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Anne Truitt

Das Projekt ist ein Beispiel dafür, wie mit Kunstwerken von NS-Künstlern im öffentlichen Raum umgegangen werden kann.

Hauptgegenstand der Auseinandersetzung ist die Bronzeplastik "Pallas Athene" von Arno Breker, die 1957 am Eingang zum Schulgelände des Wilhelm-Dörpfeld-Gymnasiums in Wuppertal-Elberfeld aufgestellt wurde. Seit die "Pallas Athene" im Jahr 2003 aus Protest von ihrem Sockel gestoßen wurde, wird immer wieder über ihren Verbleib am Standort diskutiert. Im Dezember 2019 gipfelte die Auseinandersetzung in einer öffentlichen Podiumsdiskussion, in der es um die Frage ging: "Soll ein Breker vor einer Schule stehen?". Es wurde darüber diskutiert, ob man das Kunstwerk mit moderner Formensprache vom belasteten Künstler trennen kann, inwiefern die Pallas Athene an dem Standort noch für nationalsozialistisches Gedankengut steht und wie es um die künstlerische Qualität der Plastik steht. Die Skulptur abzureißen, wurde von der Mehrheit abgelehnt und ist aus denkmalschutzrechtlicher Sicht nicht erwünscht. Stattdessen wurde beschlossen, einen Wettbewerb für einen künstlerischen Kommentar aus zeitgenössischer Sicht auszuschreiben. Ziel des Wettbewerbs war es, für den Standort einen signifikanten künstlerischen Beitrag zu entwerfen, der zur kritischen Auseinandersetzung mit der "Pallas Athene" beiträgt und dem Ort im Zusammenwirken mit der baulichen Situation einen unverwechselbaren Ausdruck verleiht. In dem zweiphasigen Verfahren hat die berufene Fachjury das Konzept der bosnisch-österreichischen Künstlerin und Architektin Azra Akšamija ausgewählt.

Künstlerische Kommentierung der "Pallas Athene" von Arno Breker durch Azra Ak¿amija

Eulensicht

Zukünfte der Philologien

Zukünfte der Philologien im Medienwandel

In der künstlerischen Praxis von Nikola Uki¿ zeigen sich Wachstum und Verfall, stehen quasi für eine Metapher der Ökologie des Kapitalismus, wie viele Kritiken hervorheben, obwohl er keinen direkten Bezug zwischen beiden Begriffen formuliert. Seine Überlegungen kreisen um grundlegende Fragen künstlerischen Schaffens, und er nimmt die vorwärtstreibenden Traditionen der 1960er Jahre von Readymade und Minimal auf, mit denen die Bildhauerei sich bewusst und radikal von repräsentativen und monumentalen Begriffen abgewandt hat. Nikola Uki¿ zielt auf eine kritische Neuinterpretation skulpturaler Strategien, thematisiert die Krise kohärenter Körpererfahrungen und die Beziehung zwischen Authentizität und Fiktion. Arbeiten wie seine Polyurethan-Würfel 'They breathe out as they rise verdeutlichen das. Mit unterschiedlich dosierten Farbpigmenten gemischt, erreichen die Polyurethan-Würfel ihr maximales Volumen, wenn sie die Größe ihrer Gussform angenommen haben und sich, in ihrem eigenen Tempo, allmählich wieder entleeren. Ihre Entstehung ist einer dauerhaften Wandlung unterworfen, die sie beweglich und zerbrechlich wie den menschlichen Körper zeigen. Allerdings gibt es hier keinen linearen Alterungsprozess - ein geschrumpfter Würfel steht einem neuen und glatten in nichts nach. Es ist kein Zufall, dass Uki¿s Ausstellungen immer wieder mit Zen-Gärten verglichen werden, denn in ihnen artikulieren sich Natur und menschliche Arbeit, nicht apologetisch und disharmonisch, sondern in einer völlig neuen Form von Wachstum und Sein, die in der Tat einer neuen Ökologie gleichen, die auf der Untersuchung der Grenzen von Natur und Kultur, dem Lebendigen und dem Toten, dem Wachstum und der Beständigkeit zu beruhen scheinen. Uki¿s Ökologie resultiert aus seiner Reflexion der Form und nicht aus dem Prinzip der Harmonie und der Auslöschung der Unterschiede. Er beharrt auf ihrer Nichtreduzierbarkeit und unserer Fähigkeit, diese auszuhalten. In diesem Sinne lotet seine Praxis die Grenzen des Möglichen aus, etwas nebeneinander zu stellen, ohne es zu neutralisieren. Nikola Uki¿ interessiert sich für die Idee, wie sich Körpermassen in eine Oberfläche einprägen lassen, ohne dies mit mimetischem Realismus darzustellen.

