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Ruth Asawa

Seit Jahresbeginn 2025 erschien vorliegendes Tagebuch auf meiner Website. PLANKTON ist ein Journal der Kleinigkeiten: offene Szenen, Beiläufiges, Eindrücke aus Büchern, Begegnungen, Filmen und Träumen. Eine tägliche Fingerübung, bevor ich anderswo weiterschreibe. Ein Bewegungsprofil aus der Dunkelkammer; im Zentrum steht mein Alltag, die Arbeit als Autor und Buchhändler, Literaturveranstalter und Leser. Der örtliche Mittelpunkt ist Köln, seine Cafés, seine Straßen, seine Nachmittage, seine Nächte; mein Küchentisch, mein Bett.

Journal 2025

Plankton

Die kreativen Kniffe von Genies

Als Taylor Swift und Thomas Mann (fast) verzweifelt sind

Stoffe aus Westfalen in Afrika? Für zwei Unternehmen aus Hagen und Herdecke war dies ein profitables Geschäft. Über viele Jahrzehnte produzierten und exportierten sie sogenannte African Prints. Die Publikation Muster und Märkte geht diesen globalen Verflechtungen der westfälischen Textilindustrie nach.

Ausgangspunkt sind die beiden Stoffdruckereien Heinrich Habig AG in Herdecke (1809-1966) und Göcke &amp; Sohn AG in Hohenlimburg (1805-1972). Sie exportierten von den 1920er- bis in die 1960er-Jahre in verschiedene Länder des afrikanischen Kontinents. Ihre "typisch afrikanischen" Stoffe zeugen von globalen Handelsbeziehungen und wandernden Motiven, von politischen Fragen und (post-)kolonialen Kontinuitäten, von ökonomischen Strukturen und kulturellen Transfers - früher wie heute. Das Buch erzählt vor diesem Hintergrund eine bislang unbekannte Kultur-, Wirtschafts- und Designgeschichte zwischen Westfalen und dem afrikanischen Kontinent. Historische Stoffe, Fotografien und Dokumente werden durch Mode afrodiasporischer Designer*innen und künstlerische Interventionen ergänzt.

Auf den Spuren westfälischer African Prints

Muster und Märkte

André Butzer (geb. 1973, lebt in Berlin) ist für seine provokante pop-expressionistische Malerei bekannt, die sich den großen gesellschaftlichen Widersprüchen unserer Zeit widmet. Versatzstücke von u.a. Comics, Disney und Kunstgeschichte gehen gleichberechtigt in seine farblich und energetisch intensiven Bilder ein. Butzer is ebenso eloquent in Worten und dieser Band, der vierte in einer Reihe, schöpft aus dem stetig wachsenden Archiv des Künstlers. Für das neue Buch arbeitet sich Butzers langjähriger Lektor Alexander Linn über fünf Jahre durch zahllose Dokumente und sah alle Publikationen aus dieser Zeit ein. Das Resultat ist eine wertvolles Quellenwerk mit Texten, Interviews, Briefen und Gedichten, sowie einem Transkript des Films André Butzer, Seine Kunst und Seine Zeit von 2023.

Band 4: 1983-2025

André Butzer: Pressemitteilungen, Briefe, Gespräche, Texte, Gedichte

NATIONAL BESTSELLER This “deeply felt memoir of race and history that defies social erasures of the diasporic Palestinian experience” (The Whiting Award Judges Citation) explores Elena Dudum’s transformational journey and evolving relationship to Palestine. My father scours the web for century-old magazines about Palestine. For years, he would talk about these mysterious documents but rarely show them to anyone. “I have proof,” he would say to whoever would listen, “that Palestine exists.” In her Palestinian Christian home in San Francisco, Elena Dudum was raised in a household ruled by her father’s lectures. He taught her everything: the story of her grandparents’ flight from their homeland, the history of her family’s orange groves, and the facts of the ongoing occupation of Palestine. Above all, he taught her not to forget. Soon his lessons consumed her childhood, and Elena found herself shrinking from an inheritance that felt both sacred and suffocating. For years, she resisted it all until a family trip to Palestine shattered the abstraction of her homeland. Checkpoints, razed olive groves, soldiers—it was all plainly in front of her, as were the ghosts of her family’s past. What was once always just out of reach, now pressed against her body. Back in the United States, something in her quietly unraveled. She tried to outrun what she now knew by burying herself in elite institutions and the rising world of tech, where ambition was rewarded and history was inconvenient. Eventually, the inheritance she thought she could escape demanded reckoning. Braiding rich personal narrative with archival fragments and cultural critique, They Told Me Back Home Would Be Beautiful traces one woman’s journey as she returns—slowly, deliberately—to her father’s lessons, determined to claim them on her own terms.

