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: Schweizerische Zivilprozessordnung (Art. 1–352 ZPO sowie Art. 400–408 ZPO)</div>

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The life and legacy of the brilliant and elusive potter Lucie Rie is investigated through personal interviews, unpublished letters, and a detailed analysis of her elegant, modernist, utilitarian, and decorative vessels.

The life and legacy of brilliant but elusive potter Lucie Rie is investigated through interviews, letters and the analysis of her elegant, modernist vessels

Cooper E: Lucie Rie

Lucie Rie

Modernist Potter

suhrkamp taschenbuch wissenschaft

Die Kunstlandschaft der Bundesrepublik ist wie kaum eine andere durch öffentliche Institutionen geprägt und durch staatliche Mittel finanziert. Politisch brisant wird diese Verschränkung von Staat und Kunst, wenn die geförderten Künstler und Institutionen Erwartungen der Öffentlichkeit erschüttern. Was darf der Staat etwa von Verfassungs wegen tun, wenn wie im Fall der 
 documenta fifteen
 staatlich geförderte Kunst mit dem Vorwurf des Antisemitismus konfrontiert wird? Christoph Möllers und Nils Weinberg entwickeln in diesem Buch die Grundsätze, nach denen sich die Kunstfreiheit im Dreieck von demokratischem Staat, öffentlicher Kulturinstitution und geförderten Künstlern entfalten kann.

Öffentliche Kunstfreiheit

Rupprecht Geiger (1908-2009) gilt als einer der bedeutendsten Vertreter der Farbfeldmalerei in Europa. Innovativ und seiner Zeit voraus, prägte er die Kunst der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Mit der radikalen Reduktion des Farbträgers auf einfache geometrische Formen konzentrierte sich Geiger auf die Wirkung von reiner Farbe wie niemand zuvor. Als einer der ersten Künstler arbeitete er mit chemisch hergestellten Tagesleuchtpigmenten. Geigers Kunst im öffentlichen Raum prägt bis heute das Bild vieler Städte und öffentlicher Gebäude.
Die Publikation zeigt die Vielseitigkeit und Entwicklung im Werk Geigers mit Arbeiten aus allen Schaffensphasen. Farbenprächtige Landschaften, Stadtansichten und Stillleben aus dem Frühwerk des Künstlers zeigen seine figurativen Anfänge, während die charakteristischen, strahlenden Farbmodulationen der späteren Jahre die für Geiger ikonische Bildsprache vermitteln.

Rupprecht Geiger: Farbe - Licht - Energie

Poetik, Exegese und Narrative / Poetics, Exegesis and Narrative

Der Golem geht ins Kino - und bleibt dort. Klaus S. Davidowicz spürt dem uralten Mythos des Golems auf der Leinwand nach: vom stummen Wächter Prags bis zur plastinierten Barbie - als Monster, Retter, Erinnerung, Rebellion. Ein faszinierendes Filmbuch, das tief blickt: in jüdische Mystik, kabbalistische Buchstabentänze und moderne Filmikonen wie Blade Runner oder Inglourious Basterds. In der Filmgeschichte wurde ein Wesen aus Lehm und Legende zum Spiegel jüdischer Erfahrung, kultureller Ängste und künstlerischer Visionen. Neben Klassikern analysiert Klaus S. Davidowicz auch viele fast vergessene, überraschende oder bislang übersehene Filme - kenntnisreich, fesselnd und mit einem Gespür für das Magische im Medium Film.

The Golem goes to the movies - and stays there. Klaus S. Davidowicz traces the ancient myth of the Golem across the silver screen: from the silent guardian of Prague to plastinated Barbie - as monster, savior, memory, rebellion. This is a film book that looks deeper: into Jewish mysticism, kabbalistic letter-magic, and modern cinema icons like Blade Runner and Inglourious Basterds. The Golem is more than legend - it's a way of thinking, a mirror, a question posed to creation itself. Davidowicz shows how a creature of clay and myth became a reflection of Jewish experience, cultural anxiety, and artistic vision. Alongside classics he analyzes many forgotten, surprising, or overlooked films - with insight, passion, and a sense for the magical power of cinema.

