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: Schweizerische Zivilprozessordnung (Art. 1–352 ZPO sowie Art. 400–408 ZPO)</div>

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The life and legacy of the brilliant and elusive potter Lucie Rie is investigated through personal interviews, unpublished letters, and a detailed analysis of her elegant, modernist, utilitarian, and decorative vessels.

Cooper E: Lucie Rie

Lucie Rie

Modernist Potter

Chapter 1: Virtual Reality and Painting in the Fourth Dimension.- Chapter 2: The Shifting Dichotomy of Media Arts and Fine Arts in the Context of VR Painting.- Chapter 3: The Liberation of Painting.- Chapter 4: Painting in the Digital Realm.- Chapter 5: Time Unbound: The Temporal Dimension of Virtual Reality Painting.- Chapter 6: The Architecture of Virtual Space.- Chapter 7: Virtual Reality Painting Aesthetic.- Chapter 8: Conclusions - Echoes in the Virtual Canvas.

Painting in the Fourth Dimension

Virtual Reality As A New Tool in Painting

Mit der Linolschnittbibel wird der Versuch unternommen, die reiche Linolschnitt-Kultur in ihrer gesamten Breite darzustellen. Dabei wurde ein besonderer Fokus auf die experimentellen Möglichkeiten dieser Drucktechnik jenseits der sattsam bekannten Basis-Techniken gelegt.
So richtet sich das Buch in erster Linie an ambitionierte Anfänger und Fortgeschrittene, Künstler, Kunstlehrer, Dozenten und Kunstwissenschaftler, die den Linolschnitt in seiner ganzen Vielfalt erkunden und/oder weitervermitteln, im Idealfall vielleicht sogar zu dessen Weiterentwicklung beitragen möchten. Weniger geeignet ist das Buch hingegen für solche Anfänger, die auf schnellstem Wege lediglich in Erfahrung bringen wollen, wie ein einfacher Linolschnitt vom Schneiden der Platte bis zum Abdruck der Farbe auf Papier funktioniert.
Doch nicht nur experimentierfreudige Praktiker sollen in diesem Buch zu ihrem Recht kommen, sondern ausdrücklich auch reine Rezipienten wie Kunsthistoriker, Sammler oder auch einfach Kunstinteressierte, denn auch theoretische Fragen werden hier eingehend erörtert, wie etwa die spezifische Sprache des Linoldrucks, also seine Möglichkeiten und natürlichen Grenzen oder auch die Rolle des Linolschnitts im Kunstgeschehen der Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft.

Techniken - Experimente - Kultur(geschichte) - Protagonisten

Die Linolschnittbibel

DKV-Kunstführer

"Unser Lieben Frauen" in Bremen is the city's oldest parish church, founded in the 11th century on former pagan sites. Its hall church with twin towers, extended choir, and Gothic aisles reflects Bremen's rich history: from Romanesque basilica to council church and the Protestant Reformation. Highlights include the St. Veit Chapel, the Baroque pulpit from 1709, and Alfred Manessier's abstract stained-glass windows, whose colors vividly accompany the liturgy. The church combines architecture, art, and history, offering visitors a unique cultural and spiritual experience.

Unser Lieber Frauen Bremen

Die Ausstellung 'Ich liebe Widersprüche' in der Sammlung Falckenberg eröffnet einen neuen Blick auf das Werk Daniel Spoerris (1930-2024) und die ungebrochene Relevanz seines künstlerischen Denkens. Nach seiner ersten Karriere als klassischer Tänzer gründete Spoerri 1960 in Paris zusammen mit Yves Klein, Jean Tinguely, Niki de Saint-Phalle und anderen befreundeten Künstler*innen die Gruppe der Nouveaux Réalistes und entwickelte sich zu einem prägenden Vertreter der Objektkunst. In Abgrenzung zur abstrakten Kunst und anknüpfend an die Readymades und den Neo-Dada der 1960er-Jahre schuf Spoerri mit seinen 'Fallenbildern' eine eigene Kunstgattung und begründete in den 1970er Jahren die Eat Art. Im Dialog mit Werken aus der Sammlung Falckenberg entfalten sich die vielfältigen Bezüge zwischen Daniel Spoerris künstlerischem Ansatz und den konsum- und gesellschaftskritischen Haltungen, die sich in der Sammlung finden. Künstler wie Dieter Roth oder Emmett Williams sind in den 1960ern und 70ern Weggefährten Spoerris; Gianfranco Baruchello, Öyvind Fahlström und Spoerri stellten 1962 gemeinsam mit den Nouveaux Réalistes erstmalig in New York aus. Materialästhetische und konzeptuelle Parallelen finden sich wiederum bei Mark Dion, Mariella Mosler, Pope.L, Thomas Grünfeld, Cosima von Bonin oder John Miller - etwa das für Spoerri typische Spiel mit Alltagsmaterialien, die Kritik am Werkbegriff und der ironische Umgang mit der Bedeutung von Autor*innenschaft. Die Werke der Sammlung Falckenberg spiegeln interdisziplinäre Verschränkungen mit Spoerris Kunst, die sich über nationale Grenzen hinweg über Fluxus, Nouveau Réalisme und Konzeptkunst hinweg bis in die Gegenwart entwickelten.