A Palestinian Memoir

They Told Me Back Home Would Be Beautiful

Baukunstarchiv NRW

Leonie Reygers (1905-1985) gilt weit über Dortmund hinaus als bedeutende Persönlichkeit im deutschen Kulturbetrieb der Nachkriegszeit. Die Gründungsdirektorin und langjährige Leiterin des Museums am Ostwall in Dortmund - dem heutigen Standort des Baukunstarchivs NRW - war eine Pionierin der Kunstdidaktik und eine Botschafterin der künstlerischen Moderne.Unter ihrer Leitung entwickelte das Museum ab 1949 vielfältige Ausstellungen, die regionale Identität mit universellen Fragestellungen verbanden. Dabei wurde systematisch ein Nachkriegsmuseum zur Kunst des 20. Jahrhunderts aufgebaut. Durch ihr Engagement gewann die Stadt Dortmund eine kulturelle Identität, die nicht nur das Museum, sondern auch das städtische Leben prägte. Die Publikation erscheint anlässlich des 120. Geburtstages von Reygers sowie des 75-jährigen Bestehens des von ihr gegründeten Museums am Ostwall. Vorgestellt wird nicht nur eine außergewöhnliche Frau, Museumsleiterin, Kuratorin und Kulturvermittlerin, ihre Arbeit und wegweisende Ausstellungen - das Buch soll auch zum kritischen Diskurs und Austausch einladen.

Aus der Reihe "Baukunstarchiv NRW"

Leonie Reygers

Wie in Kassel alle fünf Jahre die Welt vermessen wird - Das Buch zur 16. Documenta im Sommer 2027

Documenta – ein deutsches Kunststück

Eine Mythenerzählung von Kontrollverlust und ungeahnter Verbundenheit in den surrealen Kulissen des globalisierten Kapitalismus.

Zwei junge Menschen, zwei Leben für die Kunst: Malik in Köln, Jenny in Chongqing. Während ihre Lebensentwürfe unter ökonomischem Druck ins Wanken geraten, beginnen die Stalaktiten über ihren Betten auf sich aufmerksam zu machen - sie tropfen, sie wachsen, und sie verschwinden nicht wieder.

Ein Roman über Leben im Ungleichgewicht, globale Verflechtungen und die Frage, was geschieht, wenn die Realität selbst instabil wird.

Stalaktiten

Schriften zum deutschen und internationalen Persönlichkeits- und Immaterialgüterrecht

Street-Art hat sich zweifellos als eigenständige Kunstform etabliert. Dies zeigen nicht nur zahlreiche Ausstellungen in Museen und Galerien, sondern auch die hohen Summen, welche mit ihnen auf Kunstauktionen erzielt werden, insbesondere für Werke des britischen Künstlers Banksy. Im Mittelpunkt steht heute daher zunehmend nicht mehr die Entfernung der ohne Zustimmung angebrachten Werke durch die Eigentümer:innen der betroffenen Flächen, sondern deren wirtschaftliche Verwertung. Gerade diese Kommerzialisierung steht jedoch in einem Spannungsverhältnis zum Selbstverständnis der Street-Art. Aufgrund ihrer illegalen Entstehung sowie ihrer Anbringung im öffentlichen Raum sind Street-Art-Werke in besonderem Maße Eingriffen und einer Verwertung durch Dritte ausgesetzt. Vor diesem Hintergrund untersucht die vorliegende Arbeit, inwieweit sich Street-Art-Künstler:innen mithilfe des Urheberrechts gegen die Beeinträchtigung und die Nutzung ihrer Kunstwerke zur Wehr setzen können.

Street art has undoubtedly established itself as an art form in its own right. This is demonstrated not only by the numerous exhibitions in museums and galleries, but also by the substantial prices achieved at art auctions, particularly for works by the British artist Banksy. As a result, the focus today has increasingly shifted away from the removal of works installed without the consent by the owners of the affected sites, and towards their commercial exploitation. However, it is precisely this commercialisation that conflicts with the very self-understanding of street art. Due to their illegal creation and their installation in public spaces, street art works are particularly vulnerable to interference and exploitation by third parties. Against this background, this thesis examines the extent to which street art artists can rely on copyright law to protect their artworks against unauthorised interference and commercial exploitation.

Eine Untersuchung am Beispiel von Street-Art

Urheberrechtlicher Schutz von aufgedrängter Kunst

Erinnerungen an die Beatles und viele andere Freunde - Das Buch zur Serie »Hamburg Days«, erweiterte Neuausgabe mit exklusivem Bildteil

»Warum spielst du Imagine nicht auf dem weißen Klavier, John?«

Das Projekt ist ein Beispiel dafür, wie mit Kunstwerken von NS-Künstlern im öffentlichen Raum umgegangen werden kann.

