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Gesamtkatalog

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Müller C: Albrecht Dürer und sein Kreis

Albrecht Dürer und sein Kreis

Beschreibender Katalog der Zeichnungen, Band III. Die Zeichnungen des 15. und 16. Jahrhunderts, Teil 2C

Paradeigmata

Der Philosoph, Logiker und Techniktheoretiker Gotthard Günther (1900-1984) gehört zu den vergessenen Protagonisten der Philosophiegeschichte des 20. Jahrhunderts. In seinem wechselhaften und intellektuell wie biographisch schillernden Werdegang spiegeln sich die Paradoxien und Widersprüche seiner Zeit auf der Ebene der philosophischen Theoriebildung wider.
Günther beginnt seine zunächst vielversprechende Karriere 1933 als Neuidealist mit einer immanenten Kritik an Hegels Logik, wechselt dann im US-amerikanischen Exil auf das Terrain der formalen Logik, befasst sich schließlich mit den noch jungen kybernetischen Theorien zu künstlicher Intelligenz und wird Forschungsprofessor an einer Einrichtung zur Erforschung ¿biologischer Computer¿. Zusammengehalten wird dieser Weg vom Idealisten zum (philosophischen) Techniker durch die Überzeugung, dass die bisherige klassisch-logische Grundlage unseres Verständnisses des menschlichen Geistes dessen wahre Kraft nicht zu freizulegen vermag und durch eine neue, 'trans-klassische' Grundlage ersetzt werden muss. Die Antwort auf die Frage, wie dies geschehen könnte und wie eine solche Logik auszusehen hat, sucht Günther bei Hegel, Schelling und Fichte, ebenso aber im logischen Kalkül und schließlich in den kybernetischen Entwürfen von 'mechanical brains'.
Das Buch von Christoph Görlich rekonstruiert den philosophischen und biographischen Weg Günthers, führt dabei in sein Werk ein und setzt sich mit der geschichtsphilosophischen Bedeutung der Günther'schen Konversion von der philosophischen Idee zum technologischen Entwurf auseinander.

Gotthard Günther und die Krisen des Idealismus

Im Hohlraum der Negativität

Philosophische Bibliothek

Diese turbulente, im zeitgenössischen Neapel angesiedelte Komödie veröffentlichte Bruno 1582 in Paris als sein erstes Werk in italienischer Sprache. Die drei Hauptfiguren in diesem sprachlich und soziologisch erstaunlich detailgetreuen Notturno sind ein geldgieriger Alchemist, ein ehebrecherischer Päderast (nach diesem 'Kerzenzieher' ist das Stück benannt) und ein hochmütiger Schulmeister. Bestraft werden die negativen Protagonisten durch Intrigen, die der Maler und Meisterillusionär Gioan Bernardo zusammen mit der Kupplerin Lucia ausheckt.
Der 'Candelaio' ist mehr als ein literarisches Bravourstück mit mehreren ineinander verwobenen Handlungssträngen sowie einer Liebeserklärung des Autors an seine Heimat Neapel. Dass hier zentrale Positionen angelegt sind, die Bruno in seinen philosophischen Schriften ausführt, ist bislang zu wenig beachtet worden: Themen wie die Dialektik von Sein und Schein, das Wirken der Fortuna in einem zyklischen Weltbild und Kommentare zur gleichzeitig in den lateinischen Schriften des Autors entwickelten Gedächtniskunst sind in die Handlung eingebettet. So betrachtet erschließt sich das Stück als literarisches Experiment, in welchem Bruno versucht, das neue Denken in neuem Gewand auf der Bühne zu präsentieren. 
Zahlreiche intertextuelle Verweise auf Klassiker der italienischen und der antiken Literatur machen den Candelaio nicht nur für die Literatur- und Theaterwissenschaft, sondern auch für die Kulturwissenschaft zu einem beachtenswerten Quellentext. Der Text dieser Ausgabe folgt Bd. 1 der Ausgabe 'Giordano Bruno Werke', herausgegeben von Thomas Leinkauf.

Italienisch-Deutsch

Der Kerzenzieher

C.H.BECK Wissen

Mit dem Aufstieg Roms zum Zentrum eines riesigen Imperiums nahm auch die römische Kunst ihre spezifischen Züge an. Paul Zankers meisterhafte Darstellung zeigt, welche Rolle dabei die Aneignung der griechischen Kultur spielte und wie sich die Bildwelten des öffentlichen und des privaten Raumes in Republik und Kaiserzeit entwickelten. Dabei bringt er die Bilder mit ihren Botschaften, die sie in ihrem jeweiligen historischen Kontext vermittelten, für uns zum Sprechen.

