<div class="raw-html-embed"> Kennen Sie schon unseren Geschäftskundenservice? <a href="/fuer-geschaeftskunden">Wir beraten Sie gerne</a>.</div>

NL_Doormat: Hintergrundfarbe des Newsletter Banners unten in der Doormat. Mit # eingeben z.B. #1405BE

NL_Doormat: Verlinkung zur Newsletter Seite

Über uns

À propos de nous

Zahlung und Lieferung

Paiement et livraison

Nachhaltigkeit

Durabilité

Open Access

Datenschutz

Protection des données

Karriere

Carrière

Impressum

Mentions légales

LEXIA

LEXIA Arbeitsrecht

Was ist LEXIA?

C'est quoi LEXIA ?

LEXIA Familienrecht

Zeitschriften

Revues

recht

Pflegerecht

ZBJV

forumpoenale

ZStrR

Anwaltsrevue

Revue de l'avocat

RSAS

FamPra.ch

ASYL

Life Science Recht

BlAR

Sachbuch

Livres spécialisés

LOKI

Semaphor

Fokusthemen

Focus

Thema

Recht studieren

Arbeitsrecht

Droit du travail

Studium

Études

Familienrecht

Droit de la famille

Sozialversicherungsrecht

Droit des assurances sociales

Strafrecht

Droit pénal

Publikationen

Publications

Literatur

Onlinemodule LEXIA

Modules en ligne LEXIA

Bücher

Livres

Buchreihen

Collections

Datenbanken

recht.ch

Studienliteratur

Littérature pour les études

Services

Dienstleistungen für

Corporate Books

Publishing Lösungen

Aktuelles

Geschäftskunden

Professionnels

Corporate Publishing

Content solutions

Buchhandlungen

Librairies

Veranstaltungen

Événements

Presse

Dozierende

Enseignants

Studierende

Étudiants

Inserierende

Annonceurs

Newsletter

Blog

Autorinnen/Autoren

Auteurs

Unsere Schreibenden

Hilfe

Unsere Autorinnen und Autoren

Liste

Autorenlounge

Espace des auteurs

Bei uns publizieren

Publier chez nous

Autorenstimmen

Témoignages

Verlag

Éditions

Themen

Mehr wissen

Mitarbeitende

Collaborateurs

Geschichte

Histoire

Vision und Mission

Vision et mission

Unser Magazin

Notre magazine

Unternehmenskultur

Culture d'entreprise

Partner

Partenaires

Kontakt

Contact

Shop

Schweizer Recht

Ausländisches Recht

Über unseren Shop

Neuerscheinungen

Nouveautés

Sortiment und Funktionen

Assortiment et recherche

Vorankündigungen

À paraître

Nach Rechtsgebiet

Par domaine juridique

Kommentare

Commentaires

Art de wouf

Ces œuvres qui ont du chien

[English Edition]

KAWS: Art & Comic

Die Geschichte der modernen Kunst als Graphic Novel 
 
 Was macht ein Urinal, eine Dose Suppe, einen eingelegten Hai oder eine an die Wand geklebte Banane zu einem Kunstwerk? Diese Graphic Novel erzählt über einen Zeitraum von etwa 100 Jahren die Geschichte der modernen Kunst als Abfolge genialer Geistesblitze, die die Welt veränderten. 
 
 Was als rebellischer Akt bei einer Ausstellung im Jahr 1917 begann, entwickelte sich zu einer globalen, milliardenschweren Kunstform. Die hier vorgestellten Kunstwerke provozierten und elektrisierten die Gesellschaft derart, dass es immer wieder zu explosiven Momenten kam, in denen Konventionen und Traditionen in die Luft gesprengt wurden. Über Jahrzehnte und Kontinente hinweg ? Paris, New York, London, Tokio, São Paulo ? inspirierten sich wagemutige Künstler gegenseitig, überschritten Grenzen und lösten aufsehenerregende Zäsuren sowie bahnbrechende Kettenreaktionen aus, die die Kunst für immer veränderten. Egal, wie lange die Menschen brauchen, um den jeweiligen Positionen etwas abzugewinnen ? zeitgenössische Kunst widersetzt sich weiterhin der Erwartungen, stört die Gewohnheiten, regt neue Sichtweisen an und beweist, dass der Kreativität keine Grenzen gesetzt sind.

