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Karl-Heinz Rummeny. On ne part pas

Basic Art

Hokusai (1760–1849), Zeichner, Holzschneider und Maler. Seine Farbholzschnitte galten im japonismusverrückten Europa des späten 19. Jahrhunderts als Inbegriff des japanischen Stils und nahmen einen immensen Einfluss auf die Entwicklung der europäischen Moderne. Künstler von van Gogh und Monet bis Gauguin und Morisot, von Cassatt bis Klimt ließen sich von seiner Linienführung, seinen flächigen Kolorierungen und seinen kühnen Kompositionen inspirieren. Hokusai war von der Kunst besessen. In seinem langen, rastlosen Leben schuf er eine ungeheure Zahl an Arbeiten und bewies in allen Genres eine stupende Meisterschaft. In seinen ukiyo-e, den Bildern der vergänglichen Welt, stellte er die Kurtisanen, Sumo-Ringer und Kabuki-Schauspieler dar, die das Vergnügungsviertel in seiner Heimatstadt Edo, dem heutigen Tokio, bevölkerten, daneben schuf er Stillleben, Karikaturen, Landschaften, Rollbilder, über 1000 Romanillustrationen und aufwendige Auftragsarbeiten für private Sammler. Hokusais Farbholzschnittserie 36 Ansichten des Berges Fuji, die zwischen ca. 1830 und 1834 veröffentlicht wurde, ist das berühmteste Werk des Künstlers und mit ihrer Darstellung des Vulkans zu verschiedenen Jahreszeiten und aus verschiedenen Blickwinkeln ein Höhepunkt der japanischen Druckgrafik. Das Bild Unter der Welle vor Kanagawa, das erste Blatt dieser Reihe, oft auch nur kurz Die große Welle genannt, ist das weltweit bekannteste und am häufigsten reproduzierte Werk japanischer Kunst. Dieser Band stellt Hokusais künstlerische Laufbahn anhand von Schlüsselwerken aus seiner ungewöhnlichen langen Karriere dar und geht den Gründen nach, warum er die westliche Kunstwelt so in seinen Bann zog.

Hokusai

Gio Ponti (Mailand 1891-1979) war eine Schlüsselfigur des italienischen Modernismus; es ist unmöglich, sein Vermächtnis auf ein einzelnes kreatives Feld zu beschränken. Von 1923 bis 1930 war Ponti künstlerischer Leiter des heute legendären italienischen Geschirrherstellers Richard Ginori. 1928 gründete er die international renommierte Zeitschrift «Domus», die er - abgesehen von einer Unterbrechung in den 1940er Jahren - für den Rest seines Lebens leitete. In der Nachkriegszeit prägte Ponti gemeinsam mit seinen Mitarbeitern Antonio Fornaroli und Albert Rosselli das architektonische Bild von Mailand, sie waren aber auch weltweit tätig, von Caracas über Teheran und Denver bis nach Islamabad und Eindhoven. Dieses Buch befasst sich mit den vielen Komponenten von Pontis Wirken im 20. Jahrhundert und verfolgt seinen anhaltenden Einfluss in Italien und auf der ganzen Welt.

Critic, Editor, Graphic Artist, Architect, Product Designer

More Than One: Gio Ponti

Er ist der gefragteste Maler der wohlhabenden Handelsstadt Amsterdam und stirbt doch völlig verarmt. Rembrandt Harmensz. van Rijns (1606–1669) Werk reicht, obwohl er sein Heimatland niemals verließ, weit über die Grenzen seiner persönlichen Erfahrung hinaus, schuf er doch einige der wirkungsvollsten und vielgestaltigsten Werke der Kunstgeschichte, die sich dem kollektiven Gedächtnis für immer eingeschrieben haben – die Nachtwache, Inbegriff der Blütezeit der niederländischen Stadtkultur im 17. Jahrhundert, oder das bis heute rätselhaft gebliebene Selbstbildnis als Zeuxis. Als Künstler des Goldenen Zeitalters der Niederlande galt Rembrandts Interesse den menschlichen Leidenschaften. Auch Bibelszenen wie Bathseba mit König Davids Brief (um 1654) rücken die Verletzlichkeit der Personen ins Zentrum und gehen damit weit über das hinaus, was zuvor in der Malerei dargestellt wurde. Rembrandt hinterließ außerdem eine Vielzahl von Selbstbildnissen – kein anderer Künstler jener Zeit porträtierte sich so häufig und dokumentierte dadurch die eigene Entwicklung von der Jugend bis zum Alter. Beeindruckend ist vor allem Rembrandts Lichtregie. Der Spot fällt auf die dargestellte Person, hebt sie hervor, während der Rest des Bildes eher im Schatten verbleibt. Der Band enthält zudem zahlreiche Detailaufnahmen, die verdeutlichen, wie die Oberflächen der Materialien, von Schmuck, Halskrausen, Pelzkrägen, irisierenden Stoffen aller Art bis hin zu Rüstungen in ihrer feinen Ausarbeitung Licht reflektieren. Diese XL-Monografie versammelt sämtliche 330 Gemälde Rembrandts in atemberaubenden Reproduktionen – vom Gastmahl des Belsazar (um 1635) bis zum furiosen Spätwerk bietet sich hier die Chance, Rembrandts malerisches Werk gänzlich neu zu erleben.

