielten sie in dieser gemeinsamen Konstellation. Zusammen erkunden sie die vielfältigen Facetten amerikanischer Musik, darunter Frisell-Originale sowie Klassiker des Jazz und der Americana.

In My Dreams

Studies in German Literature Linguistics and Culture

Presents Wagner as a serious philosopher and offers a fresh perspective on the Ring and its unique fusion of myth, human drama, and philosophical insight.



Few figures of the nineteenth century were more influential than Richard Wagner, and few works of art have the scope and historical significance of The Ring of the Nibelung. Wagner himself said that it expressed his entire philosophy of life. Yet little attention has been paid to him as a philosopher, aesthetic theories aside. Instead, the Ring has been viewed in the light of Schopenhauer, Feuerbach, or even Hegel. Wagner's own ideas do not deserve this neglect, and this book addresses that omission. It starts with the more widely read philosophers of his day, such as Fichte; in their context Wagner's often fragmentary thoughts reveal a coherent "materialist idealism" that constitutes a late but significant contribution to Classical German philosophy. His acute social and psychological insights are still relevant, and so is the philosophical history that he saw prefigured in Greek tragedy.

Wagner's philosophy also illuminates the structure of the Ring and offers fresh insights into the characters and conflicts of that endlessly interpretable work. Approachable and engagingly written, balancing narrative, philosophical analysis, and a detailed consideration of the Ring's four music dramas, The Philosopher's Ring shows the cycle to be a work of unparalleled philosophical depth, one reason that it continues to challenge audiences even now, a century and a half after its premiere.

The Philosopher's Ring-Wagner as Thinker and Dramatist

Warum gilt die Anrede 'Du Opfer!' als Beleidigung? Warum lehnen viele Betroffene sexualisierter Gewalt die Bezeichnung als ¿Opfer¿ für sich selbst ab, während gleichzeitig der Hype um True Crime und Dark Romance immer weiter zunimmt? Die Autorin - Rechtsanwältin und selbst Opfer sexualisierter Gewalt - zeigt auf, wie die Anerkennung der Opferrolle Heilung und gesellschaftlichen Wandel bewirken kann.

In ihrem Buch untersucht Svea Frey die Stigmatisierung und Verdrehung der Opferrolle in der medialen Wahrnehmung, in Kunst, Film und Literatur. Einen besonderen Fokus legt sie dabei auf den aktuellen Hype um True Crime und Dark Romance.

Die Autorin geht der Frage nach, welche Mechanismen die Vergewaltigungsmythen in diesen Genres begünstigen und um die damit verbundenen Geschehnisse eine Aura der Faszination weben - während gleichzeitig der juristisch eindeutige Begriff des ¿Opfers¿ gesellschaftlich so stark negativ konnotiert ist, dass Betroffene ihn immer häufiger für sich ablehnen.

Mit ihrer tiefgreifenden Analyse der gesellschaftlichen und juristischen Aspekte der Opferrolle und ihrer öffentlichen Wahrnehmung gelingt es Svea Frey, ein tieferes Verständnis für die hinter dem Opferbegriff stehenden Dynamiken zu vermitteln. Ihr Buch ist aber auch ein Plädoyer und feministischer Appell: Die Anerkennung der Opferrolle ist kein Zeichen von Schwäche, sondern ein Akt der politischen Selbstermächtigung, der zur Heilung der Betroffenen sowie zu einem gesellschaftlichen Wandel beitragen kann.

Rape Culture, Victim Blaming und der Hype um Dark Romance

Wo kein Opfer, da kein Täter

Bärenreiter Urtext

Ostersonate für Klavier

Peter und der Wolf

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