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Karl-Heinz Rummeny. On ne part pas

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Männer, die sich lieben - Fotografien aus den Jahren 1850-1950 | Liebe, die Zeit und Grenzen überwindet

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Ein Jahrhundert Surrealismus - und das spektakuläre Zusammentreffen zweier IdeenweltenRendezvous der Träume ist der offizielle Katalog zur großen Ausstellung in der Hamburger Kunsthalle - eine kunsthistorisch bedeutende Begegnung zwischen internationalem Surrealismus und der deutschen Romantik. Die opulent bebilderte Publikation eröffnet neue Perspektiven auf zwei künstlerische Bewegungen, die durch Traum, Kosmos, Poesie und Revolte tief verbunden sind.<ul><li>Über 300 Abbildungen auf 344 Seiten - hochwertig gestaltet und umfassend dokumentiert</li> <li>Mit Werken von Dalí, Magritte, Max Ernst, Meret Oppenheim, Toyen, Klee u.¿v.¿a.</li> <li>Konfrontation mit der deutschen Romantik - u.¿a. Caspar David Friedrich und Philipp Otto Runge</li> <li>Fundierte Essays renommierter Autor*innen zur künstlerischen Wahlverwandtschaft von Romantik und Surrealismus</li> <li>Kooperation mit dem Centre Pompidou, Paris - ein europäisches Ausstellungsprojekt zur Jahrhundertfeier des Surrealismus</li> </ul> Der Surrealismus, vor 100 Jahren in Paris entstanden, verstand sich als radikaler Bruch mit rationalen Ordnungen - zugleich aber auch als Fortführung romantischer Ideen von innerer Vision, Natur und Transzendenz. Die Ausstellung und dieser Katalog zeigen eindrucksvoll, wie eng Traum und Geschichte, Poesie und Politik, Vergangenheit und Zukunft miteinander verwoben sind.

Die Ausstellung entsteht in Kooperation mit dem Centre Pompidou, Paris. Sie bietet einen einen besonderen inhaltlichen Schwerpunkt innerhalb der europäischen Jahrhundertfeier des Surrealismus.

Ein Jahrhundert Surrealismus – und das spektakuläre Zusammentreffen zweier IdeenweltenRendezvous der Träume ist der offizielle Katalog zur großen Ausstellung in der Hamburger Kunsthalle – eine kunsthistorisch bedeutende Begegnung zwischen internationalem Surrealismus und der deutschen Romantik. Die opulent bebilderte Publikation eröffnet neue Perspektiven auf zwei künstlerische Bewegungen, die durch Traum, Kosmos, Poesie und Revolte tief verbunden sind.<ul><li>Über 300 Abbildungen auf 344 Seiten – hochwertig gestaltet und umfassend dokumentiert</li><li>Mit Werken von Dalí, Magritte, Max Ernst, Meret Oppenheim, Toyen, Klee u. v. a.</li><li>Konfrontation mit der deutschen Romantik – u. a. Caspar David Friedrich und Philipp Otto Runge</li><li>Fundierte Essays renommierter Autor*innen zur künstlerischen Wahlverwandtschaft von Romantik und Surrealismus</li><li>Kooperation mit dem Centre Pompidou, Paris – ein europäisches Ausstellungsprojekt zur Jahrhundertfeier des Surrealismus</li></ul>Der Surrealismus, vor 100 Jahren in Paris entstanden, verstand sich als radikaler Bruch mit rationalen Ordnungen – zugleich aber auch als Fortführung romantischer Ideen von innerer Vision, Natur und Transzendenz. Die Ausstellung und dieser Katalog zeigen eindrucksvoll, wie eng Traum und Geschichte, Poesie und Politik, Vergangenheit und Zukunft miteinander verwoben sind.Die Ausstellung entsteht in Kooperation mit dem Centre Pompidou, Paris. Sie bietet einen einen besonderen inhaltlichen Schwerpunkt innerhalb der europäischen Jahrhundertfeier des Surrealismus.

