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Fondation Beyeler. The Collection

Visuelle Reise durch Westafrika und Amerika Mitte des 20. Jahrhunderts
Im Dialog zwischen Schwarz-Weiß- und Farbfotografien offenbart Richard Hay Jr. die stille Poesie des Alltags in Westafrika und Nordamerika. Anstatt Erzählungen von Armut, Konflikt oder Exotismus zu bedienen, nähert sich Hay seinen Motiven mit einem ausgeprägt künstlerischen Blick und gestaltet auf lyrische Weise gemeinsame menschliche Erfahrungen, die mit lokaler und globaler materieller Kultur verflochten sind. Mitunter kontextuell mehrdeutig laden die Fotografien dazu ein, über Unterschiede und Gemeinsamkeiten von Kulturen nachzudenken, die durch Ozeane getrennt und Jahrzehnte voneinander entfernt sind. Eingerahmt von einem Essay des bekannten nigerianischen Autors Emmanuel Iduma zeigen Hays Bilder Resonanzen, die bis heute nachhallen und zeitliche Grenzen überwinden.

Sojourns across Africa and America

Resounding with Echoes

Nicht jedem Künstler wird ein Personalmuseum gewidmet, und weibliche Künstler werden noch seltener damit geehrt. Eine Künstlerin bildet jedoch eine Ausnahme: Käthe Kollwitz (1867-1945), deren Name zwei Museen in Berlin und Köln sowie eine Gedenkstätte in Moritzburg tragen.
Im Jahr 2026 jährt sich die Gründung des Berliner Käthe-Kollwitz-Museums zum vierzigsten Mal. Aus diesem Anlass stellt die Institution nicht nur ihre Sammlung vor, sondern präsentiert neue Erkenntnisse zum Leben der Künstlerin und erzählt vom Gründer des Museums. 
Ein Käthe-Kollwitz-Museum in Berlin, dem Lebens- und Arbeitsort der Künstlerin, war dem Sammler, Maler und Kunsthändler Hans Pels-Leusden seit Mitte der 1960er Jahre ein Anliegen. Er hatte bereits im Herbst 1945 die erste Nachkriegsausstellung von Käthe Kollwitz gesehen und seitdem stetig Werke von ihr gesammelt und ausgestellt. Mitte der 1980er Jahre konnte er der bedeutenden Künstlerin endlich dieses Museum widmen. Seine Kollwitz-Sammlung bildete den Grundstock des Museumsbestandes und beinhaltet neben den bekannten grafischen Zyklen rare Zeichnungen und Zustandsdrucke, die einen Blick auf die Arbeitsweise der Künstlerin ermöglichen.
Aufgabe des Museums ist nicht nur, diese beeindruckenden, zeitlosen Kunstwerke zu präsentieren, sondern auch zu Leben und Werk von Käthe Kollwitz zu forschen. Denn über die vermeintlich so wohlbekannte Künstlerin gibt es immer noch Neues und Unbekanntes zu entdecken. Die aktuelle Publikation stellt Highlights aus dem Bestand des Berliner Kollwitz-Museums vor, taucht in verschiedenen Aufsätzen in die Familien- und Freundesbeziehungen der Künstlerin ein, widmet sich ihren literarischen Interessen und beleuchtet ihr gesellschaftliches Engagement.

Das Berliner Museum und seine Sammlung

Käthe Kollwitz

Eine Wiener Schule in Berlin 1900-1933

Die Publikation begleitet das Stipendienprogramm "Artists on Photography" der Sammlung
Fotografie im Münchner Stadtmuseum. Mit den Ergebnissen der Stipendiatinnen Lilly Lulay und
Eksuda Singhalampong erkundet sie das Konvolut außereuropäischer Reise- und Souvenirfoto-
grafie mit historischen Fotoalben aus Argentinien, China, Indien, Japan, Neuseeland, Südafrika,
Vietnam u. a. Wer reiste im 19. Jahrhundert in den globalen Süden, um dort zu fotografieren, und
wer kaufte die Bilder und Alben? Wie wurden Land und Leute dargestellt? Welche Funktion kam
der Fotografie als Souvenir im 19. Jahrhundert zu und wie hat sich das durch die Globalisierung
geändert? Welches Nachleben führen diese Bilder und ihre bisweilen gewaltsamen Strukturen im
Zeitalter der KI? 13 Kurzessays von Expert·innen aus den jeweiligen Regionen ergänzen den Band.
2025 wurde das Projekt durch die Alexander Tutsek-Stiftung ermöglicht.
Esra Klein und Noa Lohrmann sind Stipendiatinnen im Programm "Museumskurator·innen für Fotografie" 2025/2026. Lilly Lulay ist Künstlerin und untersucht die Auswirkungen neuer Medien auf
ist Inhaberin des Lehrstuhls für Visual History &amp; Theory an der University of the Western Cape.
Deborah Willis leitet den Fachbereich Photography &amp; Imaging an der New York University. Bindi
Fotografie und ihre alltägliche Wahrnehmung. Kathrin Schönegg ist Fotohistorikerin und leitet die
Sammlung Fotografie im Münchner Stadtmuseum. Eksuda Singhalampong ist Assistenzprofessorin
für Kunstgeschichte an der Silpakorn-Universität, Bangkok, und forscht zu den Schwerpunkten
Gender und Postkolonialität.