Rembrandt. Obra pictórica completa

Eine Frau steht drei Elefanten in einem deutschen Zoo gegenüber. Es ist Sinthujan Varatharajahs Mutter. Die Frau, eine Asyl suchende Tamilin, und die Elefanten haben etwas gemeinsam: Sie haben eine weite Reise hinter sich. Alle vier wurden verschleppt oder vertrieben und treffen in einem sogenannten Elefantenhaus aufeinander. 
Von diesem Moment aus begibt sich Sinthujan Varatharajah auf eine intensive Spurensuche und verknüpft Augen öffnend Aspekte globaler Kolonialismen mit europäischer Asylpolitik. 
Mit großer Klarheit stellt Sinthujan Varatharajah grundsätzliche Gewissheiten infrage und wählt dabei einen persönlichen Zugang, der sich ins Gedächtnis brennt.

an alle orte, die hinter uns liegen

Since the late 1960s, Anselm Kiefer has explored the profound depths of human history through his work. For his first American retrospective in twenty years, he takes the river as a metaphor for the flux of life and passage of time. Breathtaking new landscapes join iconic works to celebrate the achievements of his nearly sixty-year career. Becoming the Ocean explores Kiefer's remarkable body of work. From his early evocative landscapes of postwar Europe to his later, monumental canvases on themes of destruction and regeneration, Kiefer's oeuvre challenges our understanding of history and memory. Catalogue highlights include previously unpublished artist writings, lavish illustrations and contributions by writers who inspired Kiefer's famously literary art.

Die große Publikation zur ersten Retrospektive von Anselm Kiefer in den USA seit zwanzig Jahren. Den Fluss als Metapher für das Leben und den Lauf der Zeit nehmenden blickt Anselm Kiefer zurück auf seine fast sechzigjährige Karriere in der er die Tiefen der Menschheitsgeschichte ausgelotet hat. Ikonische Werke reihen sich neben atemberaubende neue Landschaften – eine umfassende Würdigung im Rahmen seines 80. Geburtstages.


 Anselm Kiefer zählt zu den größten und herausragendsten zeitgenössischen Künstlern. Die Publikation widmet sich seinem gesamten Schaffen: Von frühen, eindrucksvollen Landschaften des Nachkriegseuropas bis zu späteren, monumentalen Leinwänden zu Themen der Zerstörung und Erneuerung. Anselm Kiefer hinterfragt und fordert unser Verständnis von Geschichte und Erinnerung. Neben den großformatigen Werkreproduktionen zählen zu den Höhepunkten des Bandes bisher unveröffentlichte Künstlertexte sowie Beiträge von Schriftstellern, die Kiefers berühmte literarische Kunst inspirierten.

Blockbusterausstellung im Saint Louis Art Museum

ANSELM KIEFER – Becoming the ocean

Adrian Ghenie is one of the most acclaimed artists
of his generation. He is interested in the dangers and
catastrophes caused by the ideologies of the 20th century,
which the artist describes as the century of “humiliation.”
The gloomy setting of his paintings and the
deformed figures reveal the physical and psychological
injuries caused by dictatorship and war. In the group of
current charcoal drawings, Ghenie transfers his theme
to the present and deals with the effects of digital media
on people. The now extensive oeuvre of drawings and
collages plays a central role in the pictorial alienation
through motif montage and abstraction, which is presented
for the first time in the Dresden Kupferstich-Kabinett
in its development from the beginnings to the
present day.Adrian Ghenie (*1977 in Baia Mare, Romania), is one of the most celebrated painters of his generation. His work is considered "posthumously born" in the Nietzschean sense, blending past influences with contemporary themes. Ghenie is known for merging personal, political, and art historical themes, combining abstract and figurative elements, and exploring the possibilities of his medium. He draws on personal memories, art historical references, film stills, and internet visuals.