Surrealismus und deutsche Romantik

Rendezvous der Träume

Diese inspirierende Sammlung von fünf Bänden ist sowohl eine Einführung in die wohl populärste Kunstgattung aller Zeiten als auch eine Würdigung von Werk, Leben und Wirkung von fünf wichtigen Impressionisten. Jeder der vorgestellten Künstler hat auf unterschiedliche Weise Grenzen überschritten und die Gesellschaft des späten 19. Jahrhunderts mit kühnen Visionen und Techniken in Erstaunen versetzt. Edgar Degas erforschte Bewegung und die menschliche Gestalt auf virtuose Weise mit innovativen Kompositionen, die vor allem Tänzer, Rennpferde und belebte Straßen zeigen. Claude Monet war ein Meister des Lichts und der Atmosphäre, der mit seinen ikonischen Seerosen und Gemäldeserien den flüchtigen Moment einfing. Pierre-Auguste Renoir zelebrierte Schönheit und Sinnlichkeit und verlieh alltäglichen Szenen mit üppigen Pinselstrichen und einer strahlenden Farbpalette Lebendigkeit. Paul Gauguin suchte Inspiration im Exotischen und verwendete kräftige Farben und symbolische Elemente, oft mit verstörender Wirkung. Vincent van Gogh schließlich drückte mit seiner emotionalen Farbgebung und seinen kraftvollen Pinselstrichen seine inneren Konflikte aus und legte damit den Grundstein für den Expressionismus. Gemeinsam haben diese fünf kreativen Meister die Grenzen der Kunst neu definiert und neben der Erforschung von Licht, Farbe und Perspektive auch den persönlichen Ausdruck in den Vordergrund gestellt. Ihr Schaffen markierte einen entscheidenden Wandel hin zu moderner künstlerischer Freiheit und neuen Erwartungen. Diese Sammlung geht über ihre berühmtesten Werke hinaus und enthält einen umfangreichen Text zum Œuvre jedes Künstlers sowie eine ausführliche Biografie und mehr als 400 hochwertige Farbabbildungen.

Five in One. Impresionismo

Das Deutsche Elfenbeinmuseum präsentiert wunderbare Erzeugnisse der Schnitzkunst aus rund 200 Jahren am historischen Ort in Schloss Erbach. Die visuelle Inszenierung stellt einen Meilenstein in der modernen Museumsgestaltung dar. Ein exzellent fotografierter Band mit wegweisenden Texten zur Zukunft des Museums. Der universal gebildete, der Aufklärung huldigende Graf Franz I. im südhessischen Odenwald führte als Teil seiner umfassenden Sozialreformen zu Beginn des 19. Jahrhunderts die Elfenbeinschnitzerei als radikale, in die Zukunft gerichtete Erwerbsquelle für seine Bauern ein. In den Glanzzeiten haben bis zu 5.000 Menschen in der Elfenbeinbearbeitung in Erbach gearbeitet und bis zur Ächtung des Elfenbeins in den 1980er-Jahren weltweit anerkannte Kunstwerke geschaffen. Die topmoderne Neupräsentation der Elfenbeine im historischen Schloss ist von höchster ästhetischer, sehr ungewöhnlicher Qualität. Die Werke scheinen in den präzise ausgeleuchteten dunklen Räumen zu schweben und ziehen den Betrachter in den Bann.

Das Deutsche Elfenbeinmuseum präsentiert wunderbare Erzeugnisse der Schnitzkunst aus rund 200 Jahren am historischen Ort in Schloss Erbach. Die visuelle Inszenierung stellt einen Meilenstein in der modernen Museumsgestaltung dar. Ein exzellent fotografierter Band mit wegweisenden Texten zur Zukunft des Museums.Der universal gebildete, der Aufklärung huldigende Graf Franz I. im südhessischen Odenwald führte als Teil seiner umfassenden Sozialreformen zu Beginn des 19. Jahrhunderts die Elfenbeinschnitzerei als radikale, in die Zukunft gerichtete Erwerbsquelle für seine Bauern ein. In den Glanzzeiten haben bis zu 5.000 Menschen in der Elfenbeinbearbeitung in Erbach gearbeitet und bis zur Ächtung des Elfenbeins in den 1980er-Jahren weltweit anerkannte Kunstwerke geschaffen. Die topmoderne Neupräsentation der Elfenbeine im historischen Schloss ist von höchster ästhetischer, sehr ungewöhnlicher Qualität. Die Werke scheinen in den präzise ausgeleuchteten dunklen Räumen zu schweben und ziehen den Betrachter in den Bann.