Daniel Spoerri im Dialog mit Werken aus der Sammlung Falckenberg

Ich liebe Widersprüche

Poetik, Exegese und Narrative / Poetics, Exegesis and Narrative

Der Golem geht ins Kino - und bleibt dort. Klaus S. Davidowicz spürt dem uralten Mythos des Golems auf der Leinwand nach: vom stummen Wächter Prags bis zur plastinierten Barbie - als Monster, Retter, Erinnerung, Rebellion. Ein faszinierendes Filmbuch, das tief blickt: in jüdische Mystik, kabbalistische Buchstabentänze und moderne Filmikonen wie Blade Runner oder Inglourious Basterds. In der Filmgeschichte wurde ein Wesen aus Lehm und Legende zum Spiegel jüdischer Erfahrung, kultureller Ängste und künstlerischer Visionen. Neben Klassikern analysiert Klaus S. Davidowicz auch viele fast vergessene, überraschende oder bislang übersehene Filme - kenntnisreich, fesselnd und mit einem Gespür für das Magische im Medium Film.

The Golem goes to the movies - and stays there. Klaus S. Davidowicz traces the ancient myth of the Golem across the silver screen: from the silent guardian of Prague to plastinated Barbie - as monster, savior, memory, rebellion. This is a film book that looks deeper: into Jewish mysticism, kabbalistic letter-magic, and modern cinema icons like Blade Runner and Inglourious Basterds. The Golem is more than legend - it's a way of thinking, a mirror, a question posed to creation itself. Davidowicz shows how a creature of clay and myth became a reflection of Jewish experience, cultural anxiety, and artistic vision. Alongside classics he analyzes many forgotten, surprising, or overlooked films - with insight, passion, and a sense for the magical power of cinema.

Körper aus Staub, Blick aus Licht: Der Golem im Kino

Over a decade in the making, Sugimoto's masterpiece observatory building at his art foundation in Odawara, Japan, is the culmination of his architectural practiceApart from photography, Japanese artist Hiroshi Sugimoto has been working in sculpture, performing arts and architecture for more than 20 years. Since the early 2010s, he has been constructing the Enoura Observatory, and with his singular vision he has brought together ancient and contemporary Japanese traditions in one art and architectural complex. This book provides an account of this stunning multidisciplinary project. The Observatory, part of the artist's Odawara Art Foundation, is sited on a hilly area covered with citrus trees in Odawara, nestled against the outer rim of the Hakone Mountains and overlooking Sagami Bay. Odawara is home to groups of artisans with mastery of sophisticated techniques that have been handed down for centuries. Sugimoto has constructed the Enoura Observatory using these techniques, which are growing increasingly difficult to preserve. He envisions it as a forum for disseminating art and culture both within Japan and to the rest of the world. The stunning photographs in Enoura Observatory: Land of Distant Memories reveal Sugimoto's poetic vision for this total work of art that is the culmination of his art practice. Hiroshi Sugimoto was born in Tokyo in 1948. A photographer since the 1970s, his work deals with history and temporal existence by investigating themes of time, empiricism and metaphysics. Sugimoto has received numerous grants and fellowships, and his work is held in the collections of Tate Gallery, London, the Museum of Contemporary Art, Chicago, and the Metropolitan Museum of Art, among many others. Sugimoto lives between Tokyo and New York City.

Land of Distant Memory

Hiroshi Sugimoto: Enoura Observatory

suhrkamp taschenbuch wissenschaft

Öffentliche Kunstfreiheit

Maler vs. Fotograf. Achim Hoops zeigt in seinen minutiös
quadrierten Fotografien das gewöhnliche Bild der Stadt, das
wir gelernt haben, zu übersehen. Zu diesen reglosen
Stillleben des Lapidaren setzen seine abstrakten
Ölmalereien den Kontrapunkt. Sie sind Nachbilder von
Licht, Proportion und Materialität der Stadt. Zwischen
fotografischer Sachlichkeit und malerischer Erinnerung
besteht eine prekäre Spannung

Nachbilder

In seiner Ausstellung mâcistan verweist Duane Linklater nicht nur auf die von seinen Vorfahren ererbten Aufbewahrungspraktiken, sondern setzt sich auch kritisch mit den durch den Siedlerkolonialismus aufgezwungenen gewaltsamen Wissens-, Repräsentations- und Wertsystemen auseinander. Die Ausstellung wird von einer Publikation mit einem Essay des Kurators Damian Lentini und einem Gespräch zwischen der Kuratorin Eungie Joo und dem Künstler Rayyane Tabet begleitet. In der künstlerischen Intervention kommt Sumach zum Einsatz, ein Pigment, das Duane Linklater in seinen Gemälden verwendet und nun in dem Buch verstreut, wo es sich als sinnliche Substanz entfaltet und Erinnerungsräume aktiviert.

