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Karl-Heinz Rummeny. On ne part pas

Midas Collection

Wie das Balloon Girl die Welt eroberte: Banksy Street Art - der umfassende Überblick

Wer seine Kunst sehen will, muss schnell sein: Viele der Graffitis wurden bereits übermalt. Xavier Tapies hat sich deswegen auf Spurensuche begeben. In seinem Buch zeigt er nicht nur die berühmten Banksy Bilder, die zu Touristenattraktionen wurden, sondern auch solche, die für immer verloren sind - eine einmalige Möglichkeit, Banksys Werke zu entdecken!

Von Banksys Ratte zu "Son of a Syrian Refugee (Steve Jobs)": seine Entwicklung als Künstler und seine politischen Botschaften

Wie alles begann: "Mild, mild West" und "Kissing Coppers" - die frühen Graffitis

Die Banksy-Weltkarte: Welches Banksy Graffiti befindet sich wo? Was geschah mit den Bildern und welche sind noch zu sehen?

Banksy komplett: Erweiterte Neuauflage incl. der Bilder aus der Ukraine

Großformatiger Bildband mit Leinen-Einband, der jedes Kunstwerk auf einer Doppelseite analysiert

Banksy - so wurde er zum einflussreichsten Street Artist unserer Zeit

Es begann Anfang 2000: Die ersten Werke erschienen über Nacht an Hauswänden in Bristol. Bald folgten Graffitis in London und Los Angeles, dann in Berlin, Paris und Jerusalem.

Doch wer ist Banksy? Ein einzelner Mensch oder eine Gruppe von Street Art Künstlern? Müssen wir das Rätsel Banksy überhaupt lösen? Dass seine Graffitis wie von Geisterhand über Nacht in den Metropolen der Welt erscheinen, ist genauso Teil seiner Kunst wie die Anonymität des Künstlers.

Banksys Urban Art ist durch und durch politisch. Er ist ein Provokateur, der brennende Statements für eine bessere Welt im öffentlichen Raum anbringt. Er greift an, amüsiert und dringt so zu uns durch. Mit diesem Bildband können Sie die Bandbreite seines Werkes und die Wucht seiner Botschaften entdecken!

»Kunst sollte den Verstörten Frieden bringen und die Zufriedenen verstören.« BANKSY

Wie das Balloon Girl die Welt eroberte: Banksy Street Art – der umfassende Überblick

Wer seine Kunst sehen will, muss schnell sein: Viele der Graffitis wurden bereits übermalt. Xavier Tapies hat sich deswegen auf Spurensuche begeben. In seinem Buch zeigt er nicht nur die berühmten Banksy Bilder, die zu Touristenattraktionen wurden, sondern auch solche, die für immer verloren sind – eine einmalige Möglichkeit, Banksys Werke zu entdecken!

Von Banksys Ratte zu „Son of a Syrian Refugee (Steve Jobs)“: seine Entwicklung als Künstler und seine politischen Botschaften

Wie alles begann: „Mild, mild West“ und „Kissing Coppers“ – die frühen Graffitis

Die Banksy-Weltkarte: Welches Banksy Graffiti befindet sich wo? Was geschah mit den Bildern und welche sind noch zu sehen?

Banksy komplett: Erweiterte Neuauflage incl. der Bilder aus der Ukraine

Großformatiger Bildband mit Leinen-Einband, der jedes Kunstwerk auf einer Doppelseite analysiert

Banksy – so wurde er zum einflussreichsten Street Artist unserer Zeit

Es begann Anfang 2000: Die ersten Werke erschienen über Nacht an Hauswänden in Bristol. Bald folgten Graffitis in London und Los Angeles, dann in Berlin, Paris und Jerusalem.

Doch wer ist Banksy? Ein einzelner Mensch oder eine Gruppe von Street Art Künstlern? Müssen wir das Rätsel Banksy überhaupt lösen? Dass seine Graffitis wie von Geisterhand über Nacht in den Metropolen der Welt erscheinen, ist genauso Teil seiner Kunst wie die Anonymität des Künstlers.