Hauptgegenstand der Auseinandersetzung ist die Bronzeplastik "Pallas Athene" von Arno Breker, die 1957 am Eingang zum Schulgelände des Wilhelm-Dörpfeld-Gymnasiums in Wuppertal-Elberfeld aufgestellt wurde. Seit die "Pallas Athene" im Jahr 2003 aus Protest von ihrem Sockel gestoßen wurde, wird immer wieder über ihren Verbleib am Standort diskutiert. Im Dezember 2019 gipfelte die Auseinandersetzung in einer öffentlichen Podiumsdiskussion, in der es um die Frage ging: "Soll ein Breker vor einer Schule stehen?". Es wurde darüber diskutiert, ob man das Kunstwerk mit moderner Formensprache vom belasteten Künstler trennen kann, inwiefern die Pallas Athene an dem Standort noch für nationalsozialistisches Gedankengut steht und wie es um die künstlerische Qualität der Plastik steht. Die Skulptur abzureißen, wurde von der Mehrheit abgelehnt und ist aus denkmalschutzrechtlicher Sicht nicht erwünscht. Stattdessen wurde beschlossen, einen Wettbewerb für einen künstlerischen Kommentar aus zeitgenössischer Sicht auszuschreiben. Ziel des Wettbewerbs war es, für den Standort einen signifikanten künstlerischen Beitrag zu entwerfen, der zur kritischen Auseinandersetzung mit der "Pallas Athene" beiträgt und dem Ort im Zusammenwirken mit der baulichen Situation einen unverwechselbaren Ausdruck verleiht. In dem zweiphasigen Verfahren hat die berufene Fachjury das Konzept der bosnisch-österreichischen Künstlerin und Architektin Azra Akšamija ausgewählt.

Künstlerische Kommentierung der "Pallas Athene" von Arno Breker durch Azra Ak¿amija

Eulensicht

Wenn wir eines der Aquarelle von Radenko Milak (*1980 Travnik bei Banja Luka) zum ersten Mal sehen, meinen wir, es zu 'erkennen', denn es gibt stets ein Vorher und ein Nachher, wie in einer Filmschleife, und das ist eine einzigartige Qualität dieses Werks, schreibt Udo Kittelmann in seinem Beitrag. Stehen wir also vor einem Bild von Radenko Milak, glauben wir, einen Ausschnitt von etwas Größerem zu sehen, einem größeren Ganzen, von der Welt, vom Universum, so wie eine Fotografie immer ein Ausschnitt eines theoretisch endlosen Bildes ist. Dazu kommt, dass fast jedes seiner Motive auf ein Bild zurückgreift, das wir bereits kennen, weil wir es schon gesehen und gespeichert haben. Viele Faktoren spielen daher in seiner Arbeit eine Rolle, der Wechsel des Mediums, von der Fotografie zum Aquarell, die Frage nach Original und Reproduktion, die Wahl der Sujets, die Art und Weise, wie seine Bilder unser sowie das kollektive Unterbewusstsein ansprechen, weil unser Gedächtnis nicht nur durch Sprache, sondern vor allem auch durch Bilder bestimmt wird. Es ist diese Beherrschung des Mediums, welche die Illusion der Betrachtung von Fotografien erzeugt und vor allem die Erfahrung, Zeuge eines Medienwechsels zu werden. Das ursprüngliche Foto wird zum Aquarell, das das menschliche Auge zunächst als Fotografie und erst dann als Gemälde wahrnimmt, dessen Entstehung wir natürlich selbst sehen wollen, weshalb wir immer so nah herantreten, dass wir direkt zum Gemälde gelangen, zum Strich, zur Geste, zur Abstraktion, zum Handwerk. Im Laufe der Jahre hat Radenko Milak verschiedene Serien entwickelt: Architektur- und Stadtansichten, Technologien der Zukunft, Feminismus, Schlüsselmomente der Musikgeschichte, Überwachung und Big Data, Einsamkeit und Isolation während der Corona-Pandemie, Film-Stills - all das sind Aquarellserien, die Radenko Milak asymmetrisch seit 20 Jahren vorantreibt. Durch die Verwendung von der immer gleichen schwarzen Tinte auf weißem Papier, ähneln sich die Bilder in ihrer Gestalt, das verleiht ihnen etwas Zeitloses.

Kat. Haus am Lützowplatz Berlin

Radenko Milak: Post-Millenium Tension

Ruth Asawa

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