Körper aus Staub, Blick aus Licht: Der Golem im Kino

Chapter 1: Virtual Reality and Painting in the Fourth Dimension.- Chapter 2: The Shifting Dichotomy of Media Arts and Fine Arts in the Context of VR Painting.- Chapter 3: The Liberation of Painting.- Chapter 4: Painting in the Digital Realm.- Chapter 5: Time Unbound: The Temporal Dimension of Virtual Reality Painting.- Chapter 6: The Architecture of Virtual Space.- Chapter 7: Virtual Reality Painting Aesthetic.- Chapter 8: Conclusions - Echoes in the Virtual Canvas.

Painting in the Fourth Dimension

Virtual Reality As A New Tool in Painting

Der Fotograf Aleix Plademunt ist ein Alchimist des Fotobuchs. Aus einer Vielzahl sehr unterschied- licher Aufnahmen lässt er ein Ganzes sichtbar werden. In Matter, seinem vielfach ausgezeichneten Fotobuch, das 2022 bei Spector Books erschienen ist, bewegt er sich zwischen Mikro- und Makro- kosmos, zwischen Sonne und winziger Materie. In Campus widmet er sich nun dem Vitra-Campus in Weil am Rhein, unweit von Basel. Vitra ist ein vielschichtiges Projekt: ein Schweizer Möbel- unternehmen, ein Campus mit Gebäuden wichtiger zeitgenössischer Architekt·innen wie Frank Gehry, Zaha Hadid, Tadao Ando, Álvaro Siza, ein Museum - das Vitra Design Museum -, Möbel- sammlungen, Nachlässe und Archive für Design und Architektur, Gartenanlagen, Publikationen, Menschen. Alle diese Motive, ergänzt um einige historische Aufnahmen, fügt Aleix Plademunt in Campus zum Bild eines Ortes, an dem man ahnt, was Gestaltung bedeutet - als Utopie und als alltägliche Arbeit.

Aleix Plademunt, geb. 1980 in Girona, hat zunächst Ingenieurswesen studiert und 2003 an der UPC Barcelona sein Fotografie-Studium abgeschlossen. Seitdem hat er an einer Vielzahl fotografischer Projekte gearbeitet. Seine Fotografien waren bei über 40 Gruppen- und 20 Einzelausstellungen zu sehen. Zu den wichtigsten gehören Matter im MACBA (Barcelona, 2021) und Almost There im Le Bal (Paris, 2014).

Aleix Plademunt: Sit, site, chair, cherry

Fröhliche Wissenschaft

Der römische Dichterphilosoph Lukrez feiert in seinem Epos 
 De rerum natura
 ('Über die Natur der Dinge') die Wolken. Als bedrohliche Naturgewalt wird in ihnen die Kraft und Chaotik der unsichtbaren Atome, aus denen die Welt besteht, hör- und sichtbar. Die lukrezische Zergliederung der Wolken - insbesondere die Beschreibung der Gewitter - will diese Gewalt rational und rhetorisch bändigen. Doch zugleich sind Wolken für den Dichter ein metaphorisches Modell zur Erklärung irrationaler Trugbilder, erotischer wie theologischer Phantasmen, die spontan in der Atmosphäre entstehen und uns - wortwörtlich - aus heiterem Himmel überfallen. Jakob Moser geht diesem irritierenden Zusammenhang von antiker Meteorologie und Phantasmalogie nach, der unsere modernen Dichotomien von Natur und Kultur, Physik und Psychologie, Wissenschaft und Dichtung infrage stellt. Lukrez' Wolken erscheinen nicht nur als Gegenstand, sondern auch als Quelle einer schöpferischen wie verstörenden Einbildungskraft der Natur.