Mit dem Aufstieg Roms zum Zentrum eines riesigen Imperiums nahm auch die römische Kunst ihre spezifischen Züge an. Paul Zankers meisterhafte Darstellung zeigt, welche Rolle dabei die Aneignung der griechischen Kultur spielte und wie sich die Bildwelten des öffentlichen und des privaten Raumes in Republik und Kaiserzeit entwickelten. Dabei bringt er die Bilder mit ihren Botschaften, die sie in ihrem jeweiligen historischen Kontext vermittelten, für uns zum Sprechen.

Die römische Kunst

Malbuch ab 3 Jahren

Ich kann schon malen!Stift in die Hand – und los geht’s! Mit diesem Malbuch können schon die Kleinsten erste Erfahrungen im Ausmalen sammeln. Bei den vielen großen Ausmalmotiven rund um den Bauernhof sind der Fantasie keine Grenzen gesetzt!<ul><li>Einfache Motive:
 Ob Hühnerstall, Traktor oder Kuhweide – die Motive sind kindgerecht illustriert&nbsp;
 </li><li>Ideales Geschenk:
 Zu Weihnachten, zum Geburtstag oder als Mitbringsel zwischendurch – das Malbuch lässt Kinderaugen leuchten
 </li><li>Ab 3 Jahren: 
 Die doppelseitigen Szenen sind nicht zu detailreich und lassen sich auch schon von den Kleinen leicht ausmalen
 </li><li>Kunterbuntes Malvergnügen:
 Geeignet für Wachsmalstifte, Buntstifte und Filzstifte
 </li></ul>Mach es bunt!Eine tolle Beschäftigung für kleine Künstlerinnen und Künstler ab etwa 3 Jahren.&nbsp;

Malbuch Bauernhof

Der russische Avantgarde-Künstler El Lissitzky (1890-1941) unterhielt seit 1919 Kontakte zur Schweizer Kunstszene und ihren ihm gleichgesinnten Protagonist:innen. Von März 1924 bis Mai 1925 hielt er sich für einige Monate in einem Sanatorium im Tessin auf, um seine Lungentuberkulose zu behandeln. Trotz der Krankheit schuf er während dieser Zeit Schlüsselwerke seines Œuvres, genreübergreifend in den Bereichen Architektur, Grafik und Typografie und freier Kunst. Zusammen mit Hans Arp verfasste er das Buch Die Kunstismen, das 1925 im Zürcher Eugen Rentsch Verlag erschien und zu einem Meilenstein der Weiterentwicklung und Etablierung der neuen Typografie und Grafik in der Schweiz wurde. Zudem schrieb er für die Schweizer Architekturzeitschrift ABC, 
 Beiträge zum Bauen
 .
 
 100 Jahre später wirft dieses Buch einen neuen Blick auf El Lissitzky aus der Perspektive seines damaligen Gastlandes, thematisch gegliedert in Architektur, Typografie und Grafikdesign, Lissitzky als Künstler und Theoretiker sowie seinen Bezug zur Schweiz. Die Abbildungen fuhren erstmals alle wichtigen Werke des grossen Avantgardisten in den Sammlungen von Schweizer Museen zusammen. Ausserdem präsentiert der Band Teile eines bislang noch nie publizierten Portfolios, das im Genfer Musee d'art et d'histoire aufbewahrt wird.

Der russische Avantgarde-Künstler El Lissitzky (1890–1941) unterhielt seit 1919 Kontakte zur Schweizer Kunstszene und ihren ihm gleichgesinnten Protagonist:innen. Von März 1924 bis Mai 1925 hielt er sich für einige Monate in einem Sanatorium im Tessin auf, um seine Lungentuberkulose zu behandeln. Trotz der Krankheit schuf er während dieser Zeit Schlüsselwerke seines Œuvres, genreübergreifend in den Bereichen Architektur, Grafik und Typografie und freier Kunst. Zusammen mit Hans Arp verfasste er das Buch Die Kunstismen, das 1925 im Zürcher Eugen Rentsch Verlag erschien und zu einem Meilenstein der Weiterentwicklung und Etablierung der neuen Typografie und Grafik in der Schweiz wurde. Zudem schrieb er für die Schweizer Architekturzeitschrift ABC, 
 Beiträge zum Bauen
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 100 Jahre später wirft dieses Buch einen neuen Blick auf El Lissitzky aus der Perspektive seines damaligen Gastlandes, thematisch gegliedert in Architektur, Typografie und Grafikdesign, Lissitzky als Künstler und Theoretiker sowie seinen Bezug zur Schweiz. Die Abbildungen fuhren erstmals alle wichtigen Werke des grossen Avantgardisten in den Sammlungen von Schweizer Museen zusammen. Ausserdem präsentiert der Band Teile eines bislang noch nie publizierten Portfolios, das im Genfer Musee d’art et d’histoire aufbewahrt wird.