Lilly Lulay / Eksuda Singhalampong

Artists on Photography: Travel and Souvenir Albums from Outside Europe in the Münchner Stadtmuseum Photography Collection

Jenseits der Grenze: mutige Schritte auf der Roxham Road
"Crossing" widmet sich dem Grenzpunkt Roxham Road zwischen New York (USA) und Quebec (Kanada), einem irregulären Grenzübergang, der während Trumps erster Amtszeit zunehmend genutzt wurde. Geflüchtete versuchten dort nach Kanada zu gelangen, um einen Asylantrag zu stellen. Der Übergang wurde 2023 aufgrund anhaltender Kontroversen geschlossen. Zwischen 2018 und 2023 kehrte Ruth Kaplan immer wieder an diesen Ort zurück, um die vielfältigen Spuren und Begegnungen zu dokumentieren, die sich hier verdichteten. Als kleines, aber bedeutendes Kapitel kanadischer Geschichte bildet dieses Archiv eines meist sicheren und funktionierenden Grenzübergangs ein wichtiges Zeugnis - gerade in einer Zeit, in der wir uns mit den komplexen globalen Herausforderungen von Migration auseinandersetzen.

From USA to Canada, Walking Roxham Road

Crossing

Eros, Thanatos, unheilvolle Vögel, reife Früchte, einsame Wälder und nachdenkliche Königinnen der Nacht - wie Erinnerungsblitze, verwurzelt in rohem, kompromisslosem Realismus, fangen die Fotografien in "Find Me Paradise" intensive, aber flüchtige Momente ein, die Sinnbilder für die Unbeständigkeit und Verletzlichkeit des Lebens darstellen. Die überraschenden Kompositionen bewegen sich zwischen Extremen und überschreiten die Grenze zwischen Schönem und Groteskem, Klarheit und Widerspruch, Begierde und Zweifel. Diese allegorische und figurative Spannung belebt die Suche nach dem 'Paradies' in einer Welt, die von Absurdität und Paradoxien geprägt ist.
Benita Suchodrevs drittes Buch vereint ihre Porträt- und Dokumentararbeiten in einer facettenreichen Erzählung, die universelle Erfahrungen einfängt und die vergängliche, ungeschminkte Realität des Seins offenlegt.

Find Me Paradise

Benita Suchodrev

lived & felt

Seen Scene Along the Way

Mit einer immer stärker hervortretenden Räumlichkeit atmet die zwischen 2017 und 2025 entstandene Kunst Marius Ohls weiter die Spontaneität, Ironie, Farbigkeit und Rhythmik seiner Anfänge in der Street Art.

In diesem Band dokumentiert sind Arbeiten mit Lack, Acryl, Marker, Tape, Papierarbeiten, Werke auf Leinwand, Mixed Media, Film und nach wie vor auch solche, die auf Wänden in Innen- und Außenbereichen entstanden. Zusammenfassend schreibt die Galeristin und Kuratorin Kristina Hoge in ihrem Marius Ohls Kunst in ihrer Materialität, ihren Entstehungsbedingungen und inhaltlichen Ansätzen einordnenden Beiwort: "Ganz bewusst hat sich Marius Ohl schon während seines Studiums für die Abkehr von der rein figürlichen Welt in der Kunst entschieden. Beeinflusst von Graffiti und Street Art findet er seine eigentliche Ausdrucksweise in der Abstraktion. Dennoch geht es inhaltlich nicht etwa um eine Flucht in lyrisch-kontemplative Gegenwelten. Nein, es geht darum sichtbar zu machen, offenzulegen und entsprechende Ausdrucksformen zu finden für all die vielen Eindrücke, Anforderungen, Widersprüche und Überlagerungen, das Übermaß an Informationen und Möglichkeiten in unserer modernen Welt."