Der römische Dichterphilosoph Lukrez feiert in seinem Epos 
 De rerum natura
 (»Über die Natur der Dinge«) die Wolken. Als bedrohliche Naturgewalt wird in ihnen die Kraft und Chaotik der unsichtbaren Atome, aus denen die Welt besteht, hör- und sichtbar. Die lukrezische Zergliederung der Wolken – insbesondere die Beschreibung der Gewitter – will diese Gewalt rational und rhetorisch bändigen. Doch zugleich sind Wolken für den Dichter ein metaphorisches Modell zur Erklärung irrationaler Trugbilder, erotischer wie theologischer Phantasmen, die spontan in der Atmosphäre entstehen und uns – wortwörtlich – aus heiterem Himmel überfallen. Jakob Moser geht diesem irritierenden Zusammenhang von antiker Meteorologie und Phantasmalogie nach, der unsere modernen Dichotomien von Natur und Kultur, Physik und Psychologie, Wissenschaft und Dichtung infrage stellt. Lukrez’ Wolken erscheinen nicht nur als Gegenstand, sondern auch als Quelle einer schöpferischen wie verstörenden Einbildungskraft der Natur.

Naturgewalt und Phantasma

Lukrez' Wolken

DKV-Kunstführer

"Unser Lieben Frauen" in Bremen is the city's oldest parish church, founded in the 11th century on former pagan sites. Its hall church with twin towers, extended choir, and Gothic aisles reflects Bremen's rich history: from Romanesque basilica to council church and the Protestant Reformation. Highlights include the St. Veit Chapel, the Baroque pulpit from 1709, and Alfred Manessier's abstract stained-glass windows, whose colors vividly accompany the liturgy. The church combines architecture, art, and history, offering visitors a unique cultural and spiritual experience.

Unser Lieber Frauen Bremen

' La peinture de paysage est comme le jazz libre ', affirme Yann Stéphane Bisso (*1998). Il combine différents éléments dans une improvisation libre, la lumière et l'eau étant des composants essentiels. L'eau - sous forme de vapeur, de liquide ou de glace, et surtout sous celle de nuages - lui sert d'image de la mutabilité, de l'identité et de sa fluidité. Dans ses œuvres, l'artiste réfléchit sur le patrimoine culturel, sa circulation, sa récurrence et sa réinterprétation. Ses origines camerounaises constituent le socle de cette réflexion, tout comme son enfance en France et ses études en Suisse. La vie, les souvenirs et les héritages étant fondés sur le changement, ils offrent une grande diversité de perspectives.

Mosaïque Présence Absence

Yann Stéphane Bisso

Ewald Mataré (1887-1965) war einer der bedeutendsten deutschen Bildhauer und Grafiker der Nachkriegszeit. Im sakralen, aber auch im profanen Bereich schuf der Künstler in Köln und dem Umland unverwechselbare Arbeiten, darunter die berühmten Bronzetüren für das Südportal des Kölner Doms, den Taubenbrunnen, die Türen für die Festhalle Gürzenich, den Kallendresser am Alter Markt oder den Stefan-Lochner-Brunnen im Hof des Museums für Angewandte Kunst.
Der Band würdigt Matarés herausragenden Beitrag zum Wiederaufbau des Rheinlands nach dem Zweiten Weltkrieg und ist eine Einladung, seine Arbeiten in Köln zu erkunden.

Ewald Mataré in Köln und Umgebung

Over a decade in the making, Sugimoto's masterpiece observatory building at his art foundation in Odawara, Japan, is the culmination of his architectural practiceApart from photography, Japanese artist Hiroshi Sugimoto has been working in sculpture, performing arts and architecture for more than 20 years. Since the early 2010s, he has been constructing the Enoura Observatory, and with his singular vision he has brought together ancient and contemporary Japanese traditions in one art and architectural complex. This book provides an account of this stunning multidisciplinary project. The Observatory, part of the artist's Odawara Art Foundation, is sited on a hilly area covered with citrus trees in Odawara, nestled against the outer rim of the Hakone Mountains and overlooking Sagami Bay. Odawara is home to groups of artisans with mastery of sophisticated techniques that have been handed down for centuries. Sugimoto has constructed the Enoura Observatory using these techniques, which are growing increasingly difficult to preserve. He envisions it as a forum for disseminating art and culture both within Japan and to the rest of the world. The stunning photographs in Enoura Observatory: Land of Distant Memories reveal Sugimoto's poetic vision for this total work of art that is the culmination of his art practice. Hiroshi Sugimoto was born in Tokyo in 1948. A photographer since the 1970s, his work deals with history and temporal existence by investigating themes of time, empiricism and metaphysics. Sugimoto has received numerous grants and fellowships, and his work is held in the collections of Tate Gallery, London, the Museum of Contemporary Art, Chicago, and the Metropolitan Museum of Art, among many others. Sugimoto lives between Tokyo and New York City.

