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Dine J: Chasing Scale and Color

Chasing Scale and Color

Ferdinand Hodler (1853-1918) und Filippo Franzoni (1857-1911) verband trotz unterschiedlicher künstlerischer Ansätze eine enge Freundschaft sowie die tiefe Auseinandersetzung mit den Themen ihrer Zeit. Ihre Werke wurden zu ihren Lebzeiten immer wieder gemeinsam in Ausstellungen gezeigt. Hodler wird bis heute als Meister des Symbolismus und für seine Landschaftsbilder verehrt, Franzoni ist für seine kraftvollen Darstellungen der Tessiner Landschaft bekannt.
 Dieses Buch betrachtet erstmals umfassend die Künstlerfreundschaft und den engen Austausch der beiden Maler. Es führt durch ihre jeweiligen Schaffensphasen und verdeutlicht anhand ausgewählter Werke Gemeinsamkeiten und Unterschiede gleichermassen. Es bietet eine einzigartige Gegenüberstellung zweier Künstlerpersönlichkeiten und wirft neues Licht auf die Schweizer Kunstszene an der Wende zum 20. Jahrhundert.

Ferdinand Hodler – Filippo Franzoni

Since the late 1960s, Anselm Kiefer has explored the profound depths of human history through his work. For his first American retrospective in twenty years, he takes the river as a metaphor for the flux of life and passage of time. Breathtaking new landscapes join iconic works to celebrate the achievements of his nearly sixty-year career. Becoming the Ocean explores Kiefer's remarkable body of work. From his early evocative landscapes of postwar Europe to his later, monumental canvases on themes of destruction and regeneration, Kiefer's oeuvre challenges our understanding of history and memory. Catalogue highlights include previously unpublished artist writings, lavish illustrations and contributions by writers who inspired Kiefer's famously literary art.

Die große Publikation zur ersten Retrospektive von Anselm Kiefer in den USA seit zwanzig Jahren. Den Fluss als Metapher für das Leben und den Lauf der Zeit nehmenden blickt Anselm Kiefer zurück auf seine fast sechzigjährige Karriere in der er die Tiefen der Menschheitsgeschichte ausgelotet hat. Ikonische Werke reihen sich neben atemberaubende neue Landschaften – eine umfassende Würdigung im Rahmen seines 80. Geburtstages.


 Anselm Kiefer zählt zu den größten und herausragendsten zeitgenössischen Künstlern. Die Publikation widmet sich seinem gesamten Schaffen: Von frühen, eindrucksvollen Landschaften des Nachkriegseuropas bis zu späteren, monumentalen Leinwänden zu Themen der Zerstörung und Erneuerung. Anselm Kiefer hinterfragt und fordert unser Verständnis von Geschichte und Erinnerung. Neben den großformatigen Werkreproduktionen zählen zu den Höhepunkten des Bandes bisher unveröffentlichte Künstlertexte sowie Beiträge von Schriftstellern, die Kiefers berühmte literarische Kunst inspirierten.

Blockbusterausstellung im Saint Louis Art Museum

ANSELM KIEFER – Becoming the ocean

Studien aus dem Warburg-Haus

Die Auseinandersetzung mit Positionen des Skeptizismus wurde in der Kunstgeschichte bisher geführt, indem man Thesen aus der Philosophie auf die Ikonographie von Gemälden bezog. Forschung, die sich mit Skepsis beschäftigte, fragte danach, wie philosophische Texte ihren Niederschlag in Kunstwerken fanden. "Visuelle Skepsis" analysiert stattdessen, wie Bilder aufgrund der ihnen eigenen medialen Struktur zum Ort von performativen Prozessen werden können, die mit den dialogischen Strategien des Skeptizismus vergleichbar sind. Eine Hauptthese lautet, dass dabei Widersprüche und Negationen auftreten, die den Charakter einer medialen Selbstbefragung haben. Bilder können ihren eigenen Status als Erkenntnismedien problematisieren - zum einen ausstellen, zum anderen aber auch in Zweifel ziehen.

Die Auseinandersetzung mit Positionen des Skeptizismus wurde in der Kunstgeschichte bisher geführt, indem man Thesen aus der Philosophie auf die Ikonographie von Gemälden bezog. Forschung, die sich mit Skepsis beschäftigte, fragte danach, wie philosophische Texte ihren Niederschlag in Kunstwerken fanden. „Visuelle Skepsis" analysiert stattdessen, wie Bilder aufgrund der ihnen eigenen medialen Struktur zum Ort von performativen Prozessen werden können, die mit den dialogischen Strategien des Skeptizismus vergleichbar sind. Eine Hauptthese lautet, dass dabei Widersprüche und Negationen auftreten, die den Charakter einer medialen Selbstbefragung haben. Bilder können ihren eigenen Status als Erkenntnismedien problematisieren – zum einen ausstellen, zum anderen aber auch in Zweifel ziehen.