Banksys Urban Art ist durch und durch politisch. Er ist ein Provokateur, der brennende Statements für eine bessere Welt im öffentlichen Raum anbringt. Er greift an, amüsiert und dringt so zu uns durch. Mit diesem Bildband können Sie die Bandbreite seines Werkes und die Wucht seiner Botschaften entdecken!

»Kunst sollte den Verstörten Frieden bringen und die Zufriedenen verstören.« BANKSY

BANKSY PROVOKATION

The time around 1910 has entered art history as the moment when «abstraction was invented». However, where and when works of non-figurative art became present in the public eye has been afforded little attention to date. Exhibiting Abstraction is the first publication to be devoted entirely to the presentation of abstract art between 1908 and 1915. It uncovers strategies for the dissemination of early abstract painting in exhibitions with the aid of a register of exhibited works by Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Wassily Kandinsky, Frantisek Kupka, Kazimir Malevich, Piet Mondrian and Francis Picabia shown to the public within this period, and an analysis of the artists’ exhibition activities. The key role played by art exhibitions in the works’ introduction and dissemination is highlighted.

Strategies in the Propagation of an Avant-garde 1908–1915

Exhibiting Abstraction

SENSUAL AND RADICAL: THE PIONEER LYGIA CLARK
Brazilian artist Lygia Clark (1920-1988) stands as one of the most influential figures in 20th-century art, celebrated as a radical re-definer of the very concept of art. This publication makes her complete works accessible for a wider audience. In the 1960s, Clark developed interactive objects that take on form and meaning through the viewer's active engagement. She conceived of art as a participatory, sensory, and sometimes healing experience. This comprehensive volume renders her groundbreaking work tangible in its full scope - from her geometric-abstractions and participatory sculptures to her performative and therapeutic pieces.
- The most significant Brazilian artist of the postwar era
- First retrospective in Germany and Switzerland
- Richly illustrated overview of her influential body of work
- Exquisite cloth-bound design and foil embossing
- Exhibition at the Neue Nationalgalerie, Berlin: May 23 to October 12, 2025; Kunsthaus Zürich: November 14, 2025, to March 8, 2026

BEYOND THE BOUNDARIES OF ART
Clark was one of the founders and leading figures of Brazilian Neoconcretismo. Alongside Lygia Pape and Hélio Oiticica, she was a key figure in contemporary Brazilian art. Her work was closely linked with European modernism, while simultaneously emancipating itself from it. She abandoned painting early on to experiment with small, movable sculptures. Later, she created objects to be worn like clothing, allowing people to engage and "explore the skin of the other". She redefined the viewer's role to one of active participation. Her works engage all the senses and aim for a communal artistic experience. Clark has a central role in current discussions on abstraction, participation, and therapeutic artistic practice. Her legacy profoundly influenced 20th-century art and serves as an important reference for contemporary art that questions the boundaries of conventional art forms. Today, her works can be found in the world's most significant museums.

A COMPLETE OVERVIEW OF HER WORKS
This extensive publication accompanying the major retrospective offers an accessible and thorough overview of Lygia Clark's trailblazing artistic practice. It presents the evolution of Clark's work from 1950 through the 1980s, covering her geometric-abstractions, participatory sculptures, and performative, therapeutic pieces.
Edited by Irina Hiebert Grun and Maike Steinkamp for the National Museums in Berlin. In collaboration with Cathérine Hug from Kunsthaus Zürich.