Kat. mmsu Museum für moderne und zeitgenössische Kunst Rijeka

Nikola Uki¿: About the Sense of Possibilties

Das Chelsea Hotel in New York ist seit den 1960er-Jahren ein ikonischer Ort der Kunst- und Musikszene. Von 1969 bis 1971 lebte auch der Künstler Albert Scopin dort, damals noch als Assistent der Fotografen Mikel Avedon und Bill King. Im Hotel herrschte nie Ruhe und alle, so schien es, waren auf der Suche nach etwas. Der junge Scopin suchte den unverstellten Blick auf die Menschen, die hier ein und ausgingen. Um die lebhaften Geschehnisse möglichst unbemerkt einzufangen, schaute er häufig nicht einmal durch den Sucher seiner einfachen Kodak Instamatic. Die dabei entstandenen Aufnahmen zeigen die noch unbekannten Patti Smith und Robert Mapplethorpe als junges Paar und als Individuen auf ihrem Weg zum Ruhm, ebenso Filmregisseure wie Wim Wenders, Rosa von Praunheim, Miloš Forman und Jonas Mekas; die Warhol-Crowd führt ein Theaterstück auf; im Keller feiern die Hotelangestellten eine wilde Party; auf dem Dach sinniert man darüber, was die Zukunft bringen mag, und schaut herunter auf eine Stadt, die darauf wartet, erobert zu werden. Kurze Begleittexte des Künstlers und ein Interview runden den Band ab und vermitteln außergewöhnlich nahe Einblicke in die Welt hinter der Fassade des vielleicht berühmtesten Hotels der Welt.

Chelsea Hotel

Scopin

Happy Birthday, Paula Modersohn-Becker! This volume celebrates 150 years since the birth of the fascinating artist, who remains of the most important figures of the German avant-garde. Examining her artistic development in depth and presenting works from all phases of her career, this book places particular focus on her early work, which has hitherto received little attention or recognition. She was one of the most influential artists of the twentieth century, and her works influenced such major figures as Georg Baselitz and Chantal Joffe. But how did Paula Becker, born in Dresden in 1876, become the artist Paula Modersohn-Becker? Numerous works from renowned collections and private holdings illustrate this fascinating story and demonstrate that she was following her own artistic path even in her student years. It was this path that made her the legend she became celebrated in literature, film and art.

Englische Ausgabe

Paula Modersohn-Becker. London Berlin Worpswede Paris

Zwei Künstler, eine gemeinsame Formensprache: überraschende Analogien in den Werken von Hans Josephsohn und Herbert Boeckl

Dieses Buch initiiert einen Dialog zwischen dem Maler Herbert Boeckl und dem Bildhauer Hans Josephsohn, die einander zu Lebzeiten nie begegnet sind. Dennoch werden überraschende formalästhetische Analogien sichtbar: Beide sind im Zeitalter der Abstraktion der Gegenstandsbezogenheit und insbesondere der menschlichen Figur treu geblieben und fanden durch radikale Vereinfachung und massive Verdichtung zu einer zeitlosen, universellen, geradezu archaischen Formensprache.