Wie Bilder zweifeln

Visuelle Skepsis

Michael Müller. Ernstes Spiel. Catalogue Raisonné

Die ersten Bände des mit über 40 Bände umfassenden geplanten Werkverzeichnisses des Künstlers Michael Müller - ein einzigartiges über Jahrzehnte angelegtes Vorhaben - bieten einen Überblick über das malerische OEuvre Müllers. Sie dokumentieren zahlreiche Werke, gruppiert nach Serien und Werkgruppen. Zu allen Arbeiten werden neben den Werkangaben umfangreiche Informationen geliefert: Ausstellungshistorie, Provenienz, Literaturverweise und persönliche Anmerkungen des Künstlers zu Entstehungsgeschichte und Werkinhalt. Zusätzlich erschließen Texte namhafter Autor/-innen den Bilderkosmos von Müller und machen die Komplexität, Vielschichtigkeit und visuelle Kraft der oft großformatigen Gemälde erfahrbar, die immer wieder auf zentrale Werke der Kunstgeschichte anspielen und doch stets eine eigenständige künstlerische Sprache behalten. Band 1.2. stellt Müllers malerisches Werk von 2017 bis 2019 erstmals vollständig und ausführlich vor. Mit einem begleitenden Essay von Martin Engler.

Vol. 1.2, Painting 2017–2019

Leo Seidel

Wunderkammer

Die reich bebilderte Publikation zeigt herausragende Werke der amerikanischen Nachkriegskunst im Vorfeld der Eröffnung des Museum Reinhard Ernst in Wiesbaden. Angefangen bei Josef Albers über Helen Frankenthaler bis hin zu Andy Warhol und Julian Schnabel illustrieren sie die eindrucksvolle Vielfalt abstrakter Positionen jenseits des Atlantiks.Den Facettenreichtum von rund 70 Jahren amerikanischer Abstraktion offenbart der Blick auf einflussreiche Einzelpositionen und auf Künstlergruppierungen wie die New York School und die Washington Color School. Expressive Formspiele treffen auf streng geometrische Kompositionen, malerische Werke treten in Dialog mit skulpturalen Objekten. Bei aller Verschiedenheit unterstreichen die 110 Werke von 45 Künstlerinnen und Künstlern vor allem die große Freude an der Farbe.

Künstler*innen:
Josef Albers, Richard Anuszkiewicz, Norman Bluhm, David Budd, John Chamberlain, Oscar Chelimsky, Gene Davis, Richard Diebenkorn, Friedel Dzubas, Sam Francis, Ruth Francken, Helen Frankenthaler, Adolph Gottlieb, Peter Halley, Hans Hofmann, Paul Jenkins, Franz Kline, John Franklin Koenig, Willem de Kooning, Lee Krasner, John Levee, Morris Louis, Robert Mangold, Conrad Marca-Relli, Brice Marden, Joseph Marioni, Ed Moses, Robert Motherwell, Kenneth Noland, Jules Olitski, Jackson Pollock, Larry Poons, Robert Rauschenberg, Julian Schnabel, John Seery, Richard Serra, Theodoros Stamos, Frank Stella, Walasse Ting, Mark Tobey, Esteban Vicente, Andy Warhol, Tom Wesselmann, Frank Lloyd Wright, Kenneth Victor Young

American Painting in the Collection Reinhard Ernst

Abstract Expressionism - And Beyond

Karl-Heinz Rummeny. On ne part pas

Hochpolitisch und brisant. Diese Kunst benennt, was war und was auf die Gegenwart wirkt: 26 Millionen Personen in verschiedenen Ländern Afrikas und Europas wurden unter dem NS-Regime zur Zwangsarbeit eingesetzt. Ihre Erfahrungen und Verluste prägen die Realitäten ihrer Umfelder und Nachkommen bis heute. 
 Geringe Kompensationen für wenige der 26 Millionen Zwnagsarbeitenden verso Profit aus dem gemeinschaftlich verübten Verbrechen als Teil des deutschen Wohlstands. Während die allermeisten NS-Bürger*innen aktiv an der Ausbeutungteilnahmen, betrachten mit Abstand die meisten ihrer Nachkommen sie heute als Unbeteiligte. Franz Wanner legt die Ausbeutung durch NS-Zwangsarbeit in ihren gegenwärtigen Auswirkungen offen und erzählt darüber in Fotografien, Texten, Filmen und Objekten – denn die Auseinandersetzung mit NS-Kontinuitäten ist heute wichtiger denn je.