SENSUAL AND RADICAL: THE PIONEER LYGIA CLARK
Brazilian artist Lygia Clark (1920–1988) stands as one of the most influential figures in 20th-century art, celebrated as a radical re-definer of the very concept of art. This publication makes her complete works accessible for a wider audience. In the 1960s, Clark developed interactive objects that take on form and meaning through the viewer’s active engagement. She conceived of art as a participatory, sensory, and sometimes healing experience. This comprehensive volume renders her groundbreaking work tangible in its full scope – from her geometric-abstractions and participatory sculptures to her performative and therapeutic pieces.
-	The most significant Brazilian artist of the postwar era
-	First retrospective in Germany and Switzerland
-	Richly illustrated overview of her influential body of work
-	Exquisite cloth-bound design and foil embossing
-	Exhibition at the Neue Nationalgalerie, Berlin: May 23 to October 12, 2025; Kunsthaus Zürich: November 14, 2025, to March 8, 2026

BEYOND THE BOUNDARIES OF ART
Clark was one of the founders and leading figures of Brazilian Neoconcretismo. Alongside Lygia Pape and Hélio Oiticica, she was a key figure in contemporary Brazilian art. Her work was closely linked with European modernism, while simultaneously emancipating itself from it. She abandoned painting early on to experiment with small, movable sculptures. Later, she created objects to be worn like clothing, allowing people to engage and “explore the skin of the other”. She redefined the viewer’s role to one of active participation. Her works engage all the senses and aim for a communal artistic experience. Clark has a central role in current discussions on abstraction, participation, and therapeutic artistic practice. Her legacy profoundly influenced 20th-century art and serves as an important reference for contemporary art that questions the boundaries of conventional art forms. Today, her works can be found in the world’s most significant museums.

A COMPLETE OVERVIEW OF HER WORKS
This extensive publication accompanying the major retrospective offers an accessible and thorough overview of Lygia Clark’s trailblazing artistic practice. It presents the evolution of Clark’s work from 1950 through the 1980s, covering her geometric-abstractions, participatory sculptures, and performative, therapeutic pieces.
Edited by Irina Hiebert Grun and Maike Steinkamp for the National Museums in Berlin. In collaboration with Cathérine Hug from Kunsthaus Zürich.

Retrospective

Lygia Clark (engl. Ausgabe)

SINNLICH UND RADIKAL: DIE PIONIERIN LYGIA CLARK
Die Brasilianerin Lygia Clark (1920-1988) ist eine der einflussreichsten Künstler:innen der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts und gilt als radikale Erneuerin des Kunstbegriffs. Diese Publikation macht ihr Gesamtwerk erstmals einem deutschsprachigen Publikum zugänglich. Clark entwickelte in den 1960ern interaktive Objekte, die Form und Sinn erhalten, wenn die Betrachtenden mit ihnen in Beziehung treten. Kunst begriff sie als partizipatives, sinnliches, mitunter heilendes Erlebnis. Hier wird ihre bahnbrechende Arbeit in ihrem ganzen Umfang greifbar - von ihren geometrisch-abstrakten Bildern über ihre partizipativ angelegten Skulpturen bis hin zu ihren performativen, therapeutischen Arbeiten.

- die wichtigste brasilianische Künstlerin der Nachkriegsära
- erste Retrospektive in Deutschland und der Schweiz
- reich bebilderter Überblick über ihr einflussreiches Gesamtwerk
- edle Ausstattung mit Leineneinband und Folienprägung
- Ausstellung in der Neuen Nationalgalerie: 23.05. bis 12.10.2025; Kunsthaus Zürich: 14.11.2025 bis 08.03.2026