Battleground Studio: Adrian Ghenie – The Works on Paper

700 Kisten umfasst der Nachlass von Leni Riefenstahl
 . Kisten mit Zeitungsausschnitten, Filmrollen, Tonbändern, Kassetten, Briefen und Notizen. Der Autor Klaus Dermutz und der Filmregisseur Andres Veiel haben ihn 
 erstmals untersucht
 und daraus 
 neue Perspektiven
 für das Verständnis einer der bis heute umstrittensten Künstlerinnen gewonnen. Die Kindheit in Berlin, ihre Versuche, als Tänzerin Karriere zu machen, Zeit und Umstände des 
 Olympia-Films
 , das Verhältnis zu ihren Eltern und zum Bruder, ihre verschiedenen Beziehungen, die Kontakte mit den Größen des 
 Nationalsozialismus
 , ihr Briewechsel mit dem jüdischen Journalisten Manfred George nach dem Krieg, das Verhältnis zu 
 Breker
 und 
 Speer
 und zu den 
 neuen Nazis in der Bundesrepublik
 - auf Grundlage all dieser Fakten und Funde werden ihr Ehrgeiz, ihre Skrupellosigkeit, ihre Manipulationskraft und ihre Lügen freigelegt und ästhetisch, ethisch und politisch reflektiert. Dabei vereinigt das Buch zwei unterschiedliche Darstellungen: Klaus Dermutz erzählt chronologisch Riefenstahls 
 Biographie
 und führt Gespräche mit dem preisgekrönten Regisseur Andres Veiel, in denen dessen persönliche Sicht und Einschätzung als 
 Filmemacher
 auf die Regisseurin zur Sprache kommen. Mit umfangreichem und zum großen Teil unbekanntem Bildmaterial.

700 Kisten umfasst der Nachlass von Leni Riefenstahl. Kisten mit Zeitungsausschnitten, Filmrollen, Tonbändern, Kassetten, Briefen und Notizen. Der Autor Klaus Dermutz und der Filmregisseur Andres Veiel haben ihn erstmals untersucht und daraus neue Perspektiven für das Verständnis einer der bis heute umstrittensten Künstlerinnen gewonnen. Die Kindheit in Berlin, ihre Versuche, als Tänzerin Karriere zu machen, Zeit und Umstände des Olympia-Films, das Verhältnis zu ihren Eltern und zum Bruder, ihre verschiedenen Beziehungen, die Kontakte mit den Größen des Nationalsozialismus, ihr Briewechsel mit dem jüdischen Journalisten Manfred George nach dem Krieg, das Verhältnis zu Breker und Speer und zu den neuen Nazis in der Bundesrepublik – auf Grundlage all dieser Fakten und Funde werden ihr Ehrgeiz, ihre Skrupellosigkeit, ihre Manipulationskraft und ihre Lügen freigelegt und ästhetisch, ethisch und politisch reflektiert. Dabei vereinigt das Buch zwei unterschiedliche Darstellungen: Klaus Dermutz erzählt chronologisch Riefenstahls Biographie und führt Gespräche mit dem preisgekrönten Regisseur Andres Veiel, in denen dessen persönliche Sicht und Einschätzung als Filmemacher auf die Regisseurin zur Sprache kommen. Mit umfangreichem und zum großen Teil unbekanntem Bildmaterial.

Neue Perspektiven aus dem Nachlass

Close-up Leni Riefenstahl

Dank Marcel Duchamp wissen wir, dass alles zu Kunst werden kann und dem Denken hier keine Grenze gesetzt ist. Die erste umfassende Ausstellung seit zwei Jahrzehnten zeigt Duchamps Werke aus allen Schaffensphasen der Jahre 1902 bis 1968 zeigt. Über sein Frühwerk postimpressionistischer Gemälde, seine Karikaturen und Auseinandersetzung mit dem Kubismus bis zu seinen ikonischen Readymakes offenbart sich das Denken Duchamps. Er schuf mit einer ihm eigenen beharrlichen Genauigkeit und eigensinniger Anarchie Werke, die erst durch uns als Betrachtende ihre Vollendung finden. So verändert sich das Werk mit uns und in der Zeit.

