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Roman Gysin

Cahiers d’Artistes 2021

It's been thirty years since Laurence Anholt began his beloved series about great artists and the real children who knew them. Since then, these classic tales of Vincent van Gogh, Frida Kahlo, Pablo Picasso, Leonardo da Vinci, and many other geniuses of Western art have provided a springboard into a lifetime's love of art, selling millions of copies around the world. The stories have been adapted in many forms including ballet, opera, Braille editions for blind and partially sighted children, and a full-scale stage musical in Korea. 
 
 
 Alongside Anholt's dazzling watercolor illustrations, this anniversary edition includes dozens of high-quality reproductions of the artists' work, child-friendly biographies of the artists, and interactive questions for young readers. Each story is closely based on historical events and extensive research. In many cases, Anholt visited the artists' homes and studios, walking in their footsteps and interviewing their relatives. He was granted private access to Monet's house in Giverny and became close friends with Sylvette David (now Lydia Corbett), Picasso's famous Girl with a Ponytail.
 
 
 In order to make the artists and their worlds accessible to young readers, Anholt employs a unique device in which the events are seen through the eyes of a child protagonist who actually knew the artist. In this way, readers are able to "piggyback" through the story, and artists who might otherwise be inaccessible become humanized. On a subconscious level, the reader absorbs many inspirational themes such as kindness, self-esteem, perseverance, creativity, and courage.
 
 
 Perhaps it is Anholt's gentle storytelling or his handcrafted illustrations. Perhaps it is his love for children and passion for his subject. One way or another, a whole generation of readers have found a lifelong love of art through his stories. And now they are passing that precious gift to their own children. The gift of art is golden.

Vor dreißig Jahren begann Laurence Anholt seine beliebte Kinderbuchreihe über große Künstler und Kinder, die sie wirklich kannten. Seither haben sich die Geschichten über Vincent van Gogh, Frida Kahlo, Pablo Picasso, Leonardo da Vinci und viele andere Genies der westlichen Kunst weltweit millionenfach verkauft und waren für viele der Beginn einer lebenslangen Liebe zur Kunst. Die Geschichten wurden in vielen Formen adaptiert, darunter Braille-Ausgaben für blinde und sehbehinderte Kinder, Ballettaufführungen, Operninszenierungen sowie ein Bühnenmusical in Korea.
 
 Diese Jubiläumsausgabe enthält neben Anholts farbenfrohen Aquarellillustrationen Dutzende hochwertige Reproduktionen der Künstlergemälde, kindgerechte Künstlerbiografien und interaktive Fragen an die jungen Leser. Jede Geschichte ist eng an die historischen Ereignisse angelehnt und basiert auf umfangreichen Recherchen. In vielen Fällen besuchte Anholt die Häuser und Ateliers der Künstler, wandelte auf ihren Spuren und befragte ihre Verwandten. Er bekam privaten Zugang zu Monets Haus in Giverny und schloss enge Freundschaft mit Sylvette David (heute Lydia Corbett), Picassos berühmtem Mädchen mit dem Pferdeschwanz.
 
 Um die Künstler und ihre Welten einem jungen Publikum zugänglich zu machen, verwendet Anholt eine Erzählperspektive, bei der die Ereignisse durch die Augen eines Kindes betrachtet werden, das den Künstler tatsächlich kannte. Auf diese Weise werden die Leser „huckepack“ durch die Geschichte geführt und die Künstler, die sonst vielleicht unnahbar erscheinen, zu alltäglichen Menschen. Nebenbei werden wichtige Themen und Werte wie Freundlichkeit, Selbstwertgefühl, Ausdauer, Kreativität und Mut vermittelt.
 
 Vielleicht liegt es an Anholts einfühlsamer Erzählweise oder seinen handgefertigten Illustrationen. Vielleicht ist es auch seine Liebe zu Kindern und die Leidenschaft für sein Thema. Was auch immer der Grund sein mag: Eine ganze Generation von Lesern hat durch seine Geschichten eine lebenslange Liebe zur Kunst gefunden – und gibt nun dieses wertvolle Geschenk an ihre eigenen Kinder weiter.
 