JENSEITS DER GRENZEN DER KUNST
Clark war eine der Mitbegründerinnen und Hauptvertreterinnen des brasilianischen Neoconcretismo. Zusammen mit Lygia Pape und Hélio Oiticica zählte sie zu den Schlüsselfiguren zeitgenössischer Kunst in Brasilien. Mit ihren Arbeiten stand sie in enger Verbindung zur europäischen Moderne und emanzipierte sich gleichzeitig von ihr. Von der Malerei wandte sie sich früh ab und experimentierte zunächst mit handlichen, beweglichen Skulpturen. Später entwickelte sie Objekte, die wie Kleidungsstücke angezogen werden konnten und dazu dienten, in der "Haut des Anderen" sein Gegenüber zu erkunden. Die Künstlerin veränderte die Rolle der Betrachtenden hin zu ihrer aktiven Beteiligung. Ihre Werke sprechen alle Sinne an und zielen auf eine gemeinschaftsstiftende Kunsterfahrung. Clark spielt eine zentrale Rolle für aktuelle Diskurse über Abstraktion, Partizipation und eine therapeutische Kunstpraxis. Ihr Erbe hat die Kunst des 20. Jahrhunderts tief geprägt und ist eine wichtige Referenz für zeitgenössische Kunst, die sich mit den Grenzen der konventionellen Kunstformen auseinandersetzt. Heute finden sich ihre Werke in den bedeutendsten Museen der Welt.

ÜBERBLICK ÜBER DAS GESAMTWERK
Die umfassende Publikation zur großen Retrospektive präsentiert die bahnbrechende künstlerische Praxis Lygia Clarks in einer zugänglichen und umfassenden Übersicht. Vorgestellt wird die gesamte Werkentwicklung Clarks ab 1950 bis in die 1980er Jahre, angefangen von ihren geometrisch-abstrakten Bildern über ihre partizipativ angelegten Skulpturen bis hin zu ihren performativen, therapeutischen Arbeiten.
Herausgegeben für die Staatlichen Museen zu Berlin von Irina Hiebert Grun und Maike Steinkamp. In Zusammenarbeit mit Cathérine Hug vom Kunsthaus Zürich.

SINNLICH UND RADIKAL: DIE PIONIERIN LYGIA CLARK
Die Brasilianerin Lygia Clark (1920–1988) ist eine der einflussreichsten Künstler:innen der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts und gilt als radikale Erneuerin des Kunstbegriffs. Diese Publikation macht ihr Gesamtwerk erstmals einem deutschsprachigen Publikum zugänglich. Clark entwickelte in den 1960ern interaktive Objekte, die Form und Sinn erhalten, wenn die Betrachtenden mit ihnen in Beziehung treten. Kunst begriff sie als partizipatives, sinnliches, mitunter heilendes Erlebnis. Hier wird ihre bahnbrechende Arbeit in ihrem ganzen Umfang greifbar – von ihren geometrisch-abstrakten Bildern über ihre partizipativ angelegten Skulpturen bis hin zu ihren performativen, therapeutischen Arbeiten.

-	die wichtigste brasilianische Künstlerin der Nachkriegsära
-	erste Retrospektive in Deutschland und der Schweiz
-	reich bebilderter Überblick über ihr einflussreiches Gesamtwerk
-	edle Ausstattung mit Leineneinband und Folienprägung
-	Ausstellung in der Neuen Nationalgalerie: 23.05. bis 12.10.2025; Kunsthaus Zürich: 14.11.2025 bis 08.03.2026

JENSEITS DER GRENZEN DER KUNST
Clark war eine der Mitbegründerinnen und Hauptvertreterinnen des brasilianischen Neoconcretismo. Zusammen mit Lygia Pape und Hélio Oiticica zählte sie zu den Schlüsselfiguren zeitgenössischer Kunst in Brasilien. Mit ihren Arbeiten stand sie in enger Verbindung zur europäischen Moderne und emanzipierte sich gleichzeitig von ihr. Von der Malerei wandte sie sich früh ab und experimentierte zunächst mit handlichen, beweglichen Skulpturen. Später entwickelte sie Objekte, die wie Kleidungsstücke angezogen werden konnten und dazu dienten, in der „Haut des Anderen“ sein Gegenüber zu erkunden. Die Künstlerin veränderte die Rolle der Betrachtenden hin zu ihrer aktiven Beteiligung. Ihre Werke sprechen alle Sinne an und zielen auf eine gemeinschaftsstiftende Kunsterfahrung. Clark spielt eine zentrale Rolle für aktuelle Diskurse über Abstraktion, Partizipation und eine therapeutische Kunstpraxis. Ihr Erbe hat die Kunst des 20. Jahrhunderts tief geprägt und ist eine wichtige Referenz für zeitgenössische Kunst, die sich mit den Grenzen der konventionellen Kunstformen auseinandersetzt. Heute finden sich ihre Werke in den bedeutendsten Museen der Welt.