Dank Marcel Duchamp wissen wir, dass alles zu Kunst werden kann und dem Denken hier keine Grenze gesetzt ist. Die erste umfassende Ausstellung seit zwei Jahrzehnten zeigt Duchamps Werke aus allen Schaffensphasen der Jahre 1902 bis 1968 zeigt. Über sein Frühwerk postimpressionistischer Gemälde, seine Karikaturen und Auseinandersetzung mit dem Kubismus bis zu seinen ikonischen Readymakes offenbart sich das Denken Duchamps. Er schuf mit einer ihm eigenen beharrlichen Genauigkeit und eigensinniger Anarchie Werke, die erst durch uns als Betrachtende ihre Vollendung finden. So verändert sich das Werk mit uns und in der Zeit.

MMK Museum für Moderne Kunst, Frankfurt

Marcel Duchamp (Deutsch)

Robert Longo is widely known for his highly detailed and hyper-realistic charcoal drawings that explore the construction of power symbols. He explores the implications of living in an image-saturated culture-how we filter, process and preserve the images we are confronted with on a daily basis. This catalogue accompanies the exhibition
 Robert Longo: The Acceleration of History
 at the Milwaukee Art Museum and focuses on Longo's works of the last ten years, including images of war, protest movements, immigration and climate change created in direct response to contemporary global events and drawn from
images widely circulated through various media sources.
 
 ROBERT LONGO (b. 1953) is an artist, filmmaker and musician living in New York. He is considered a key figure of the US "Pictures Generation," which used appropriation and montage in the 1980s to unmask stereotypes in visual culture and to criticize the mediatization of war and the excessive glorification of history. With his labor-intensive, large-format charcoal drawings, Longo aims to slow down the consumption of the images that inundate us daily through our screens, or what the artist calls the "storm of images."

Robert Longo is widely known for his highly detailed and hyper-realistic charcoal drawings that explore the construction of power symbols. He explores the implications of living in an image-saturated culture—how we filter, process and preserve the images we are confronted with on a daily basis. This catalogue accompanies the exhibition Robert Longo: The Acceleration of History at the Milwaukee Art Museum and focuses on Longo’s works of the last ten years, including images of war, protest movements, immigration and climate change created in direct response to contemporary global events and drawn from
images widely circulated through various media sources.ROBERT LONGO (b. 1953) is an artist, filmmaker and musician living in New York. He is considered a key figure of the US “Pictures Generation,” which used appropriation and montage in the 1980s to unmask stereotypes in visual culture and to criticize the mediatization of war and the excessive glorification of history. With his labor-intensive, large-format charcoal drawings, Longo aims to slow down the consumption of the images that inundate us daily through our screens, or what the artist calls the “storm of images.”

Robert Longo: The Acceleration of History

Das Deutsche Elfenbeinmuseum präsentiert wunderbare Erzeugnisse der Schnitzkunst aus rund 200 Jahren am historischen Ort in Schloss Erbach. Die visuelle Inszenierung stellt einen Meilenstein in der modernen Museumsgestaltung dar. Ein exzellent fotografierter Band mit wegweisenden Texten zur Zukunft des Museums. Der universal gebildete, der Aufklärung huldigende Graf Franz I. im südhessischen Odenwald führte als Teil seiner umfassenden Sozialreformen zu Beginn des 19. Jahrhunderts die Elfenbeinschnitzerei als radikale, in die Zukunft gerichtete Erwerbsquelle für seine Bauern ein. In den Glanzzeiten haben bis zu 5.000 Menschen in der Elfenbeinbearbeitung in Erbach gearbeitet und bis zur Ächtung des Elfenbeins in den 1980er-Jahren weltweit anerkannte Kunstwerke geschaffen. Die topmoderne Neupräsentation der Elfenbeine im historischen Schloss ist von höchster ästhetischer, sehr ungewöhnlicher Qualität. Die Werke scheinen in den präzise ausgeleuchteten dunklen Räumen zu schweben und ziehen den Betrachter in den Bann.

Das Deutsche Elfenbeinmuseum präsentiert wunderbare Erzeugnisse der Schnitzkunst aus rund 200 Jahren am historischen Ort in Schloss Erbach. Die visuelle Inszenierung stellt einen Meilenstein in der modernen Museumsgestaltung dar. Ein exzellent fotografierter Band mit wegweisenden Texten zur Zukunft des Museums.Der universal gebildete, der Aufklärung huldigende Graf Franz I. im südhessischen Odenwald führte als Teil seiner umfassenden Sozialreformen zu Beginn des 19. Jahrhunderts die Elfenbeinschnitzerei als radikale, in die Zukunft gerichtete Erwerbsquelle für seine Bauern ein. In den Glanzzeiten haben bis zu 5.000 Menschen in der Elfenbeinbearbeitung in Erbach gearbeitet und bis zur Ächtung des Elfenbeins in den 1980er-Jahren weltweit anerkannte Kunstwerke geschaffen. Die topmoderne Neupräsentation der Elfenbeine im historischen Schloss ist von höchster ästhetischer, sehr ungewöhnlicher Qualität. Die Werke scheinen in den präzise ausgeleuchteten dunklen Räumen zu schweben und ziehen den Betrachter in den Bann.