Die Geschichte der modernen Kunst als Graphic Novel Was macht ein Urinal, eine Dose Suppe, einen eingelegten Hai oder eine an die Wand geklebte Banane zu einem Kunstwerk? Diese Graphic Novel erzählt über einen Zeitraum von etwa 100 Jahren die Geschichte der modernen Kunst als Abfolge genialer Geistesblitze, die die Welt veränderten. 
 Was als rebellischer Akt bei einer Ausstellung im Jahr 1917 begann, entwickelte sich zu einer globalen, milliardenschweren Kunstform. Die hier vorgestellten Kunstwerke provozierten und elektrisierten die Gesellschaft derart, dass es immer wieder zu explosiven Momenten kam, in denen Konventionen und Traditionen in die Luft gesprengt wurden. Über Jahrzehnte und Kontinente hinweg Paris, New York, London, Tokio, São Paulo inspirierten sich wagemutige Künstler gegenseitig, überschritten Grenzen und lösten aufsehenerregende Zäsuren sowie bahnbrechende Kettenreaktionen aus, die die Kunst für immer veränderten. Egal, wie lange die Menschen brauchen, um den jeweiligen Positionen etwas abzugewinnen zeitgenössische Kunst widersetzt sich weiterhin der Erwartungen, stört die Gewohnheiten, regt neue Sichtweisen an und beweist, dass der Kreativität keine Grenzen gesetzt sind.

Die explosive Geschichte der modernen Kunst. Eine Graphic Novel

Blow Up!

Ein Bild und seine Geschichte

The Thinker, 1986

IMAGINES – Classical Receptions in the Visual and Performing Arts

This book examines the reception of Graeco-Roman sculptures of Venus and their role in the construction of the body aesthetics of the "fit" American woman in the decades around the turn of the 20th century. In this historical moment, 19th-century anthropometric methods, the anti-corset dress reform movement and early fitness culture were united in their goal of identifying and producing healthy, procreative female bodies. These discourses presented ancient statues of Venus - most frequently, the Venus de Milo - as the supreme visual model of a superior, fit, feminine physique. An America of such Venuses would herald the future prosperity of the "American race" by reviving the robust health and moral righteousness of the ancient Greeks.
 
 Venuses had long been symbols of beauty, but the new situation of Venus statues as an aesthetic and moral destination for women set up a slippage between ideal sculpture and living bodies: what did it mean for a woman to embody - or to try to embody - the perfect health and beauty of an ancient statue? How were women expected to translate this model into flesh? What were the political stakes to which this vision of a nation of American Venuses was bound? Who was believed to conform to this ideal, and who was excluded from it? In taking on these questions, Franks engages with physical culture and dress-reform media, modern artwork that adapts Graeco-Roman traditions, anthropological texts, art histories of ancient Greece, film, advertising and medical reporting on women's health.

This book examines the reception of Graeco-Roman sculptures of Venus and their role in the construction of the body aesthetics of the “fit” American woman in the decades around the turn of the 20th century. In this historical moment, 19th-century anthropometric methods, the anti-corset dress reform movement and early fitness culture were united in their goal of identifying and producing healthy, procreative female bodies. These discourses presented ancient statues of Venus – most frequently, the Venus de Milo – as the supreme visual model of a superior, fit, feminine physique. An America of such Venuses would herald the future prosperity of the “American race” by reviving the robust health and moral righteousness of the ancient Greeks.
 
 Venuses had long been symbols of beauty, but the new situation of Venus statues as an aesthetic and moral destination for women set up a slippage between ideal sculpture and living bodies: what did it mean for a woman to embody – or to try to embody – the perfect health and beauty of an ancient statue? How were women expected to translate this model into flesh? What were the political stakes to which this vision of a nation of American Venuses was bound? Who was believed to conform to this ideal, and who was excluded from it? In taking on these questions, Franks engages with physical culture and dress-reform media, modern artwork that adapts Graeco-Roman traditions, anthropological texts, art histories of ancient Greece, film, advertising and medical reporting on women’s health.

Venus Envy

Ancient Sculpture and Twentieth-Century American Womanhood

Adolphe Appia (1862-1928) is a prominent figure in the history of modern theater, best known for his writings on the mise-en-scène and stage design for the operas of Richard Wagner. Far less is known about the Swiss scenographer's importance in twentieth-century architecture and aesthetics. The Appian Way is the definitive account of Appia's significance in this field. It is centered on his remarkable drawings that are at once austere and atmospheric: framing a series of scenes capturing stairs, landings, platforms, and terraces, all staged before a distant horizon under a luminous sky, the drawings are generally monochrome, but the subtle hues of the paper imbue each with a distinctive, ambient undertone. Appia himself might be thought about in the same way; he was distant yet also enigmatically present in the ensuing drama of modern architecture and stage design.
 Comprised of four main chapters and a coda, this engaging and accessible book is structured as a dramatic story that traces the contours of Appia's life-his personal circumstances, convictions, aesthetic preferences, desires, and motivations-all aimed at constructing a comprehensive portrayal of his life and his work, within the horizons of his time. Appia's drawings are reproduced here in full color, accompanied by a vast range of archival material, much of which has never been published before.