ÜBERBLICK ÜBER DAS GESAMTWERK
Die umfassende Publikation zur großen Retrospektive präsentiert die bahnbrechende künstlerische Praxis Lygia Clarks in einer zugänglichen und umfassenden Übersicht. Vorgestellt wird die gesamte Werkentwicklung Clarks ab 1950 bis in die 1980er Jahre, angefangen von ihren geometrisch-abstrakten Bildern über ihre partizipativ angelegten Skulpturen bis hin zu ihren performativen, therapeutischen Arbeiten.
Herausgegeben für die Staatlichen Museen zu Berlin von Irina Hiebert Grun und Maike Steinkamp. In Zusammenarbeit mit Cathérine Hug vom Kunsthaus Zürich.

Retrospektive

Lygia Clark

Women Composers

Diese dreibändige Reihe mit Gitarrenmusik von Komponistinnen ist ein progressives Kompendium pädagogischer Literatur mit einem breiten Repertoire vom frühen 17. Jahrhundert bis heute. Zu jedem Stück haben die Herausgeberinnen kurze Anleitungen mit Tipps zur Einstudierung sowie biographische Notizen zu den Komponistinnen verfasst. Die Sammlung deckt alle Schwierigkeitsgrade von leicht (Band 1) über mittel (Band 2) bis schwer (Band 3) ab und ist für Unterricht und Konzert eine unentbehrliche Bereicherung. Neuentdeckungen sind garantiert! Die deutschen Originaltexte dieser englischen Ausgabe können mit einem im Band abgedruckten Code als PDF heruntergeladen werden.

 

Schwierigkeitsgrad: 1-2

Diese dreibändige Reihe mit Gitarrenmusik von Komponistinnen ist ein progressives Kompendium pädagogischer Literatur mit einem breiten Repertoire vom frühen 17. Jahrhundert bis heute. Zu jedem Stück haben die Herausgeberinnen kurze Anleitungen mit Tipps zur Einstudierung sowie biographische Notizen zu den Komponistinnen verfasst. Die Sammlung deckt alle Schwierigkeitsgrade von leicht (Band 1) über mittel (Band 2) bis schwer (Band 3) ab und ist für Unterricht und Konzert eine unentbehrliche Bereicherung. Neuentdeckungen sind garantiert! Die deutschen Originaltexte dieser englischen Ausgabe können mit einem im Band abgedruckten Code als PDF heruntergeladen werden.

 

Schwierigkeitsgrad: 1-2

A Graded Anthology for Guitar Vol. 1. Band 1. Gitarre

Mark Rothko (1903 - 1970) ist einer der beliebtesten Künstler des 20. Jahrhunderts, vor allem bekannt als Hauptvertreter des Abstrakten Expressionismus. Die faszinierende Rätselhaftigkeit seiner Bilder wurde dadurch befördert, dass der Künstler selbst zu Lebzeiten nur selten öffentlich Stellung zu seinem Werk bezog. 
 So war es eine kleine Sensation, als viele Jahre nach Rothkos Tod ein bislang unbekanntes Manuskript entdeckt wurde. Bei dem außergewöhnlichen Schriftstück mit dem Originaltitel «The Artist's Reality», das wohl um 1940/41 entstand, handelt es sich um Rothkos Kunstphilosophie. Der Text spiegelt die Auseinandersetzung des Malers mit zentralen Themen der Kunst und bietet einen interessanten Einblick in die Weltsicht des bildenden Künstlers. Reproduktionen der Originalseiten sowie eine Auswahl wichtiger Werke aus der Entstehungszeit des Manuskripts illustrieren den Band.