Glanzstücke - Deutsches Elfenbeinmuseum Schloss Erbach

Plastiken zweier beeindruckender Künstler:innen, beide von Rodin inspiriert, treten aus dem Schatten des großen Vorbilds heraus: Camille Claudels (1864-1943) und Bernhard Hoetgers (1874-1949) Werke ebnen der Skulptur den Weg in die Moderne. Künstlerische Freiheiten der Avantgarde etwa des aufblühenden Art Nouveau werden in neuen Formen und Ideale sichtbar. 
 Was vereint die Kunst von Claudel und Hoetger? Nach ihrer gemeinsamen Ausstellung 1905 in Paris, der damals international Drehscheibe künstlerischer Transformation, bringt der Band die Kunst der beiden 120 Jahre später wieder zusammen. Der reich illustrierte Band präsentiert das Aufeinandertreffen der Bildhauer:innen in der Kunstszene Frankreichs am Beginn der Moderne. Ihr Experimentieren mit neuen Materialien und Techniken ermöglicht das Ausbrechen aus etablierten Mustern des Kunstschaffens.

Plastiken zweier beeindruckender Künstler:innen, beide von Rodin inspiriert, treten aus dem Schatten des großen Vorbilds heraus: Camille Claudels (1864-1943) und Bernhard Hoetgers (1874-1949) Werke ebnen der Skulptur den Weg in die Moderne. Künstlerische Freiheiten der Avantgarde etwa des aufblühenden Art Nouveau werden in neuen Formen und Ideale sichtbar.
 Was vereint die Kunst von Claudel und Hoetger? Nach ihrer gemeinsamen Ausstellung 1905 in Paris, der damals international Drehscheibe künstlerischer Transformation, bringt der Band die Kunst der beiden 120 Jahre später wieder zusammen. Der reich illustrierte Band präsentiert das Aufeinandertreffen der Bildhauer:innen in der Kunstszene Frankreichs am Beginn der Moderne. Ihr Experimentieren mit neuen Materialien und Techniken ermöglicht das Ausbrechen aus etablierten Mustern des Kunstschaffens.

Im Brennglas der Moderne - Skulpturen voll Vitalität und Strahlkraft!

Camille Claudel und Bernhard Hoetger - Emanzipation von Rodin

The term "migration of form" describes a curatorial method that takes aim at the contradictions of the Western museum traditions and the ways exhibitions have been conceived and designed. The method addresses transcultural entanglements in the past and present from which objects emerge, rather than working with distinctions such as art and non-art or cultural identities and concepts such as "Africa" or "Renaissance." It proposes a new type of museum for global audiences that serves as a platform for discourses on urgent sociopolitical topics and as a space of experimentation with new ideas and forms of display.This book explains and applies the "migration of form" by offering insights into the curatorial method Roger M. Buergel has experimented with at Zurich's Johann Jacobs Museum and other venues in Europe and Asia. Descriptions of single exhibitions on global trade, raw materials, or artists such as Maya Deren and Allan Sekula are complemented by concise texts which illuminate the theoretical foundations of the curatorial process. Richly illustrated, the volume invites a timely and broadened view of art and cultural history.

How can exhibitions contribute to a broader understanding of the complex global entanglements that shape our world and life?