 Die folgenden Künstlerinnen und Künstler und ihre Geschichten werden in diesem Band erzählt: Van Gogh und die Sonnenblumen, Frida Kahlo und das mutigste Mädchen der Welt, Cézanne und der Apfeljunge, Picasso und das Mädchen mit dem Pferdeschwanz, Claude Monet und der magische Garten, Opa Chagall erzählt Geschichten, Degas und die kleine Tänzerin, Leonardo und der fliegende Junge.

Petites histoires de grands artistes

What are the conceptual correspondences and gaps between theories of nature, ecology, environment, and aesthetics? This volume addresses the ecological and aesthetic dimensions of human interaction with geographical, geological, botanical, zoological, astronomical, and climatic formations. Other than literary ecocriticism which led to heated debates, this book deals with the ecological turn in visual studies, a territory of research still in its infancy. Art history is thus engaging in the crucial exchange between ecological and aesthetic studies. The contributions adopt a historical as well as a transcultural perspective reaching from the earliest known human interaction with the natural environment to the present day.

What are the conceptual correspondences and gaps between theories of nature, ecology, environment, and aesthetics? This volume addresses the ecological and aesthetic dimensions of human interaction with geographical, geological, botanical, zoological, astronomical, and climatic formations. Other than literary ecocriticism which led to heated debates, this book deals with the ecological turn in visual studies, a territory of research still in its infancy. Art history is thus engaging in the crucial exchange between ecological and aesthetic studies. The contributions adopt a historical as well as a transcultural perspective reaching from the earliest known human interaction with the natural environment to the present day.

Ecologies, Aesthetics, and Histories of Art

Vor dreißig Jahren begann Laurence Anholt seine beliebte Kinderbuchreihe über große Künstler und Kinder, die sie wirklich kannten. Seither haben sich die Geschichten über Vincent van Gogh, Frida Kahlo, Pablo Picasso, Leonardo da Vinci und viele andere Genies der westlichen Kunst weltweit millionenfach verkauft und waren für viele der Beginn einer lebenslangen Liebe zur Kunst. Die Geschichten wurden in vielen Formen adaptiert, darunter Braille-Ausgaben für blinde und sehbehinderte Kinder, Ballettaufführungen, Operninszenierungen sowie ein Bühnenmusical in Korea.
 
 
 Diese Jubiläumsausgabe enthält neben Anholts farbenfrohen Aquarellillustrationen Dutzende hochwertige Reproduktionen der Künstlergemälde, kindgerechte Künstlerbiografien und interaktive Fragen an die jungen Leser. Jede Geschichte ist eng an die historischen Ereignisse angelehnt und basiert auf umfangreichen Recherchen. In vielen Fällen besuchte Anholt die Häuser und Ateliers der Künstler, wandelte auf ihren Spuren und befragte ihre Verwandten. Er bekam privaten Zugang zu Monets Haus in Giverny und schloss enge Freundschaft mit Sylvette David (heute Lydia Corbett), Picassos berühmtem Mädchen mit dem Pferdeschwanz.
 
 
 Um die Künstler und ihre Welten einem jungen Publikum zugänglich zu machen, verwendet Anholt eine Erzählperspektive, bei der die Ereignisse durch die Augen eines Kindes betrachtet werden, das den Künstler tatsächlich kannte. Auf diese Weise werden die Leser "huckepack" durch die Geschichte geführt und die Künstler, die sonst vielleicht unnahbar erscheinen, zu alltäglichen Menschen. Nebenbei werden wichtige Themen und Werte wie Freundlichkeit, Selbstwertgefühl, Ausdauer, Kreativität und Mut vermittelt.
 
 
 Vielleicht liegt es an Anholts einfühlsamer Erzählweise oder seinen handgefertigten Illustrationen. Vielleicht ist es auch seine Liebe zu Kindern und die Leidenschaft für sein Thema. Was auch immer der Grund sein mag: Eine ganze Generation von Lesern hat durch seine Geschichten eine lebenslange Liebe zur Kunst gefunden - und gibt nun dieses wertvolle Geschenk an ihre eigenen Kinder weiter.
 