Eine kleine Sensation - Rothkos unbekanntes Manuskript Mark Rothko (1903 - 1970) ist einer der beliebtesten Künstler des 20. Jahrhunderts, vor allem bekannt als Hauptvertreter des Abstrakten Expressionismus. Die faszinierende Rätselhaftigkeit seiner Bilder wurde dadurch befördert, dass der Künstler selbst zu Lebzeiten nur selten öffentlich Stellung zu seinem Werk bezog. So war es eine kleine Sensation, als viele Jahre nach Rothkos Tod ein bislang unbekanntes Manuskript entdeckt wurde. Bei dem außergewöhnlichen Schriftstück mit dem Originaltitel «The Artist’s Reality», das wohl um 1940/41 entstand, handelt es sich um Rothkos Kunstphilosophie. Der Text spiegelt die Auseinandersetzung des Malers mit zentralen Themen der Kunst und bietet einen interessanten Einblick in die Weltsicht des bildenden Künstlers. Reproduktionen der Originalseiten sowie eine Auswahl wichtiger Werke aus der Entstehungszeit des Manuskripts illustrieren den Band.

Texte zur Malerei

Die Wirklichkeit des Künstlers

Heinrich Wölfflin Gesammelte Werke

In seiner Dürer-Monografie von 1905, die hier ediert wird, entwickelt Wölfflin eine Anleitung zum Sehen und Erkennen der neuen künstlerischen Möglichkeiten in der Malerei und Grafik des Künstlers. Wölfflin legt in seinem Dürer-Buch neue Möglichkeiten der Beschreibung dar. Dazu baute er das vergleichende Sehen und die differenzierte Beschreibung der Form zu einem Instrument der Analyse aus. Wölfflin definiert die neuen Ausdrucksmöglichkeiten Dürers in den unterschiedlichen Techniken Zeichnung, Malerei, Kupferstich und Holzschnitt. Seine Formanalysen liefern der Dürer-Forschung bis heute wichtige Anregungen. Für das Fach Kunstgeschichte entwickelte Wölfflin mit seiner Arbeit das vielfach verwendbare Instrument der analytischen Beschreibung, die von der Untersuchung der Form zu Begriffen führt. Der lebenslange freundschaftliche Wettbewerb von Wölfflin mit Erwin Panofsky über ihre Dürer-Arbeiten ist für die Rezeptionsgeschichte besonders wichtig.
In der Einleitung analysiert Oskar Bätschmann die Entstehung, die historischen Voraussetzungen, die Methode und die Rezeption der Arbeit. Die Ausgabe ist von einem kritischen Kommentar von Elena Filippi und Christine Grundig begleitet.&nbsp;

In seiner Monografie von 1905 entwickelt Heinrich Wölfflin eine Anleitung zur kunsthistorischen Anschauung der Malerei und Grafik des deutschen Renaissancekünstlers Albrecht Dürer. Die prägnanten Formanalysen, aus denen Wölfflin ästhetische Begriffe ableitet, stellen einen Ausgangspunkt für seine Kunstgeschichtlichen Grundbegriffe von 1915 dar.
Oskar Bätschmann analysiert in seiner Einleitung die Entstehung, die historischen Voraussetzungen und die Methode des Buches. Für dessen Rezeption spielt der freundschaftliche Wettbewerb mit Erwin Panofskys eigener Dürer-Forschung eine wichtige Rolle. Die Edition wird von einem historisch-kritischen Kommentar Elena Filippis begleitet sowie ergänzt von umfangreichem Archivmaterial, das Christine Grundig zusammengestellt hat. Die weitere redaktionelle und wissenschaftliche Bearbeitung besorgte Teresa Ende.