Adolphe Appia and the Scenography of Modern Architecture

The Appian Way

Joshua Hagler's Nihil explores in an absolutely unique way the realisation and consummation of the mind, process and application of an artist's life and work. Hagler defi ned for himself nine key tenets to guide his artistic vision and then utilised and inhabited nine spaces in New Mexico to articulate this vision. His site-specific installations and interventions in lost and forgotten buildings, schools, churches and post offices create ghostly imaginative spaces that integrate many times and places hovering within a single moment. This extraordinary and unique sequence of work is documented and recorded in this important publication of a singular artistic vision. 'The law of the conservation of mass states that nothing is lost, nothing is created, everything is transformed. Here lies the pathos to Joshua Hagler's convoluted mental and pictorial universe.' - David Anfam, Art Historian &amp; Curator

Joshua Hagler in New Mexico

Nihil

Blue Eternity

- mit Motivfarbschnitt und Charakterkarte nur in der ersten Auflage -&nbsp;It was always youBlair hat alles verloren. Die Anerkennung ihrer Eltern. Ihren Ruf als erstzunehmende Künstlerin. Und ihren Bruder. Seit einem Jahr¿ torkelt sie von Party zu Party, um sich mit Alkohol und fremden Männern zu betäuben. Dass sie dabei eine Spur von Skandalen hinterlässt, berührt sie nichts im Geringsten. Bis ihre Eltern ihr den Geldhahn zudrehen. Notgedrungen ist sie dazu gezwungen, die nächsten Monate an der britischen Küste zu verbringen, um dort im Familienstrandhaus an einer neuen Bildreihe zu arbeiten. Mit wem sie allerdings nicht im stürmischen St Ives gerechnet hat? Mit Connor Rutherford, dem besten Freund ihres verstorbenen Bruders. Connor, der¿seit Jahren in einer Beziehung mit ihrer früheren Freundin Elle Hastings ist. Connor, den sie nicht ausstehen kann, weil er ihr schon damals das Herz gebrochen hat, ohne sie ein einziges Mal berührt zu haben ...Mit den Tropen Haters to Lovers,&nbsp;Forced Proximity&nbsp;und&nbsp;Rock Bottom HeroineUnabhängig von Moments so Blue Like Our Love lesbar

Roman | Die berührende Best Friend’s Ex New Adult Romance der SPIEGEL Bestsellerautorin

Memories so Golden Like Us (Blue Eternity 2)

Renaissance Lives

A clear-eyed reconsideration of a scandalous Renaissance sculptor's autobiography and art. Benvenuto Cellini was a murderer, thief, lover of all genders, rival of popes and princes, as well as an ingenious artist. In his legendary autobiography, the Vita, Cellini describes his activities vividly and in lurid detail. Many of the most disturbing passages have been dismissed as fiction, but in this clear-eyed portrayal, Andreas Beyer argues that these sensational accounts of the body, sex, and extreme experiences are not only entertaining but historically authentic. The stories reveal the depth of Cellini's character: an artist who embraced life and shattered boundaries. Ultimately, this book discovers the roots of modern art's fascination with the autonomous artist deep within Cellini's audacious life and work.

Benvenuto Cellini and the Embodiment of the Modern Artist

Studien aus dem Warburg-Haus

Die Auseinandersetzung mit Positionen des Skeptizismus wurde in der Kunstgeschichte bisher geführt, indem man Thesen aus der Philosophie auf die Ikonographie von Gemälden bezog. Forschung, die sich mit Skepsis beschäftigte, fragte danach, wie philosophische Texte ihren Niederschlag in Kunstwerken fanden. "Visuelle Skepsis" analysiert stattdessen, wie Bilder aufgrund der ihnen eigenen medialen Struktur zum Ort von performativen Prozessen werden können, die mit den dialogischen Strategien des Skeptizismus vergleichbar sind. Eine Hauptthese lautet, dass dabei Widersprüche und Negationen auftreten, die den Charakter einer medialen Selbstbefragung haben. Bilder können ihren eigenen Status als Erkenntnismedien problematisieren - zum einen ausstellen, zum anderen aber auch in Zweifel ziehen.

Die Auseinandersetzung mit Positionen des Skeptizismus wurde in der Kunstgeschichte bisher geführt, indem man Thesen aus der Philosophie auf die Ikonographie von Gemälden bezog. Forschung, die sich mit Skepsis beschäftigte, fragte danach, wie philosophische Texte ihren Niederschlag in Kunstwerken fanden. „Visuelle Skepsis" analysiert stattdessen, wie Bilder aufgrund der ihnen eigenen medialen Struktur zum Ort von performativen Prozessen werden können, die mit den dialogischen Strategien des Skeptizismus vergleichbar sind. Eine Hauptthese lautet, dass dabei Widersprüche und Negationen auftreten, die den Charakter einer medialen Selbstbefragung haben. Bilder können ihren eigenen Status als Erkenntnismedien problematisieren – zum einen ausstellen, zum anderen aber auch in Zweifel ziehen.