El Lissitzky und die Schweiz

Kälte, das meint niedrige Außentemperaturen ebenso wie Emotionslosigkeit, mangelnde Empathie und fehlende Solidarität. In diesem Kontext kann Kälte zum künstlerischen Mittel werden, um gesellschaftliche Zustände darzustellen und zu kritisieren. Wärme ist ein menschliches Grundbedürfnis, Voraussetzung für Wohlbefinden und Gesundheit. Ihre Abwesenheit hat gravierende Folgen: Fehlender sozialer Zusammenhalt, zunehmende Entfremdung, Gleichgültigkeit, Einsamkeit, Gewalt. Cold as Ice präsentiert künstlerische Bilder eines sich immer weiter abkühlenden gesellschaftlichen Klimas, führt Arbeiten zusammen, die (politisch) frostige Zeiten thematisieren, aber auch Widerstand und das Gegenbild von Veränderung und Solidarität beschwören. 

Text: Ingo Clauß, Janneke de Vries. Interviews mit Bunny Rogers und Kirsten Justesen.

Ausst. Kat. Weserburg, Museum für Moderne Kunst

Cold as Ice. Kälte in Kunst und Gesellschaft / Coldness in Art and Society

Im einzigartigen Oeuvre Niki de Saint Phalles spielen spektakuläre, groß dimensionierte Environments eine herausragende Rolle. Ihre Schießbilder, die begehbaren Nanas, der Strawinsky-Brunnen in Paris oder ihr Tarot-Garten in der Toskana sind virtuose Beispiele dafür. Ein vergleichbar imposantes Ensemble, und ihr letztes vollendetes Großprojekt, wurde zu ihrem künstlerischen Vermächtnis: Eine nach ihren Plänen neu gestaltete Grotte in den Herrenhäuser Gärten in Hannover, die im April 2003 der Öffentlichkeit zugänglich gemacht wurde. Im Jahr 1676 als Teil der barocken Gartenanlage erbaut, dienten die drei mit Muscheln, Kristallen, Glas und Mineralien geschmückte Grottenräume ursprünglich als sommerliche Rückzugsmöglichkeit und Ort der Verzauberung. Zur EXPO 2000 wurden sie restauriert und in der Folge von Niki de Saint Phalle prachtvoll neu gestaltet. Durch Kiesel, Mosaike aus farbigem Glas und Spiegeln sowie Figuren aus bemaltem Fiberglas. Die überarbeitete Neuausgabe der Monografie von 2003 beschreibt die Entstehungs- und Restaurierungsgeschichte und verdeutlicht die kunsthistorische Bedeutung der Grotte aus heutiger Sicht.&nbsp;Niki de Saint Phalle (1930-2002) gilt als eine der wichtigsten europäischen Künstlerinnen der Nachkriegszeit. Ihr facettenreiches Werk verband gesellschaftskritische und feministische Ansätze mit einer radikal neuen, teils ikonoklastischen Formensprache und einem experimentellen Umgang mit dem Material. Ab den 1950ern wurde sie durch ihre "Schießbilder", in den 1960er Jahren durch ihre großformatigen "Nanas" bekannt. Mit expressiven, auffälligen und dabei oft fragilen Assemblagen und Installationen trug sie zum veränderten, aktivistischen Kunstbegriff der Nachkriegszeit bei.