Text: Matthias Boeckl, Lili-Vienne Debus, Ulrich Meinherz, Hans-Peter Wipplinger.

Ausst. Kat. Leopold Museum, Wien

Herbert Boeckl / Hans Josephson. Archetypen des Figuralen / Figural Archetypes

Im Jahr 2024 feiert die Stadt Köln den 200. Todestag von Ferdinand Franz Wallraf (1748-1824), der als Visionär und Sammler das kulturelle Leben der Stadt geprägt hat.
WASTA ist ein Projekt der Studierenden des kunsthistorischen Instituts der Universität Köln und steht für "Wallraf Street Art". Das Buch folgt der kritischen und kreativen Auseinandersetzung mit der Person Wallraf, dokumentiert die einjährige Arbeit von der Idee über den Wettbewerb bis zu Genehmigungsverfahren und Sponsorensuche und stellt ausführlich in Bild und Kommentar die elf Künstler*innen-Projekte vor. Ein ebenso überraschendes wie lehrreiches Buch.

Ed.: Kira Holst, Johannes Stahl.

Wallraf Street Art

Das Museum Ludwig verfügt über eine herausragende ständige Sammlung. Diese darf sich einiger Superlative rühmen: Sie enthält den umfangreichsten Pop-Art-Bestand außerhalb der USA, die drittgrößte Picasso-Sammlung der Welt, bedeutende Werke des deutschen Expressionismus und der Neuen Sachlichkeit sowie rund 70.000 Fotografien, die die Geschichte des Mediums von seinen frühsten Anfängen bis heute abbilden. Damit besitzt das Museum Ludwig eine der international wichtigsten Sammlungen von Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts. Diese wird in dieser Publikation anhand von 146 Werken dargestellt. Die Auswahl ist geleitet von dem Bestreben, die Sammlung durch bisher vernachlässigte Positionen aus dem nicht europäischen Kontext sowie durch Werke der noch immer unterrepräsentierten Künstlerinnen zu erweitern. Sie wirft aktuelle Schlaglichter auf die in stetigem Wachstum und Wandel begriffenen Museumsbestände.

Text: Dominik Busch, llona Ciesielski, Stephan Diederich, Yilmaz Dziewior, Barbara Engelbach, Erich Franz, Julia Friedrich, Erec Gellautz, Barbara Hess, Silke Immenga, Christina Irrgang, Rita Kersting, Ania Köyszko, Adelheid Komenda, Michael Krajewski, Helena Kuhlmann, Iris Maczollek, Christiane Meixner, Kathrin Michel, Janice Mitchell, Anne Niermann, Leonie Pfennig, Luise Pilz, Thomas Pöhler, Andreas Prinzing, Leonie Radine, Joanne Rodriguez, Katrin Sauerländer, Simone Schmahl, Leonore Spemann, Rainer Stamm, Miriam Szwast

Ausst. Kat. Museum Ludwig, Köln

Museum Ludwig. 146 Artworks from the Collection

André Butzer (geb. 1973, lebt in Berlin) ist für seine provokante pop-expressionistische Malerei bekannt, die sich den großen gesellschaftlichen Widersprüchen unserer Zeit widmet. Versatzstücke von u.a. Comics, Disney und Kunstgeschichte gehen gleichberechtigt in seine farblich und energetisch intensiven Bilder ein. Butzer is ebenso eloquent in Worten und dieser Band, der vierte in einer Reihe, schöpft aus dem stetig wachsenden Archiv des Künstlers. Für das neue Buch arbeitet sich Butzers langjähriger Lektor Alexander Linn über fünf Jahre durch zahllose Dokumente und sah alle Publikationen aus dieser Zeit ein. Das Resultat ist eine wertvolles Quellenwerk mit Texten, Interviews, Briefen und Gedichten, sowie einem Transkript des Films André Butzer, Seine Kunst und Seine Zeit von 2023.