Wie Bilder zweifeln

Visuelle Skepsis

Schriftenreihe für Künstlerpublikationen

Listen Up! is the first publication worldwide to take an in-depth look at the development of Radio Art in the United States as a distinct sound art practice. Analytical essays by leading media art historians and practitioners discuss the ways in which a new field took shape in the context of changing broadcast environments and sociopolitical realities from the1960s through the 1990s. The essays provide engaging reading for scholars, radio producers, and artists, as well as radio enthusiasts and lay audiences. Also included are manifestos and other texts written by Terry Allen, Jacki Apple, John Cage, Don Joyce / Negativland, Max Neuhaus, Pauline Oliveros, and Helen Thorington, and others. The material vividly reflects the zeitgeist of the period and proposes trajectories for new research into fascinating yet still largely unexplored territories.

Listen Up! is the first publication worldwide to take an in-depth look at the development of Radio Art in the United States as a distinct sound art practice. Analytical essays by leading media art historians and practitioners discuss the ways in which a new field took shape in the context of changing broadcast environments and sociopolitical realities from the 1960s through the 1990s. The essays provide engaging reading for scholars, radio producers, and artists, as well as radio enthusiasts and lay audiences. Also included are manifestos and other texts written by Terry Allen, Jacki Apple, John Cage, Don Joyce / Negativland, Max Neuhaus, Pauline Oliveros, Helen Thorington, and others. The material vividly reflects the zeitgeist of the period and proposes trajectories for new research into fascinating yet still largely unexplored territories.

Radio Art in the USA

Listen Up!

Wie altägyptische Hieroglyphen vermittelt die Kunst Banksys 
über eine ikonische Bildsprache komplexe Botschaften. 
Banskys Werke fordern die Betrachter:innen im Vorbeigehen 
zum Nachdenken auf - über aktuelle Ereignisse, die eigene 
Rolle in der Gesellschaft - und regen an, die Realität mit einem 
kritischen Auge zu betrachten und sich selbst und andere zu 
hinterfragen. 
Dieses Banksy-Kartenset enthält 40 lustige, bedeutsame und moderne Motive, aus denen sich Orakelbotschaften 
deuten lassen. Ein innovatives Set mit Kartensatz und Begleitbuch zum Stellen der größeren und 
differenzierteren Fragen über das Leben und unseren Platz in der Welt.

Wie altägyptische Hieroglyphen vermittelt die Kunst Banksys 
über eine ikonische Bildsprache komplexe Botschaften. 
Banskys Werke fordern die Betrachter:innen im Vorbeigehen 
zum Nachdenken auf – über aktuelle Ereignisse, die eigene 
Rolle in der Gesellschaft – und regen an, die Realität mit einem 
kritischen Auge zu betrachten und sich selbst und andere zu 
hinterfragen. 
Dieses Banksy-Kartenset enthält 40 lustige, bedeutsame und moderne Motive, aus denen sich Orakelbotschaften 
deuten lassen. Ein innovatives Set mit Kartensatz und Begleitbuch zum Stellen der größeren und 
differenzierteren Fragen über das Leben und unseren Platz in der Welt.

40 Streetart-Botschaften

Banksy - Weisheiten

Bristol, London, New York, Sydney, Kanada, Israel, Mali  wo immer seine Graffiti über Nacht auftauchen, lösen sie einen wahren Run aus. Doch wer Banksys Kunst sehen möchte, muss meist schnell sein. Seine Werke werden oft sofort von anderen Sprayern getaggt, zahlreiche seiner Bilder wurden wieder entfernt oder übermalt. Banksys spöttisch distanzierten Werke sind immer politisch, hochintelligent und oft von pointiertem Witz. Eine Kritik an jeder Art Diskriminierung, am Konsumverhalten und der Umweltverschmutzung. Dieser Kalender zeigt ausgewählte Bilder des Graffiti-Künstlers in hochwertiger Ausstattung - ein Kunst-Kalender als perfekter Wandschmuck im Mittelformat. Die Bilder sind auch zum Einrahmen geeignet!

Ausgewählte Bilder des Graffiti-Künstlers. Kunstkalender Streetart Wandkalender

Banksy Kalender 2026 Mittelformat

Art de wouf

Bibliografische Angaben

Schlagworte

Bibliografische Angaben

Schlagworte

Weitere Titel zum Thema