1905

Die Kunst Albrecht Dürers

Illustrierte Goya-Schätze

Ironisch, gefühlvoll, pointiert und melancholisch zeigen sich die Prosatexte und Gedichte des vielseitigen Publizisten der Weimarer Republik. Die abwechslungsreiche Zusammenstellung beleuchtet das umfassende Werk des großen Schriftstellers. So lernt man ihn als Theobald Tiger, Peter Panter, Ignaz Wrobel oder eben als Kurt Tucholsky kennen. Kurt Tucholskys Texte zeichnen sich durch die schillernde Vielseitigkeit, durch ihre raffinierte Schlichtheit und durch ihre komplexen, poetischen Formen aus. Begleitet von den fantastischen Illustrationen der vielfach ausgezeichneten Stefanie Harjes wird das Buch zu einem besonderen Genuss. Aus dem Inhalt: Der Pfau Was darf Satire? Heute zwischen Gestern und Morgen Ein Ehepaar erzählt einen Witz Krieg dem Kriege Augen in der Großstadt Rosen auf den Weg gestreut u. v. m.

Gedichte & Prosa

Auf tausend Straßen

Alfons Muchas Jugendstil-Plakatkunst. Feenhafte Frauen, zarte Farben und dekorative Ornamente. Erfreuen Sie sich jeden Tag an diesen zeitlosen Meisterwerken.

Alfons Mucha steht mit seiner unverwechselbaren Plakatkunst wie kein anderer für die Ära des Jugendstils, in der die Schönheit der Natur stilistisch neu interpretiert wurde. Seine eleganten Lithografien setzen feenhafte Frauen in Szene, die von typischen Symbolen der Epoche, zarten Farben und dekorativen Elementen aus dem Byzantinismus begleitet werden, und begeistern mit ihrem außergewöhnlichen Look seit über einem Jahrhundert immer wieder neue Generationen.<ul><li>Die eleganten Jugendstilmotive Muchas in dekorativen Ausschnitten</li><li>Kunst-Kalender im schlanken Hochformat: 33x66 cm</li><li>Hochwertiger Wandkalender mit 200 g/qm Papier und Spiralbindung</li><li>Auf Papier aus nachhaltiger Forstwirtschaft in Deutschland produziert</li><li>Leistet einen Beitrag zum Ackermann Firmenwald</li><li>3-sprachiges Kalendarium: Deutsch, Englisch, Französisch</li></ul>Wie alle Ackermann-Kalender ausschließlich in Deutschland auf Papier gedruckt, das aus vorbildlich bewirtschafteten, FSC®-zertifizierten Wäldern und anderen kontrollierten Quellen stammt. Transparente CO2-Kompensation in Kooperation mit unserem Klimapartner NatureOffice, bei der nachweislich Treibhausgase reduziert sowie die lokale Umwelt und die Belange der Bevölkerung gefördert werden. Auch eine schöne Geschenkidee für Mucha- und Jugendstil-Fans, Kunst-Interessierte, Nostalgie-Begeisterte sowie Vintage- und Retro-Freund:innen.

Geschmackvoller Kunst-Kalender im schlanken Hochformat (33x66 cm) | Plakatkunst des Jugendsstils

Alfons Mucha Kalender 2026

Er ist der gefragteste Maler der wohlhabenden Handelsstadt Amsterdam und stirbt doch völlig verarmt. Rembrandt Harmensz. van Rijns (1606-1669) Werk reicht, obwohl er sein Heimatland niemals verließ, weit über die Grenzen seiner persönlichen Erfahrung hinaus, schuf er doch einige der wirkungsvollsten und vielgestaltigsten Werke der Kunstgeschichte, die sich dem kollektiven Gedächtnis für immer eingeschrieben haben - die Nachtwache, Inbegriff der Blütezeit der niederländischen Stadtkultur im 17. Jahrhundert, oder das bis heute rätselhaft gebliebene Selbstbildnis als Zeuxis.
 