Arbeiten 2017-2025. Mit einem Text von Kristina Hoge

Der Letzte

FAV PIECES entfaltet ein fein gewobenes Panorama darüber, wie Kleidung zu einer zweiten Haut wird - zu Schutzraum, Erinnerungsarchiv und poetischem Resonanzkörper. Die Textildesignerin Frauke von Jaruntowski und der promovierte Kulturwissenschaftler und Designer Gerhard Andraschko Sorgo versammeln internationale Stimmen aus Kunst, Design und Kultur, die ihre liebsten Kleidungsstücke als Gefäße gelebter Zeit begreifen: als Orte von Zärtlichkeit und Aufbegehren, als subkulturelle Marker, als mythisch aufgeladene Begleiter des Alltags. Die Beiträge aus 26 Städten erzählen von Schürzen, die nach Geborgenheit duften, Jacken, die zu Talismanen werden, Stoffen, die Vergangenheit freisetzen, und Textilien, die Identität performen. So entsteht ein kaleidoskopisches Archiv persönlicher Bedeutungslandschaften, in denen Kleidung nicht nur Erinnerung trägt, sondern Wirklichkeit schafft. FAV PIECES ist ein Buch über die innere Architektur unserer liebsten Stücke und über die Welten, die sie in jedem Faden mit sich führen.

Fav Pieces

DesignWissen

Glas ist ein paradoxes Material. Einerseits steht es exemplarisch für die Herstellung von Sichtbarkeiten. Brillengläser, Fenster, Spiegel, Lupen und Bildschirme gehören in dieser Weise zu unseren alltäglichen und beruflichen Welten: Sie eröffnen Blicke, skalieren Objekte, schützen Kostbarkeiten und präsentieren Wissen. Dabei werden Gläser in den Momenten, in denen sie sichtbar machen, selbst unsichtbar und leisten so Wahrnehmungstheorien Vorschub, die menschliches Sehen als natürliches Vermögen auffassen. Andererseits können die präsentierenden Eigenschaften des Glases auch mit Praktiken des Verbergens, Trennens oder Täuschens in Zusammenhang gebracht werden: Gläser werden schmutzig, spiegeln ihre Umgebung, blenden die Betrachter, verfärben, was dahinter zu sehen ist oder zerbrechen. In solchen Situationen wird Glas nicht nur als künstliches Material bemerkbar, sondern kann zugleich als ein Medium der Wissensproduktion verstanden werden. Hinzu kommt, dass sich Glas seit einer Weile schon aus seiner visuellen Vereinnahmung befreit hat, um eine Karriere als betastbare, wischbare Interaktionsfläche zu beginnen. Für Smartphones, Tablets oder Boards rücken 'andere' Vorzüge und Probleme des Glases in den Vordergrund: etwa Gewicht, Temperaturempfindlichkeit oder Kratzfestigkeit. Und nicht zuletzt tritt Glas in Geschichte und Gegenwart immer wieder in gesellschaftlich-politischen Kontexten auf: in der Verpackungsindustrie (Glasflaschen), in Zonen der Überwachung und Kontrolle (Kameraoptik), in städtischen Räumen (Schaufenster, Beleuchtungen) oder im privaten Umfeld (Aquarien, Vitrinen, Schmuck). Der vorliegende Band greift solche Perspektiven auf und versucht sie im Horizont zeitgenössischer Kultur- und Medienwissenschaften sowie der Kunst-, Architektur- und Wissenschaftsgeschichte fortzuschreiben. Seine Beiträge verstehen sich dementsprechend auch als Revisionen unserer Dingkulturen.