 Die folgenden Künstlerinnen und Künstler und ihre Geschichten werden in diesem Band erzählt: Van Gogh und die Sonnenblumen, Frida Kahlo und das mutigste Mädchen der Welt, Cézanne und der Apfeljunge, Picasso und das Mädchen mit dem Pferdeschwanz, Claude Monet und der magische Garten, Opa Chagall erzählt Geschichten, Degas und die kleine Tänzerin, Leonardo und der fliegende Junge.

Pequeñas historias de grandes artistas

Edition Angewandte

Kunst als experimentelle und reflexive kommunikative Praxis 
 
 
 
 Die Publikation präsentiert und dokumentiert 16 Jahre künstlerische Lehre und Forschung an der Abteilung Kunst und kommunikative Praxis der Universität für angewandte Kunst Wien. Sie veranschaulicht den spezifischen Ansatz einer künstlerischen Lehre in unterschiedlichen medialen Feldern, aufbauend auf der künstlerischen Praxis einzelner Lehrender. 
 
 Anhand von Best-Practice-Beispielen und vielfältigen innovativen Projekten wird sichtbar, welche Handlungs- und Reflexionsräume die einzelnen künstlerischen Zugänge in ihrem Zusammenspiel eröffnen. Die Beiträge loten aus, welche spezifischen Potenziale ein Lehren "von Kunst aus" für Bildungsprozesse, Selbsterfahrung, Welterfahrung, kritische Reflexions- und Handlungsfähigkeit sowie die Produktion von Wissen eröffnet. 
 
 
 
 <ul>
 
 <li>Ungewöhnliche Einblicke in die Vielfalt und das Zusammenwirken künstlerischer Praxisformen </li>
 
 <li>Aktuelle Beispiele zur gesellschaftlichen Relevanz künstlerischer Forschung </li>
 
 <li>
 Aufwendig gestaltetes Buchobjekt; erscheint gemeinsam mit der Publikation 
 Geografien des Textilen. Lehren als künstlerische Praxis
 
 </li>
 </ul>

Art as a communicative practice This publication presents and documents 16 years of artistic teaching and research at the Department of Art and Communicative Practice at the University of Applied Arts Vienna. It illustrates the specific approach to artistic teaching in different media fields, building on the artistic practice of individual teachers. Drawing on best-practice examples and a variety of innovative projects, it becomes clear which spaces for action and reflection each individual artistic approach opens up in interaction. These essays explore the specific potential that teaching “from art” opens up for educational processes, self-awareness, world experience, critical reflection and ability to act, and the production of knowledge. Look inside<ul><li>Unusual insights into the diversity and interaction of different forms of artistic practice </li><li>Contemporary examples of the social relevance of artistic research </li><li>Elaborately designed volume; appears together with the publication Geografien des Textilen. Lehren als künstlerische Praxis</li></ul>

Lehren als künstlerische Praxis

Heterotopien des Künstlerischen

Contact Zones

Italian Old Master Exhibitions and Fascist Cultural Diplomacy 1930-1940

Ambassadors of Beauty

Mark Rothko (1903 - 1970) ist einer der beliebtesten Künstler des 20. Jahrhunderts, vor allem bekannt als Hauptvertreter des Abstrakten Expressionismus. Die faszinierende Rätselhaftigkeit seiner Bilder wurde dadurch befördert, dass der Künstler selbst zu Lebzeiten nur selten öffentlich Stellung zu seinem Werk bezog. 
 So war es eine kleine Sensation, als viele Jahre nach Rothkos Tod ein bislang unbekanntes Manuskript entdeckt wurde. Bei dem außergewöhnlichen Schriftstück mit dem Originaltitel «The Artist's Reality», das wohl um 1940/41 entstand, handelt es sich um Rothkos Kunstphilosophie. Der Text spiegelt die Auseinandersetzung des Malers mit zentralen Themen der Kunst und bietet einen interessanten Einblick in die Weltsicht des bildenden Künstlers. Reproduktionen der Originalseiten sowie eine Auswahl wichtiger Werke aus der Entstehungszeit des Manuskripts illustrieren den Band.