 
 Als Künstler des Goldenen Zeitalters der Niederlande galt Rembrandts Interesse den menschlichen Leidenschaften. Auch Bibelszenen wie Bathseba mit König Davids Brief (um 1654) rücken die Verletzlichkeit der Personen ins Zentrum und gehen damit weit über das hinaus, was zuvor in der Malerei dargestellt wurde. Rembrandt hinterließ außerdem eine Vielzahl von Selbstbildnissen - kein anderer Künstler jener Zeit porträtierte sich so häufig und dokumentierte dadurch die eigene Entwicklung von der Jugend bis zum Alter.
 
 
 Beeindruckend ist vor allem Rembrandts Lichtregie. Der Spot fällt auf die dargestellte Person, hebt sie hervor, während der Rest des Bildes eher im Schatten verbleibt. Der Band enthält zudem zahlreiche Detailaufnahmen, die verdeutlichen, wie die Oberflächen der Materialien, von Schmuck, Halskrausen, Pelzkrägen, irisierenden Stoffen aller Art bis hin zu Rüstungen in ihrer feinen Ausarbeitung Licht reflektieren.
 
 
 Diese XL-Monografie versammelt sämtliche 330 Gemälde Rembrandts in atemberaubenden Reproduktionen - vom Gastmahl des Belsazar (um 1635) bis zum furiosen Spätwerk bietet sich hier die Chance, Rembrandts malerisches Werk gänzlich neu zu erleben.

Er ist der gefragteste Maler der wohlhabenden Handelsstadt Amsterdam und stirbt doch völlig verarmt. Rembrandt Harmensz. van Rijns (1606–1669) Werk reicht, obwohl er sein Heimatland niemals verließ, weit über die Grenzen seiner persönlichen Erfahrung hinaus, schuf er doch einige der wirkungsvollsten und vielgestaltigsten Werke der Kunstgeschichte, die sich dem kollektiven Gedächtnis für immer eingeschrieben haben – die Nachtwache, Inbegriff der Blütezeit der niederländischen Stadtkultur im 17. Jahrhundert, oder das bis heute rätselhaft gebliebene Selbstbildnis als Zeuxis. Als Künstler des Goldenen Zeitalters der Niederlande galt Rembrandts Interesse den menschlichen Leidenschaften. Auch Bibelszenen wie Bathseba mit König Davids Brief (um 1654) rücken die Verletzlichkeit der Personen ins Zentrum und gehen damit weit über das hinaus, was zuvor in der Malerei dargestellt wurde. Rembrandt hinterließ außerdem eine Vielzahl von Selbstbildnissen – kein anderer Künstler jener Zeit porträtierte sich so häufig und dokumentierte dadurch die eigene Entwicklung von der Jugend bis zum Alter. Beeindruckend ist vor allem Rembrandts Lichtregie. Der Spot fällt auf die dargestellte Person, hebt sie hervor, während der Rest des Bildes eher im Schatten verbleibt. Der Band enthält zudem zahlreiche Detailaufnahmen, die verdeutlichen, wie die Oberflächen der Materialien, von Schmuck, Halskrausen, Pelzkrägen, irisierenden Stoffen aller Art bis hin zu Rüstungen in ihrer feinen Ausarbeitung Licht reflektieren. Diese XL-Monografie versammelt sämtliche 330 Gemälde Rembrandts in atemberaubenden Reproduktionen – vom Gastmahl des Belsazar (um 1635) bis zum furiosen Spätwerk bietet sich hier die Chance, Rembrandts malerisches Werk gänzlich neu zu erleben.

Rembrandt. The Complete Paintings

Handy new edition of Vasily Kandinsky's seminal treatise which was hugely influential in the development of abstract painting.

Vasily Kandinsky's "Über das Geistige in der Kunst" (Concerning the Spiritual in Art) is considered his major theoretical work and sparked widespread interest in abstraction in the years leading up to World War I. The book, which he claimed had been gestating for nearly a decade, elucidated his artistic theories and his valuing of expression and spirituality over naturalistic representation.

Wassily Kandinsky. Concerning the Spiritual in Art

Zhanna Kadyrova

Karl-Heinz Rummeny. On ne part pas

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