Im einzigartigen Oeuvre Niki de Saint Phalles spielen spektakuläre, groß dimensionierte Environments eine herausragende Rolle. Ihre Schießbilder, die begehbaren Nanas, der Strawinsky-Brunnen in Paris oder ihr Tarot-Garten in der Toskana sind virtuose Beispiele dafür. Ein vergleichbar imposantes Ensemble, und ihr letztes vollendetes Großprojekt, wurde zu ihrem künstlerischen Vermächtnis: Eine nach ihren Plänen neu gestaltete Grotte in den Herrenhäuser Gärten in Hannover, die im April 2003 der Öffentlichkeit zugänglich gemacht wurde. Im Jahr 1676 als Teil der barocken Gartenanlage erbaut, dienten die drei mit Muscheln, Kristallen, Glas und Mineralien geschmückte Grottenräume ursprünglich als sommerliche Rückzugsmöglichkeit und Ort der Verzauberung. Zur EXPO 2000 wurden sie restauriert und in der Folge von Niki de Saint Phalle prachtvoll neu gestaltet. Durch Kiesel, Mosaike aus farbigem Glas und Spiegeln sowie Figuren aus bemaltem Fiberglas. Die überarbeitete Neuausgabe der Monografie von 2003 beschreibt die Entstehungs- und Restaurierungsgeschichte und verdeutlicht die kunsthistorische Bedeutung der Grotte aus heutiger Sicht.&nbsp;Niki de Saint Phalle (1930-2002) gilt als eine der wichtigsten europäischen Künstlerinnen der Nachkriegszeit. Ihr facettenreiches Werk verband gesellschaftskritische und feministische Ansätze mit einer radikal neuen, teils ikonoklastischen Formensprache und einem experimentellen Umgang mit dem Material. Ab den 1950ern wurde sie durch ihre „Schießbilder“, in den 1960er Jahren durch ihre großformatigen „Nanas“ bekannt. Mit expressiven, auffälligen und dabei oft fragilen Assemblagen und Installationen trug sie zum veränderten, aktivistischen Kunstbegriff der Nachkriegszeit bei.

Niki de Saint Phalle. Die Grotte

El Lissitzky (1890-1941), one of the most eminent figures of Soviet avant-garde art, had been in contact with the Swiss art scene and its like-minded protagonists since 1919. In 1924-25, he spent several months at a sanatorium in the Swiss canton of Ticino to treat his pulmonary tuberculosis. Despite the illness, he created key works in his oeuvre during this time, spanning the fields of architecture, graphic design and typography, and fine art. Together with Jean Arp, he wrote the book 
 Die Kunstismen
 ("The Artisms"), which was published by a Swiss publishing house in 1925 and became a milestone in the evolution of New Typography and graphic art in Switzerland. He also contributed to the Swiss architecture magazine 
 ABC, Beiträge zum Bauen.
 A century later, this book takes a fresh look at El Lissitzky from the perspective of his host country at the time, arranged in thematic chapters about architecture, typography, and graphic design, Lissitzky as an artist and theorist, and his relationship to Switzerland. The illustrations bring together for the first time all the important works by the great avant-gardist in the collections of Swiss museums, including parts of a previously unpublished portfolio held at the Musee d'art et d'histoire in Geneva.

El Lissitzky and Switzerland

»Ein Meme von @sveamaus ist&nbsp;wie ein Sturz in den Abgrund der&nbsp;Kleinbürgerlichkeit, ein Buch von&nbsp;Svea Mausolf eine Achterbahnfahrt&nbsp;durch die Hölle. Brillant und&nbsp;zauberhaft.« Stefanie SargnagelGarantiert kein Safe Space: Der Debütroman der Queen of Meme&nbsp; Weil Peggy Brinkmann, 37, ihr Studium weder erfolgreich beenden noch erfolglos abbrechen kann, haben ihr die Eltern den Geldhahn zugedreht. Seitdem muss sie sich Küche und Bad mit Martin teilen, der sich wahlweise mit seinem Schwanz oder dem Lackieren seiner Fingernägel beschäftigt – und trotzdem nicht schwul ist. Als sich auch noch ihre Langzeitfreundin trennt, landet Peggy in den Armen von Veronique, die in einer schmutzigen Eckkneipe namens Image kellnert. Der Beginn einer rasanten Kette an Ereignissen, die ihren Höhepunkt auf der Verlobungsfeier von Peggys Schwester und Christfluencerin Jenny erreicht.Image ist eine düstere, bitterböse Satire auf eine verrohte Gesellschaft, in der moralische Grenzen längst überschritten sind. Die Spannungshandlung des Romans oszilliert zwischen schwarzem Humor, grotesker Überzeichnung und brutaler Realität. Am Ende bleibt die Frage offen: Wer ist hier eigentlich das wahre Monster? Svea Mausolf schaut in die dunklen Ecken der Gesellschaft, dabei leuchtet sie Abgründe aus und widmet sich hingebungsvoll dem Ekel und all den unsympathischen Eigenheiten der Menschen im Spätkapitalismus, die wir nur allzu gerne verdrängen.
 &nbsp;
 »Meiner Meinung nach die beste Herstellerin von lustigem Content der Gegenwart« Jan Böhmermann&nbsp;Bei Fragen zur Produktsicherheit, wenden Sie sich bitte an: info@gutkind-verlag.de