Franz Wanner. Eingestellte Gegenwarten. Bilder einer Ausbeutung

Das leere Buch

Das leere Buch ist der richtige Ansporn, Klassen- und Tagebücher zu führen, wichtige Notizen oder Skizzen festzuhalten oder selbst erfundene Kurzgeschichten niederzuschreiben.

A4-Format.

Das leere Buch - A4

Elijah kehrt in sein leer stehendes Elternhaus in Washington zurück, wo immer noch seine große Liebe Nakita wohnt, die er nie vergessen konnte. Als jedoch eine Leiche auf seinem Grundstück gefunden wird, muss Elijah nun für seine Gerechtigkeit kämpfen.

»Ich würde alles für dich tun. Und wenn ich sage, ich würde alles für einen geliebten Menschen tun, dann meine ich wirklich alles.«Die Rückkehr in die kleine Küstenstadt Point Orchards im malerischen Puget Sound ist der bisherige Tiefpunkt in Elijah Leiths Leben. Vor vielen Jahren kehrte er seiner Heimat und auch seiner Jugendliebe Nakita den Rücken, um seinen großen Traum zu verwirklichen: ein erfolgreicher Schriftsteller zu werden. Doch nun steht er vor einem Scherbenhaufen. Sein verfallenes Elternhaus, umgeben von moosbewachsenen Tannen und glitzernden Wasserläufen, wird zu seinem Rückzugsort. Und zu dem Platz, an dem er sich an der wilden Küste des Pazifik ein neues Leben aufbauen muss. Als auch Nakitas Weg eine schicksalhafte Wendung nimmt, nähern sich die beiden wieder an. Elijah schöpft Hoffnung, aber schon bald droht eine grausame Entdeckung alles zu zerstören. Und er muss nicht nur für seine große Liebe, sondern auch für seine Unschuld kämpfen. Ein Liebesbrief an die Schönheit des Pazifischen Nordwestens, an die Kraft der Freundschaft und an die Bereitschaft, für die zu kämpfen, die uns alles bedeuten»Sarah Crouchs brillantes Debüt ist eine Geschichte über Liebe, Rache und Wiedergutmachung, die vor der atemberaubenden Kulisse des Puget Sound spielt. Sie werden dieses Buch nicht aus der Hand legen können.« Tarryn Fisher, New York Times-Bestsellerautorin»Ein raffiniertes Debüt mit lebendiger Prosa und einem eindrucksvollen Gespür für die Natur. Leser werden gespannt sein, was Crouch als Nächstes tut.« Publishers Weekly <ul><li>Leserinnen und Leser von Shelley Read, Delia Owens und Chris Withaker werden dieses Buch lieben! </li></ul>

Roman | Ein atmosphärisches Debüt über Liebe, Verlust und Rache vor der beeindruckenden Kulisse des Pazifischen Nordwestens | USA-Today-Bestseller

Middletide – Was die Gezeiten verbergen

Leiko Ikemura. Motherscape

Unter den hochtechnologischen Bedingungen der Gegenwart wird Materialität in Wissenschaft wie Kunst zunehmend als Agent aufgefasst, der jenseits bewusster menschlicher Wahrnehmung in ökologischen, digitalen oder neuronalen Umwelten angesiedelt ist. In diesem Zusammenhang bezeichnet der Begriff des nonconscious (N. Katherine Hayles) sowohl Formen computergestützter Erfahrung als auch neuronale körperliche Prozesse. Die Beiträge dieser interdisziplinären Publikation fragen nach den Konsequenzen des Nicht-Bewussten als Werkstoff und Vorstellung für ästhetische Praktiken. So öffnen sie insbesondere die an Vorstellungen von Reflexivität und Intentionalität orientierte Theorie, Geschichte und Praxis zeitgenössischer Kunst für neue kritische Lesarten. <ul> <li>Gibt es eine Kunst ohne Bewusstsein? </li> <li>Neue Lesarten von Theorie und Geschichte zeitgenössischer Kunst </li></ul>

Under the present day's highly technological conditions, materiality in science as well as art is perceived increasingly as an agent located beyond conscious human perception in ecological, digital or neuronal environments. In this context, the term nonconscious (N. Katherine Hayles) refers to forms of computer-based experience as well as neuronal bodily processes. The contributions to this interdisciplinary publication enquire into the consequences of the nonconscious as material and imagination for aesthetic practices. In particular, they encourage new critical readings of the theory, history and practice of contemporary art oriented towards notions of reflexivity and intentionality. <ul><li>Is there art without consciousness?</li><li>New interpretations of the theory and history of contemporary art</li></ul>

Beiträge zur technologischen Ästhetik der Gegenwart

Kunst ohne Bewusstsein?

Chasing Scale and Color

Bibliografische Angaben

Schlagworte

Bibliografische Angaben

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Weitere Titel zum Thema