Land of Distant Memory

Hiroshi Sugimoto: Enoura Observatory

n.b.k. Ausstellungen

Die Publikation enthält einen neuen Essay der Künstlerin, Fotografin, Autorin und Filmemacherin Moyra Davey. In aphoristischen Texten und kombiniert mit ihren eigenen fotografischen Aufnahmen, verwebt Davey ihre Erfahrungen als Fotografin mit Reflexionen über kanonische Produzent*innen und Theoretiker*innen des Mediums. Mit besonderem Fokus auf die Bildkomposition sowie den Umgang mit Licht, Zufall und Zeitlichkeit, konzentriert sich Davey auf die Arbeit von Fotograf*innen, die die Standards des (Selbst-)Porträts und der Repräsentation herausgefordert haben, und verbindet deren Ansätze mit zeitgenössischen queeren und feministischen Protagonist*innen des Genres. 

Text: Moyra Davey.

Portrait Mode presents a new essay by artist, photographer, writer, and filmmaker Moyra Davey. In aphoristic texts paired with her own photographs, Davey interweaves accounts of her experiences as a photographer with reflections on canonical practitioners and theorists of the medium. With a particular focus on framing, light, contingency, and temporality, she considers the work of photographers who have challenged conventions of (self-)portraiture and representation, connecting their approaches to contemporary queer and feminist protagonists of the genre. 

Text: Moyra Davey.

Ausst. Kat. n.b.k. Neuer Berliner Kunstverein

n.b.k. Ausstellungen Bd. 30: Moyra Davey. Portrait Mode

Die Ausstellung 'Ich liebe Widersprüche' in der Sammlung Falckenberg eröffnet einen neuen Blick auf das Werk Daniel Spoerris (1930-2024) und die ungebrochene Relevanz seines künstlerischen Denkens. Nach seiner ersten Karriere als klassischer Tänzer gründete Spoerri 1960 in Paris zusammen mit Yves Klein, Jean Tinguely, Niki de Saint-Phalle und anderen befreundeten Künstler*innen die Gruppe der Nouveaux Réalistes und entwickelte sich zu einem prägenden Vertreter der Objektkunst. In Abgrenzung zur abstrakten Kunst und anknüpfend an die Readymades und den Neo-Dada der 1960er-Jahre schuf Spoerri mit seinen 'Fallenbildern' eine eigene Kunstgattung und begründete in den 1970er Jahren die Eat Art. Im Dialog mit Werken aus der Sammlung Falckenberg entfalten sich die vielfältigen Bezüge zwischen Daniel Spoerris künstlerischem Ansatz und den konsum- und gesellschaftskritischen Haltungen, die sich in der Sammlung finden. Künstler wie Dieter Roth oder Emmett Williams sind in den 1960ern und 70ern Weggefährten Spoerris; Gianfranco Baruchello, Öyvind Fahlström und Spoerri stellten 1962 gemeinsam mit den Nouveaux Réalistes erstmalig in New York aus. Materialästhetische und konzeptuelle Parallelen finden sich wiederum bei Mark Dion, Mariella Mosler, Pope.L, Thomas Grünfeld, Cosima von Bonin oder John Miller - etwa das für Spoerri typische Spiel mit Alltagsmaterialien, die Kritik am Werkbegriff und der ironische Umgang mit der Bedeutung von Autor*innenschaft. Die Werke der Sammlung Falckenberg spiegeln interdisziplinäre Verschränkungen mit Spoerris Kunst, die sich über nationale Grenzen hinweg über Fluxus, Nouveau Réalisme und Konzeptkunst hinweg bis in die Gegenwart entwickelten.

Daniel Spoerri im Dialog mit Werken aus der Sammlung Falckenberg

Ich liebe Widersprüche

Lucie Rie

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