Roman | Der Debütroman von Meme-Queen "Sveamaus"

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Sketch / Jedes Bild von dir

Fällt ausgerechnet im Paradies ein Schatten auf ihre Liebe? Für seinen ersten großen Modeljob reist Yi-Kyung mit Joo-Bin in eine Traumlocation. Sonne, Palmen und Urlaubsflair sorgen für traumhafte Fotos. Doch dann erfährt Yi-Kyung, dass Joo-Bins Ex ein bekanntes Model ist. Hat die gemeinsame Arbeit damals ihre Beziehung zerstört? Und droht Yi-Kyung nun dasselbe Schicksal?

Fällt ausgerechnet im Paradies ein Schatten auf ihre Liebe? Für seinen ersten großen Modeljob reist Yi-Kyung mit Joo-Bin in eine Traumlocation. Sonne, Palmen und Urlaubsflair sorgen für traumhafte Fotos. Doch dann erfährt Yi-Kyung, dass Joo-Bins Ex ein bekanntes Model ist. Hat die gemeinsame Arbeit damals ihre Beziehung zerstört? Und droht Yi-Kyung nun dasselbe Schicksal?

Sketch - Jedes Bild von dir 04

Unbedingt ansehen – Höhenflüge der Elfenbeinkunst aus über zwei Jahrhunderten. Von eleganten Tabakdosen, edlen Schmuckstücken bis hin zu ausdrucksstarken Schnitzereien des Art déco und des Expressionismus – die Vielfalt der Gestaltung des kostbaren Materials bezaubert und erzählt eine spannende Geschichte. Der reich bebilderte Band rückt herausragende Werke vom Ende des 18. Jahrhunderts bis in die Moderne in den Fokus, darunter bedeutende Arbeiten von Otto Glenz Ferdinand Preiss, Karl Schmidt-Rottluff und Jan Holschuh. Die meisterhaft gefertigten Schnitzereien aus dem kostbaren, kontrovers diskutierten Material faszinieren bis heute. Filigraner Schmuck, elegante Frauenstatuetten sowie abstrakte Skulpturen zeugen von einer über 200 Jahre währenden Tradition der Elfenbeinschnitzkunst im Odenwald, die mit Graf Franz I. zu Erbach-Erbach begann.

Unbedingt ansehen – Höhenflüge der Elfenbeinkunst aus über zwei Jahrhunderten. Von eleganten Tabakdosen, edlen Schmuckstücken bis hin zu ausdrucksstarken Schnitzereien des Art déco und des Expressionismus – die Vielfalt der Gestaltung des kostbaren Materials bezaubert und erzählt eine spannende Geschichte.
 
 Der reich bebilderte Band rückt herausragende Werke vom Ende des 18. Jahrhunderts bis in die Moderne in den Fokus, darunter bedeutende Arbeiten von Otto Glenz Ferdinand Preiss, Karl Schmidt-Rottluff und Jan Holschuh. Die meisterhaft gefertigten Schnitzereien aus dem kostbaren, kontrovers diskutierten Material faszinieren bis heute. Filigraner Schmuck, elegante Frauenstatuetten sowie abstrakte Skulpturen zeugen von einer über 200 Jahre währenden Tradition der Elfenbeinschnitzkunst im Odenwald, die mit Graf Franz I. zu Erbach-Erbach begann.

Glanzstücke. Deutsches Elfenbeinmuseum Schloss Erbach

Einige von Cevdet Ereks ortsspezifischen Installationen und Klangumgebungen, die sich an der Schnittstelle von Sound, Skulptur und Architektur bewegen, drehen sich um die Idee der "Klangornamentik". Hier ist Klang nicht Hintergrund, sondern Architektur selbst - etwas Gebautes, Bewohntes und durch sich bewegende Körper Erfahrbares. Die Publikation bietet einen Überblick über Ereks Klangornamentik-Projekte der letzten fünfzehn Jahre. Die künstlerische Intervention besteht aus einem Poster, das Ereks Entwurf für die Klangornamentik an der Fassade der Secession zeigt.

Text: Cevdet Erek, Ramona Heinlein, Gabriele Knapstein, Luigia Lonardelli, Eva Scharrer, Sandeep Sodhi

Ausst. Kat. Secession, Wien

Cevdet Erek. Sound Ornamentation 2010–2025

Albrecht Dürer und sein Kreis

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