Glanzstücke - Deutsches Elfenbeinmuseum Schloss Erbach

Friedrich Nietzsche - kein Thema zeitgenössischer Kunst? Im Gegenteil: Barbara Straka belegt mit thematisch strukturierten Werkbeispielen von mehr als 200 Künstlerinnen und Künstlern seine Rezeption in der bildenden Kunst nach 1945. Damit widerlegt sie den Mainstream fachöffentlicher Statements, die Darstellungen Nietzsches auf das Genre des Porträts reduzieren oder Nietzsche in der Kunst heute keine nennenswerte Wirkung attestieren, bestenfalls als Witzfigur und Pop-Ikone. Wie hat sich das Nietzsche-Bild in der Kunst verändert? Welche Motive und Themen lassen sich identifizieren? Was fasziniert heutige Künstler:innen an Nietzsches Person und Denken? Welche Zugänge wählen sie? Können Werke der zeitgenössischen Kunst Nietzsche wirklich gerecht werden oder sind sie nur Ausdruck einer oberflächlichen Befassung mit einem Modephilosophen? Können sie seine Philosophie einem breiteren, auch nicht-akademischen Publikum vermitteln und zu einem neuen, fachübergreifenden Diskurs zwischen Philosophie und Kunst beitragen? Das Nietzsche-Bildnis hat in der Kunst nach 1945 - analog zu den Umwertungen, die es in der philosophischen Rezeptionsgeschichte erfuhr -, eine Transfiguration vom Mythos zum Menschen durchlaufen, die mit den jüngsten KI-Bilderfindungen noch nicht an ihr Ende gekommen zu sein scheint: Nietzsche forever?

Friedrich Nietzsche – kein Thema zeitgenössischer Kunst? Im Gegenteil: Barbara Straka belegt mit thematisch strukturierten Werkbeispielen von mehr als 200 Künstlerinnen und Künstlern seine Rezeption in der bildenden Kunst nach 1945. Damit widerlegt sie den Mainstream fachöffentlicher Statements, die Darstellungen Nietzsches auf das Genre des Porträts reduzieren oder Nietzsche in der Kunst heute keine nennenswerte Wirkung attestieren, bestenfalls als Witzfigur und Pop-Ikone. Wie hat sich das Nietzsche-Bild in der Kunst verändert? Welche Motive und Themen lassen sich identifizieren? Was fasziniert heutige Künstler:innen an Nietzsches Person und Denken? Welche Zugänge wählen sie? Können Werke der zeitgenössischen Kunst Nietzsche wirklich gerecht werden oder sind sie nur Ausdruck einer oberflächlichen Befassung mit einem Modephilosophen? Können sie seine Philosophie einem breiteren, auch nicht-akademischen Publikum vermitteln und zu einem neuen, fachübergreifenden Diskurs zwischen Philosophie und Kunst beitragen? Das Nietzsche-Bildnis hat in der Kunst nach 1945 – analog zu den Umwertungen, die es in der philosophischen Rezeptionsgeschichte erfuhr –, eine Transfiguration vom Mythos zum Menschen durchlaufen, die mit den jüngsten KI-Bilderfindungen noch nicht an ihr Ende gekommen zu sein scheint: Nietzsche forever?

Friedrich Nietzsches Transfigurationen in der zeitgenössischen Kunst

Nietzsche forever?

Rembrandt wurde zu Lebzeiten als Genie verehrt und hat seitdem Generationen von Künstlern und Kennern fasziniert. Sein Markenzeichen, die raue, pastose Pinselschrift, die einzigartige Lichtführung und Sensibilität wiesen nicht nur der Porträtkunst neue Wege. Der Band präsentiert den Großmeister des Goldenen Zeitalters der niederländischen Malerei.

Rembrandt wurde zu Lebzeiten als Genie verehrt und hat seitdem Generationen von Künstlern und Kennern fasziniert. Sein Markenzeichen, die raue, pastose Pinselschrift, die einzigartige Lichtführung und Sensibilität wiesen nicht nur der Porträtkunst neue Wege. Der Band präsentiert den Großmeister des Goldenen Zeitalters der niederländischen Malerei.

Rembrandt. Die Gemälde. 45th Ed

Karl-Heinz Rummeny. On ne part pas

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