Eine kleine Sensation - Rothkos unbekanntes Manuskript Mark Rothko (1903 - 1970) ist einer der beliebtesten Künstler des 20. Jahrhunderts, vor allem bekannt als Hauptvertreter des Abstrakten Expressionismus. Die faszinierende Rätselhaftigkeit seiner Bilder wurde dadurch befördert, dass der Künstler selbst zu Lebzeiten nur selten öffentlich Stellung zu seinem Werk bezog. So war es eine kleine Sensation, als viele Jahre nach Rothkos Tod ein bislang unbekanntes Manuskript entdeckt wurde. Bei dem außergewöhnlichen Schriftstück mit dem Originaltitel «The Artist’s Reality», das wohl um 1940/41 entstand, handelt es sich um Rothkos Kunstphilosophie. Der Text spiegelt die Auseinandersetzung des Malers mit zentralen Themen der Kunst und bietet einen interessanten Einblick in die Weltsicht des bildenden Künstlers. Reproduktionen der Originalseiten sowie eine Auswahl wichtiger Werke aus der Entstehungszeit des Manuskripts illustrieren den Band.

Texte zur Malerei

Die Wirklichkeit des Künstlers

Josef Albers gilt nicht nur als einer der profiliertesten Künstler des 20. Jahrhunderts, der als Lehrer und Meister am Bauhaus und später am Black Mountain College maßgeblich die Arbeit und den Stil der berühmten Kunstschulen prägte. Er zählte zugleich auch zu den versiertesten Denkern seines Fachs und machte sich als Kunsttheoretiker einen Namen. Im Jahr 1965 führte ihn seine letzte große Vortragsreihe an das Trinity College in Hartford, Connecticut. Seine Vorlesungen bringen all seine Lebens- und Schaffenserfahrung zusammen. Zugleich stellen sie die Quintessenz seiner jahrzehntelangen Auseinandersetzung mit dem Sehen als künstlerischem Wahrnehmungsprozess dar. Der darin anklingende, ganz eigene Idealismus hat bis auf den heutigen Tag nichts an Aktualität und Faszination verloren. Höchste Zeit, den Text auch in deutscher Übersetzung zugänglich zu machen. So lässt sich die schöpferische Kraft und das Denken dieses Ausnahmekünstlers hautnah nachempfinden.JOSEF ALBERS (1888-1976) lernte und lehrte am Bauhaus in Weimar und Dessau. Unter Ludwig Mies van der Rohe war er auch stellvertretender Leiter der Kunstschule in Berlin. Nach der Emigration in die USA lehrte er am Black Mountain College und an der Yale University.

Josef Albers gilt nicht nur als einer der profiliertesten Künstler des 20. Jahrhunderts, der als Lehrer und Meister am Bauhaus und später am Black Mountain College maßgeblich die Arbeit und den Stil der berühmten Kunstschulen prägte. Er zählte zugleich auch zu den versiertesten Denkern seines Fachs und machte sich als Kunsttheoretiker einen Namen. Im Jahr 1965 führte ihn seine letzte große Vortragsreihe an das Trinity College in Hartford, Connecticut. Seine Vorlesungen bringen all seine Lebens- und Schaffenserfahrung zusammen. Zugleich stellen sie die Quintessenz seiner jahrzehntelangen Auseinandersetzung mit dem Sehen als künstlerischem Wahrnehmungsprozess dar. Der darin anklingende, ganz eigene Idealismus hat bis auf den heutigen Tag nichts an Aktualität und Faszination verloren. Höchste Zeit, den Text auch in deutscher Übersetzung zugänglich zu machen. So lässt sich die schöpferische Kraft und das Denken dieses Ausnahmekünstlers hautnah nachempfinden.JOSEF ALBERS (1888–1976) lernte und lehrte am Bauhaus in Weimar und Dessau. Unter Ludwig Mies van der Rohe war er auch stellvertretender Leiter der Kunstschule in Berlin. Nach der Emigration in die USA lehrte er am Black Mountain College und an der Yale University.