Ausstellungen für die globale Gegenwart

Migration of Form

Ein geheimnisvolles Raumschiff schwebt über der Wiese, ein Baum läuft plötzlich davon, ein Haus beginnt zu sprechen, einfach so ... Was passiert hier? Genau das zu beantworten ist beim Betrachten jedem und jeder selbst überlassen. 33 Anfänge, abwechselnd in Wort und Bild, warten hier darauf, weitererzählt zu werden. So lädt dieses Buch also ein, in andere Welten einzutauchen, ausgehend von einer Idee selbst zu bestimmen, wohin die Reise gehen könnte, welche Begegnungen, welche Erlebnisse stattfinden werden. Um dann vielleicht, ausgehend vom gleichen Anfang, das nächste Mal ganz woanders hinzuwandern ...
Heinz Janisch, dem selbst "nichts zu klein ist, um Anfang einer Geschichte zu werden", führt uns hier liebevoll ins Abenteuer "Erzählen". Bietet dafür überraschende, vielversprechende, fantasievolle Ideen, macht die Türen weit auf, lässt frische Luft in unsere Hirne strömen und fordert uns charmant heraus.
Michael Roher hat sich erlaubt, 16 dieser Anfänge rein im Bild darzustellen, kreiert fantastische Umgebungen, die man nur zu gern sofort betreten, und Personen, die man gerne näher kennenlernen möchte. Nimmt uns kunstvoll mit zum Lampenfieber auf die Bühne, zum mühsamen Balancieren im Sturm oder zum aufgeregten Kribbeln bei einem Fußballspiel. 
Ein Buch voller Geschichten, die nur darauf warten, erzählt zu werden.

Ein geheimnisvolles Raumschiff schwebt über der Wiese, ein Baum läuft plötzlich davon, ein Haus beginnt zu sprechen, einfach so … Was passiert hier? Genau das zu beantworten ist beim Betrachten jedem und jeder selbst überlassen. 33 Anfänge, abwechselnd in Wort und Bild, warten hier darauf, weitererzählt zu werden. So lädt dieses Buch also ein, in andere Welten einzutauchen, ausgehend von einer Idee selbst zu bestimmen, wohin die Reise gehen könnte, welche Begegnungen, welche Erlebnisse stattfinden werden. Um dann vielleicht, ausgehend vom gleichen Anfang, das nächste Mal ganz woanders hinzuwandern …
Heinz Janisch, dem selbst „nichts zu klein ist, um Anfang einer Geschichte zu werden“, führt uns hier liebevoll ins Abenteuer „Erzählen“. Bietet dafür überraschende, vielversprechende, fantasievolle Ideen, macht die Türen weit auf, lässt frische Luft in unsere Hirne strömen und fordert uns charmant heraus.
Michael Roher hat sich erlaubt, 16 dieser Anfänge rein im Bild darzustellen, kreiert fantastische Umgebungen, die man nur zu gern sofort betreten, und Personen, die man gerne näher kennenlernen möchte. Nimmt uns kunstvoll mit zum Lampenfieber auf die Bühne, zum mühsamen Balancieren im Sturm oder zum aufgeregten Kribbeln bei einem Fußballspiel. 
Ein Buch voller Geschichten, die nur darauf warten, erzählt zu werden.

Auszeichnung:
ORF-KIDS Bestenliste Juli 2025 - Platz 1

33 Einladungen zum Weiterdenken. Auf jeder Seite eine ganze Geschichte – 33 Sätze und Bilder, die zum Fabulieren, Erzählen, Fantasieren und Träumen anregen

Das Buch der Anfänge

In fünfzig Jahren hat die amerikanische Künstlerin Linda Lighton ein umfangreiches Werk geschaffen. Ihre subversiven Keramikskulpturen ergründen mit Witz und Verführung die Beziehungen zwischen Sex, Macht und Politik sowie die Vielschichtigkeit des Begehrens. Der monografische Katalog ist die erste umfassende Übersicht über ihre Arbeit. 
 Die reich bebilderte Monografie gibt einen Überblick über Lightons Karriere und zeigt, wie die Künstlerin mit ihrem originellen und oft rebellischen Werk die Grenzen der Keramikskulptur verschiebt. Begleitet von neuen fachlichen Erkenntnissen zu ihrer Praxis, stellt die vorliegende Publikation ihre Skulpturen − die in einer feministischen Bildsprache soziale Themen wie Waffengewalt, Umweltzerstörung und Genderkonformität vorbringen − in den Kontext breiterer kunsthistorischer Entwicklungen.