Band 4: 1983-2025

André Butzer: Pressemitteilungen, Briefe, Gespräche, Texte, Gedichte

In large-format paintings, the painter Malte Hagen (born 1967, lives in Berlin) combines everyday objects, figures, and spaces into ambivalent scenarios that are both strangely alluring and repulsive. With painted light effects, whitish surfaces, and contrasts of glare and muted tones he propels the depicted subjects into a mythical distance. Yet despite allusions to mythology and art history, Hagen's paintings are clearly relevant today. Bulky waste and plastic junk are on equal footing with golden helmets and classical poses. The artist "oscillates between sweetness and kitsch" (Christoph Tannert). What might appear ironic at first glance remains suggestive and paradoxical. This richly illustrated book provides an overview of Hagen's subtly provocative paintings of the past ten years.

Malte Hagen: Subtle Masterworks

Frank Morrisons (geb. 1971, lebt in Atlanta) urbaner Manierismus feiert Widerstand und Würde im Alltag des Schwarzen Amerika. Der Künstler ist mit den strukturellen Ungerechtigkeiten Amerikas aufgewachsen und weiß aus Erfahrung, dass Kreativität und Gemeinschaftsgeist sich immer wieder gegen Ausgrenzung durchsetzen. Hip-Hop und Graffiti sind Widerstand. Statt die alten Geschichten vom Kampf zu erzählen, feiert dieses Buch die Schönheit, Erfindungsgabe und Kraft, die in unterprivilegierten Vierteln zuhause sind. Das Buch dokumentiert Morrisons Ausstellungen der letzten Jahre. Rahmensprengende Bilder verweben Erzählformen der Pop Art neu: eine explosive Hommage an die Schöpferkraft, die in marginalisierten Vierteln zu Hause ist.

Frank Morrison

Von den Wurzeln bis zu den Blättern: Jeder Baum ist ein Kunstwerk

Bäume, die älteste Pflanzengruppe der Erde, prägen unser Leben und spielen eine wichtige Rolle in allen Kulturen. Menschen haben immer versucht, sie zu verstehen und abzubilden. Tony Kirkham versammelt berühmte Bilder von Bäumen ebenso wie Waldbilder, Skulpturen, Illustrationen aus der Pflanzenkunde und Bilder, die in Baumstämme geschnitzt wurden. Glossare zu den Künstlern und den botanischen Fachbegriffen runden den Bildband ab. Ein wahrer Lesegenuss zum Schauen und Staunen!

- Der Baum in der Kunst und Fotografie: Ein Überblick über Symbolik und Geschichte
- Von Zwergbäumen in der Arktis bis zum Joshua-Tree in der Wüste: Bäume aus aller Welt 
- Natur verstehen: Ökosystem Wald - ausführlicher Einleitung zur Bedeutung der Bäume
- Renoir, Van Gogh, Klimt: Wie berühmte Künstler das Baummotiv interpretiert haben
- Hochwertige Illustrationen: Lesegenuss und Geschenk für Kunstliebhaber

Hommage an die Schönheit und Vielfalt der Bäume in Wissenschaft, Geschichte und Kultur

Menschliches Leben ist ohne Bäume nicht denkbar. Sie liefern rund ein Drittel des Sauerstoffs, den wir einatmen. Von Adam und Eva, die vom Baum der Erkenntnis aßen, bis zum Bodhi- Baum, unter dem Buddha Erleuchtung erlangte, sind sie das Herzstück des menschlichen Überlebens. Tony Kirkham, Experte im botanischen Garten von London, zeigt in diesem einzigartigen Bäume-Bildband, wie die grünen Riesen Kunst und Kultur prägen.

Kultur, Geschichte, Kunst. Coffee-table book: Die Magie der Bäume. Bildband mit über 300 Bildern und Fotografien. Ideales Geschenk für Naturfreunde

BÄUME - Der Atem der Welt

Anne Truitt

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