Suchen und Finden / Search Versus Re-Search

Josef Albers

Materialität und Produktion

Armoured soldiers, sexualized machine men, mechanized athletes: Between 1914 and 1926, artists of the German and French avant-garde used the mechanical body as a motif to illustrate the crises of their time and to question man’s place in society. This volume analyses how the motif was staged – as a masculine utopia offering a saviour, a New Man – applying examples from key modernist works by Otto Dix, Hannah Höch, Rudolf Schlichter, George Grosz, Willi Baumeister, Fernand Léger, Francis Picabia, Marcel Duchamp and Robert Delaunay, among others. Its transcultural approach, its focus on socio-cultural upheaval, and the inclusion of studies on masculinity enable this publication to provide a fresh perspective on the Machine Man and the New Man as figures in modernity. Entre 1914 et 1926, les artistes de l’avant-garde allemande et française ont utilisé le motif du corps mécanique pour illustrer les crises de la modernité, qui remettaient en question la place de l’homme dans la société. À partir des œuvres d’Otto Dix, Hannah Höch, Rudolf Schlichter, George Grosz, Willi Baumeister, Fernand Léger, Francis Picabia, Marcel Duchamp et Robert Delaunay, l’ouvrage analyse les liens entre ce motif et l’utopie masculiniste salvatrice de l’Homme nouveau. Par son approche transculturelle, axée sur les bouleversements socioculturels et les études sur la masculinité, cette publication offre un regard nouveau sur les figures de l’homme-machine et de l’homme nouveau à l’époque moderne.Soldat blindé, machine sexuelle, athlète aux traits mécanisés, le corps machinique est un motif aux problématiques multiples dans l’art de l’avant-garde. Les représentants de l’art moderne ont choisi ce motif pour mettre en évidence les tensions entre les genres au début du XXe siècle. Ces tensions nourrissent les utopies masculinistes, notamment l’utopie de la figure rédemptrice : Homme nouveau.

Regards sur la masculinité dans les œuvres des artistes français et allemands de l’avant-garde

L’homme-machine – L’utopie d’un Homme nouveau ?

Art of the United States ist eine wegweisende Anthologie, die drei Jahrhunderte amerikanischer Kunst anhand einer breiten Auswahl historischer Texte vorstellt, darunter u. a. Schriften von Künstler/-innen, Kritiker/-innen, Mäzen/-innen und Literat/-innen. Durch die Zusammenstellung der Texte mit hochwertigen Reproduktionen von Kunstwerken bietet das Buch eine unverzichtbare Grundlage für das Verständnis der bildenden Kunst der Vereinigten Staaten. Erläuternde Einleitungen, kontextbezogene Essays und Karten begleiten die Quellen ebenso wie kurze Texte zu einzelnen epochentypischen Kunstwerken. Die Texte einer Reihe von bekannteren Künstler/-innen und kulturellen Persönlichkeiten - darunter John Adams, Thomas Cole, Frederick Douglass, Mary Cassatt, Edward Hopper, Clement Greenberg und Cindy Sherman - werden ergänzt durch Quellen von bisher weniger bekannten Autor/-innen.

Kunst der Vereinigten Staaten 1750–2000 is a landmark volume that presents three centuries of US art through a broad array of historical texts, including writings by artists, critics, patrons, literary figures, and other commentators. Combining a wide-ranging selection of texts with high-quality reproductions of artworks, it offers a resource for the study and understanding of the visual arts of the United States. With contextual essays, explanatory headnotes, maps, and full-color illustrations of key artworks, the volume will appeal to national and international audiences ranging from undergraduates and museum visitors to art historians and other scholars. Texts by a range of artists and cultural figures—including John Adams, Thomas Cole, Frederick Douglass, Mary Cassatt, Edward Hopper, Clement Greenberg, and Cindy Sherman—are grouped according to historical era alongside additional featured artists. Look inside