Linda Lighton - A Fifty Year Survey, 1975-2025

Rather than a monograph, a drawing of one, Alia Ali presents with this book a multi-graph, a drawing of many. Ali deconstructs artificial binaries to examine inherited political narratives-diaspora, identity, borders-through the lens of photography, language, textile, and architectural installations. A map of patterns emerges, interwoven with artist statements, research images, exchanges with collaborators, and fragments of her journals. Words and images draw us simultaneously into the micro musings of the artist's mind and zoom out to a macro reflection of the global and communal nature of the artist's practice. Ali's multi-graph is a textural experience in which each page is folded upon itself, leaving one wondering at what is invisible in plain sight.This extraordinary book also impresses with its special form of Japanese binding.&nbsp;Alia Ali (*1985, Austria) is a Yemeni-Bosnian-American multimedia artist who lives and works in New Orleans, Paris, Marrakech, and Jaipur. Her interdisciplinary works combine photography, textiles, language, and installations to challenge cultural identities and political narratives. Ali's works have been exhibited worldwide and are renowned for their vibrant patterns, profound themes, and innovative artistic approaches that transcend the boundaries between tradition and modernity.

Rather than a monograph, a drawing of one, Alia Ali presents with this book a multi-graph, a drawing of many. Ali deconstructs artificial binaries to examine inherited political narratives—diaspora, identity, borders—through the lens of photography, language, textile, and architectural installations. A map of patterns emerges, interwoven with artist statements, research images, exchanges with collaborators, and fragments of her journals. Words and images draw us simultaneously into the micro musings of the artist’s mind and zoom out to a macro reflection of the global and communal nature of the artist’s practice. Ali’s multi-graph is a textural experience in which each page is folded upon itself, leaving one wondering at what is invisible in plain sight.This extraordinary book also impresses with its special form of Japanese binding.&nbsp;Alia Ali (*1985, Austria) is a Yemeni-Bosnian-American multimedia artist who lives and works in New Orleans, Paris, Marrakech, and Jaipur. Her interdisciplinary works combine photography, textiles, language, and installations to challenge cultural identities and political narratives. Ali’s works have been exhibited worldwide and are renowned for their vibrant patterns, profound themes, and innovative artistic approaches that transcend the boundaries between tradition and modernity.

One Of Many

alia ali

Munch-Museum, Oslo

Vom Gemälde zum Global Icon - die Kulturgeschichte von Munchs Der SchreiEdvard Munchs Der Schrei ist weit mehr als ein expressionistisches Meisterwerk - es ist ein globales Sinnbild für Angst, Protest und Popkultur. Dieses reich bebilderte Buch erzählt die Geschichte hinter dem berühmten Motiv, seine künstlerischen Ursprünge und seine erstaunliche Karriere in der Alltagskultur des 20. und 21. Jahrhunderts. Ein besonderes gestalterisches Highlight ist der Papierwechsel zwischen den drei Kapiteln, der nicht nur visuelle, sondern auch haptische Kontraste schafft<ul><li>Die Entstehung von Der Schrei - historisch fundiert und bildreich erzählt</li><li>Mit Werken von Andy Warhol, Francis Bacon, Louise Bourgeois u.a.</li><li>Visuelle Zeitreise durch Kunst, Plakatkultur, Comics und digitale Medien</li><li>Besonderes Gestaltungskonzept: Drei Kapitel, drei Papierarten, drei Zugänge</li></ul>Ein Muss für alle, die Kunst, Kulturgeschichte und visuelle Phänomene mit Tiefgang und Witz entdecken möchten.EDVARD MUNCH (1863-1944) war einer der bedeutendsten Künstler der Moderne und prägt bis heute die internationale Kunstwelt. Berühmt für sein ikonisches Gemälde "Der Schrei", ging sein Schaffen weit über die Malerei hinaus: Munch arbeitete intensiv mit Grafik, Zeichnung, Skulptur, Fotografie und Film. Seine Werke sind Ausdruck existenzieller Themen wie Angst, Liebe, Tod und Identität - und haben ihm eine einzigartige Stellung in der norwegischen sowie internationalen Kunstgeschichte eingebracht.&nbsp;Als Wegbereiter des Expressionismus beeinflusste Edvard Munch Generationen von Künstler:innen weltweit. Seine kraftvolle Bildsprache, emotionale Tiefe und stilistische Vielseitigkeit machen ihn zu einer Schlüsselfigur der modernen Kunst. Ob auf Leinwand, Papier oder Zelluloid - Munchs Werk ist ein beeindruckendes Zeugnis künstlerischer Grenzüberschreitung und emotionaler Radikalität.