Text: Eugnie Joo &amp; Rayyane Tabet, Duane Linklater, Damian Lentini.

Ausst. Kat. Secession, Wien

Duane Linklater

Hochwertiges Set mit acht wunderschönen Klappkarten
 : Versenden Sie florale Grüße mit überraschenden Informationen ... Die vier Motive, die diese acht hochwertigen Doppelkarten aus Naturpapier zieren, stammen nämlich aus dem Buch "Köhler's Medizinal-Pflanzen" - dem umfangreichsten Werk zu Heil-, Gift-und Arzneipflanzen aus der Zeit um die Wende zum 20. Jahrhundert. Die damals jüngsten Erkenntnisse haben sich nicht alle überholt und doch muten die Formulierungen wunderbar antiquiert an. Auf der Rückseite jeder Karte lesen Sie Auszüge aus den Originalhinweisen zur Verwendung der gezeigten Pflanze. Verpackt in einem Schmuckkarton.

Historische Heilpflanzen - Acht Kunst-Klappkarten

Im Grafikdesign geht es selten um den spontanen, genialen Einfall, sondern vielmehr um den prozesshaften Aspekt des Gestaltens. Digitale Werkzeuge, Algorithmen und Systeme prägen heute nicht nur das Ergebnis, sondern auch den Weg dorthin. Damit verändert sich die Rolle von Designer*innen: Sie gestalten nicht mehr jedes Detail, sondern entwerfen zunehmend Systeme, in denen Gestaltung entsteht.
In ihrer über 20-jährigen Lehrtätigkeit hat Heike Grebin einen Ansatz entwickelt, der diesen Wandel ins Zentrum stellt. Der Reiz liegt darin, dynamische Systeme zu entwickeln, die den Gestaltungsprozess gleichzeitig lenken und inspirieren. Gestaltung wird durch ein Set von Vorgaben erzeugt, deren Wirkung sich erforschen, variieren und kreativ nutzen lässt - das ist parametrisches Gestalten.

Play the System veranschaulicht anhand ausgewählter Beispiele aus Designgeschichte und Hochschullehre, dass bereits minimale Veränderungen einzelner Parameter wie Größe, Farbe, Abstand oder Bewegung - gesteuert durch Eingabewerte, Zufall oder äußere Einflüsse - zu unterschiedlichen Ergebnissen führen und Spielräume für Variation, Experiment und Überraschung schaffen.
Gespräche mit Gestalter*innen, Programmierer*innen und Wissenschaftler*innen wie Luna Maurer, Anja Groten, Frieder Nake und Tom Bieling vertiefen zentrale Fragen: Wie viel Freiheit lassen Systeme? Wann begrenzen sie die Kreativität? Wie beeinflussen Werkzeuge unsere ästhetischen Entscheidungen? Und wie kann Design auf gesellschaftliche Strukturen reagieren?

Als hybride Publikation funktioniert Play the System selbst systemisch. Die Website www.play-the-system.xyz erweitert das Buch um zusätzliche Inhalte und liefert zugleich die Daten für alle Projekte, die mithilfe eines automatisierten Web-to-Print-Verfahrens im Buch veröffentlicht werden.
Play the System ist Lesebuch, Einführung und visuelles Archiv zugleich. Reich bebildert verbindet es Theorie, Lehre und Praxis und macht systemisches und parametrisches Design auch für fachfremde Leser*innen verständlich.

Parametric Approaches in Graphic Design

Play The System

In ihrer Ausstellung Soft Zeros untersucht Mimi ¿n¿¿ha die Unzuverlässigkeit von Archiven und die Instabilität von Wissen und erforscht, wie durch algorithmische Einseitigkeiten, die Leugnung von Geschichte und kollektives Vergessen entstandene Leerstellen und Schweigen Bedeutung annehmen. Sie lenkt die Aufmerksamkeit auf das, was nicht gesammelt, erfragt, zugelassen oder dargestellt wurde. Als künstlerische Intervention finden sich braune Fingerabdrücke auf dem Umschlag, die das Bild von Händen nahelegen, die vom Vergraben und Ausgraben von Geschichten schmutzig sind.

Text: Mimi ¿n¿¿ha/Jess Myers

Mimi Ọnụọha

Lucie Rie

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