Eine kommentierte Quellenanthologie

Kunst der Vereinigten Staaten 1750–2000

Kampa Salon / Gespräche

Kaum ein Schriftsteller des 20. Jahrhunderts hat in den letzten Jahren eine ähnliche Renaissance erfahren wie James Baldwin. Was zum einen mit der einzigartigen Schönheit seiner Prosa zu tun hat - aber auch damit, dass die Themen, die ihn bereits vor sechzig Jahren umtrieben, noch heute drängend sind. 1924 in ärmlichen Verhältnissen in New York geboren, bekam Baldwin früh zu spüren, dass nicht alle Menschen gleich sind. Auch aus Hass gegen die weißen Unterdrücker wandte er sich dem Glauben zu. Bald jedoch ging ihm auf, dass er einen Irrweg eingeschlagen hatte - auch durch seine Lektüren. Baldwin wollte Schriftsteller werden, doch im rassistischen New York der vierziger Jahre, würde er nicht reüssieren. Er zog nach Frankreich, ließ sein Geburtsland jedoch nie aus dem Blick:In den sechziger Jahren engagierte er sich in der Bürgerrechtsbewegung, zeit seines Lebens setzte er sich für die Rechte von Schwarzen, von Homosexuellen ein - und schrieb flammende, hellsichtige Essays und einige der schönsten Romane des 20. Jahrhunderts.Die in diesem Band versammelten Gespräche machen auf schmerzliche Weise deutlich, wie wichtig Baldwins Stimme noch heute im politischen Diskurs ist, aber es geht auch um seine Kindheit, seine »Selbstexilierung«, um Sexualität und Literatur, um seinen nie nachlassenden Optimismus, trotz allem - und um eine Episode im Schweizer Wallis.

Kaum ein Schriftsteller des 20. Jahrhunderts hat in den letzten Jahren eine ähnliche Renaissance erfahren wie James Baldwin. Was zum einen mit der einzigartigen Schönheit seiner Prosa zu tun hat - aber auch damit, dass die Themen, die ihn bereits vor sechzig Jahren umtrieben, noch heute drängend sind. 1924 in ärmlichen Verhältnissen in New York geboren, bekam Baldwin früh zu spüren, dass nicht alle Menschen gleich sind. Auch aus Hass gegen die weißen Unterdrücker wandte er sich dem Glauben zu. Bald jedoch ging ihm auf, dass er einen Irrweg eingeschlagen hatte - auch durch seine Lektüren. Baldwin wollte Schriftsteller werden, doch im rassistischen New York der vierziger Jahre, würde er nicht reüssieren. Er zog nach Frankreich, ließ sein Geburtsland jedoch nie aus dem Blick:In den sechziger Jahren engagierte er sich in der Bürgerrechtsbewegung, zeit seines Lebens setzte er sich für die Rechte von Schwarzen, von Homosexuellen ein - und schrieb flammende, hellsichtige Essays und einige der schönsten Romane des 20. Jahrhunderts.Die in diesem Band versammelten Gespräche machen auf schmerzliche Weise deutlich, wie wichtig Baldwins Stimme noch heute im politischen Diskurs ist, aber es geht auch um seine Kindheit, seine »Selbstexilierung«, um Sexualität und Literatur, um seinen nie nachlassenden Optimismus, trotz allem - und um eine Episode im Schweizer Wallis.

Ein Leben in Gesprächen

Ich weiß, wovon ich spreche

«Ich bin kein Fotograf», sagt Bernard Voïta. Die Fotografie interessiert ihn nicht so sehr als technisches Medium, sondern vielmehr als ein Mittel der Wahrnehmung, als eine visuelle Transformation der Wirklichkeit. Und in dieser Hinsicht nutzt er die Kamera sehr wohl zur Herstellung seiner Werke. Schon um 1990 produzierte Voïta Schwarzweissaufnahmen, die für Aufsehen sorgten, weil sie eine ganz eigene Realität erzeugten, ohne die üblichen Techniken der Manipulation und der Verfremdung zu verwenden. Was auf den ersten Blick als Montage oder Collage erschien, entpuppte sich bei genauerem Hinsehen als eine komplexe, dreidimensionale Installation im Studio, die nur aus einer ganz bestimmten Perspektive ein zweidimensional wirkendes Bild ergab – ein minutiös komponiertes Bild, zu dem eigentlich gar keine reale Entsprechung existierte.
Diesem Ansatz ist Bernard Voïta, 1960 in Cully geboren, bis heute treu geblieben. Hartnäckig und ausdauernd hat er sein fantastisches Spiel mit Sein und Schein immer weitergetrieben und in verschiedenen Arbeiten jeweils neue Irritationen der Wahrnehmung provoziert.
Die Serie «Melencolia», benannt nach dem berühmten Stich von Albrecht Dürer, ist ein aufwendiges, in präziser Handarbeit geschaffenes Langzeitprojekt, das intellektuell herausfordert und zugleich Schaulust weckt.