Materielle Kultur zwischen Zeigen und Verbergen

Glaswelten

Dieses Buch erkundet den menschlichen Körper - aus hormoneller und fotografischer Perspektive -
als politisches Instrument und Ort der Wissensproduktion. Labor Lab ist eine experimentelle Foto-
serie, bei der flüssige Hormonsubstanzen direkt auf belichtete Fotonegative gegeben und damit
chemische Reaktionen in der Fotoemulsion ausgelöst wurden, um dann in der Dunkelkammer
großformatige Abzüge davon herzustellen. Durch diesen fotochemischen "Hack" entstehen
Porträts der Hormone, die das Material für Verbundenheit, Reproduktion, Sex, Schlaf, Hunger,
Altern, Wachstum, Verhütung und Abtreibung darstellen. Die Fotoserie verwandelt diese intimen
körperlichen Erfahrungen in eine ästhetisch fassbare und zugängliche Form der Interpretation
und der Debatte. Der Band enthält vier Essays, deren Verfasser·innen an den interdisziplinären
Diskussionen teilgenommen haben, die im Vorfeld und während der Dauer der ersten Ausstellung
von Labor Lab bei der Schering Stiftung 2024 stattfanden.
Asya Yaghmurian ist Kuratorin und Redakteurin und lebt in Berlin. Sarah Ancelle Schönfeld ist Künstlerin, sie destilliert, erfasst und verwandelt Wissen. Esther Leslie ist Professorin für Politische
Ästhetik, sie hat über Farbchemie, Animation, Bildschirme und Geräte geschrieben. Margarida
Mendes beschäftigt sich als Forscherin, Kuratorin und Vermittlerin mit spekulativer Fiktion, Sound-
praktiken und Umwelterziehung. Jeannie Moser erkundet in ihrer literatur- und kulturwissenschaft-
lichen Arbeit die Schnittstellen von Sprache, Wissenschaft, Gesellschaft und Politik. Heiko Stoff
arbeitet als Medizinhistoriker an der Medizinischen Hochschule Hannover (MHH) und ist Mitglied
des Sonderforschungsbereichs "Sexdiversity".

Sarah Ancelle Schönfeld: Labor Lab

Reflexion der Magnum-Fotografin auf ihr Frühwerk aus dem Iran mit vielen unveröffentlichten Fotografien

Newsha Tavakolians neueste Publikation versammelt Arbeiten aus den Jahren 1995-2001 und 2017-2019 und umfasst damit mehr als zwei Jahrzehnte fotografischer Praxis. Sie kehrt in ihr Archiv zurück und legt jene Bilder frei, die sie als 'Schandflecken' bezeichnet - frühe, unvollkommene Fotografien aus der Zeit, als sie mit sechzehn Jahren als Fotojournalistin in Teheran begann. Im bewussten Blick auf das vermeintliche Scheitern reflektiert Tavakolian über Erinnerung, Politik und persönlicher Entwicklung. Kontaktbögen, beschädigte Negative und übersehene Schnappschüsse verweisen dabei nicht nur auf ihre künstlerischen Anfänge, sondern auf die Erfahrungen einer ganzen Generation zwischen Reformhoffnung, politischer Repression und wiederholter Ernüchterung.

'Bei der Betrachtung dieser ¿Schandflecke¿ vor dem Hintergrund neuer schrecklicher Ereignisse zeigt sich eine klare Entwicklung
von der Hoffnung und den Träumen der Jugend zur Enttäuschung über die Realität und zur Schlussfolgerung, dass es im Leben nur eine echte Wahl gibt. Sich von der Dunkelheit anziehen zu lassen oder sich dafür zu entscheiden, die Dunkelheit zu bekämpfen und sich dem Licht zuzuwenden.' (Newsha Tavakolian)

Das Buch bewegt sich zwischen frühen journalistischen Arbeiten und späteren, formal verdichteten konzeptuellen Porträts. So entsteht eine visuelle Passage vom jugendlichen Idealismus durch die Desillusionierung hindurch - und darüber hinaus. Autos auf den Straßen, Hidschab-Stile der 1990er-Jahre, Gesten des Protests, Theaterszenen - verdichten sich hier zu einem vielschichtigen historischen Dokument des postrevolutionären Iran und der nachfolgenden Generationen.
Das Projekt gewinnt zusätzliche Dringlichkeit vor dem Hintergrund jüngerer Ereignisse, darunter die tödlichen Proteste im Januar 2026, bei denen Tausende Iranerinnen und Iraner im Streben nach Veränderung ihr Leben verloren.

Die iranische Fotografin Newsha Tavakolian (*1981) hat zahlreiche Auszeichnungen erhalten, darunter den Carmignac Photojournalism Award und den Prince Claus Award.

And They Laughed at Me

Newsha Tavakolian

Fondation Beyeler. The Collection

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