Vom Gemälde zum Global Icon – die Kulturgeschichte von Munchs Der SchreiEdvard Munchs Der Schrei ist weit mehr als ein expressionistisches Meisterwerk – es ist ein globales Sinnbild für Angst, Protest und Popkultur. Dieses reich bebilderte Buch erzählt die Geschichte hinter dem berühmten Motiv, seine künstlerischen Ursprünge und seine erstaunliche Karriere in der Alltagskultur des 20. und 21. Jahrhunderts. Ein besonderes gestalterisches Highlight ist der Papierwechsel zwischen den drei Kapiteln, der nicht nur visuelle, sondern auch haptische Kontraste schafft<ul><li>Die Entstehung von Der Schrei – historisch fundiert und bildreich erzählt</li><li>Mit Werken von Andy Warhol, Francis Bacon, Louise Bourgeois u.a.</li><li>Visuelle Zeitreise durch Kunst, Plakatkultur, Comics und digitale Medien</li><li>Besonderes Gestaltungskonzept: Drei Kapitel, drei Papierarten, drei Zugänge</li></ul>Ein Muss für alle, die Kunst, Kulturgeschichte und visuelle Phänomene mit Tiefgang und Witz entdecken möchten.EDVARD MUNCH (1863–1944) war einer der bedeutendsten Künstler der Moderne und prägt bis heute die internationale Kunstwelt. Berühmt für sein ikonisches Gemälde "Der Schrei", ging sein Schaffen weit über die Malerei hinaus: Munch arbeitete intensiv mit Grafik, Zeichnung, Skulptur, Fotografie und Film. Seine Werke sind Ausdruck existenzieller Themen wie Angst, Liebe, Tod und Identität – und haben ihm eine einzigartige Stellung in der norwegischen sowie internationalen Kunstgeschichte eingebracht.&nbsp;Als Wegbereiter des Expressionismus beeinflusste Edvard Munch Generationen von Künstler:innen weltweit. Seine kraftvolle Bildsprache, emotionale Tiefe und stilistische Vielseitigkeit machen ihn zu einer Schlüsselfigur der modernen Kunst. Ob auf Leinwand, Papier oder Zelluloid – Munchs Werk ist ein beeindruckendes Zeugnis künstlerischer Grenzüberschreitung und emotionaler Radikalität.

Das Motiv in Kunst und Popkultur

Edvard Munch: Der Schrei

45th Edition

Rembrandt wurde zu Lebzeiten als Genie verehrt und hat seitdem Generationen von Künstlern und Kennern fasziniert. Sein Markenzeichen, die raue, pastose Pinselschrift, die einzigartige Lichtführung und Sensibilität wiesen nicht nur der Porträtkunst neue Wege. Der Band präsentiert den Großmeister des Goldenen Zeitalters der niederländischen Malerei.

Rembrandt. Las pinturas. 45th Ed

Two of the most dynamic minds in art history-Leonardo da Vinci and Marcel Duchamp-are separated by almost five hundred years. Mirror Image: Marcel Duchamp and Leonardo da Vinci brings these visionaries together in this groundbreaking publication by Donald Shambroom, accompanying an exhibition at Sean Kelly, New York. Mirror Image follows Duchamp through Paris, Munich, and New York to Renaissance Italy via the writings of Leonardo and into an artistic practice that would change art as we know it. This volume uncovers da Vinci's unlikely yet undeniable influence on Duchamp's revolutionary practice through comparisons of da Vinci's texts and Duchamp's notes alongside visual analyses of their works, offering a new narrative connecting two titans of art.Donald Shambroom is an artist and writer with work in the collections of the Museum of Fine Arts, Boston and the Metropolitan Museum of Art, New York. He studied philosophy and painting at Yale University. Shambroom lives and works in Massachusetts.

Marcel Duchamp and Leonardo Da Vinci

Mirror Image

Karl-Heinz Rummeny. On ne part pas

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