Bernard Voita

Melencolia

Von der Kunstkritik weitgehend ignoriert, feiert die Ausstellung Blumen für die Kunst beim Publikum jedes Jahr aufs Neue Erfolge. Der Floristikbranche in der Schweiz hat sie einen Innovationsschub gebracht, dem Aargauer Kunsthaus das breite Publikum für die wichtige Sammlung mit Kunst aus der Schweiz. Die interdisziplinäre Ausstellung, in der Floristik und Kunst einander bereichern, ist bereits zehn Jahre alt: Ein guter Zeitpunkt, um den Werdegang der Ausstellung nachzuzeichnen und nach den Gründen des anhaltenden grossen Interesses zu fragen. Und, vor allem, um die vergänglichen floralen Interpretationen der Sammlung, die jeweils nur sechs Tage am Stück ausgestellt sind, noch einmal Revue passieren zu lassen.
Blumen für die Kunst ist ein interdisziplinäres Projekt des Vereins FLOWERS TO ARTS und des Aargauer Kunsthauses. Die Kooperation zwischen dem Verein, der Ausstellungs- und Vermittlungsprojekte an der Schnittstelle zwischen Floristik und Kunst realisiert, und dem Aargauer Kunsthaus, einer der wichtigsten Plattform für die Kunst in der Schweiz, entwickelt sich von Jahr zu Jahr weiter.
Das Ausstellungsformat Blumen für die Kunst fand erstmals 2014 als Experiment statt. Mittlerweile hat es sich zu einer wichtigen Plattform im Dialog zwischen Floristik und Kunst entwickelt. 2019 zählte Blumen für die Kunst mit über 18 000 Eintritten einen Publikumsrekord; 2023 wird die zehnte Ausgabe gefeiert.

Von der Kunstkritik weitgehend ignoriert, feiert die Ausstellung Blumen für die Kunst beim Publikum jedes Jahr aufs Neue Erfolge. Der Floristikbranche in der Schweiz hat sie einen Innovationsschub gebracht, dem Aargauer Kunsthaus das breite Publikum für die wichtige Sammlung mit Kunst aus der Schweiz. Die interdisziplinäre Ausstellung, in der Floristik und Kunst einander bereichern, ist bereits zehn Jahre alt: Ein guter Zeitpunkt, um den Werdegang der Ausstellung nachzuzeichnen und nach den Gründen des anhaltenden grossen Interesses zu fragen. Und, vor allem, um die vergänglichen floralen Interpretationen der Sammlung, die jeweils nur sechs Tage am Stück ausgestellt sind, noch einmal Revue passieren zu lassen.
Blumen für die Kunst ist ein interdisziplinäres Projekt des Vereins FLOWERS TO ARTS und des Aargauer Kunsthauses. Die Kooperation zwischen dem Verein, der Ausstellungs- und Vermittlungsprojekte an der Schnittstelle zwischen Floristik und Kunst realisiert, und dem Aargauer Kunsthaus, einer der wichtigsten Plattform für die Kunst in der Schweiz, entwickelt sich von Jahr zu Jahr weiter.
Das Ausstellungsformat Blumen für die Kunst fand erstmals 2014 als Experiment statt. Mittlerweile hat es sich zu einer wichtigen Plattform im Dialog zwischen Floristik und Kunst entwickelt. 2019 zählte Blumen für die Kunst mit über 18 000 Eintritten einen Publikumsrekord; 2023 wird die zehnte Ausgabe gefeiert.

Überraschender Erfolg für ein Pionierprojekt

Blumen für die Kunst

Roman Gysin

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