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Dolly Parton

Laird T: Dolly Parton

Ihr Leben

Elvis and the Birth of Rock and Roll

Alfred Wertheimer

This book delves into the intricate relationship between music and identity among Indian communities in South Africa, particularly during and after apartheid. It provides an overview of existing research on music and Indian diasporic groups, highlighting the unique challenges faced by Indian South Africans in accessing and preserving their musical traditions. It explores the historical soundscapes of South Africa, detailing how restrictive conditions under apartheid influenced social interactions and music-making. The narrative examines how Indians used music as a form of political resistance, developing a distinct Indian South African sound despite severe limitations. It also investigates the evolution of popular genres like qawwali, filmi, jazz, and dance music, shaped by limited access to formal training and the overuse of technology. The book addresses the gender dynamics within the music industry, focusing on the struggles of women artists. Additionally, it discusses the role of technology in music learning and its impact on aesthetic expressions. Through interviews with musicians, the book provides a vivid account of how Indian South Africans used music to assert their identity and resist segregation. It offers valuable insights into the cross-cultural interactions and the complex ways minority groups crafted their identity in the context of apartheid politics. It is a significant resource for academicians, and music lovers interested in the culture of the Indian diaspora and the history of Indian South Africans.

Indian Voices in Apartheid South Africa (1900–1990)

Raag Mala

Seit der Stummfilm-Ära beschäftigte sich der Filmjournalismus mit der Begegnung von Film und Musik. Kinomusiker, Komponisten, Musikwissenschaftler, Literaten, Philosophen und Filmtheoretiker beteiligten sich an einer intensiven Diskussion mit einem breiten Spektrum an Argumenten und Sichtweisen. In Artikeln, Essays und Filmrezensionen widmeten sie sich ästhetischen, theoretischen und kompositorischen Fragen der Filmmusik.

Was unterscheidet Filmmusik von Kunstmusik? Muss Filmmusik notwendigerweise eine Originalkomposition sein oder kann sie auch aus existierenden Musikstücken zusammengesetzt sein? Wie sollte ein Filmmusikstück morphologisch aufgebaut sein? Welche Formen sind zu bevorzugen? Welche Probleme können sich aus der Verwendung von Musik ergeben, die dem Zuhörer bereits bekannt ist? Es fehlte nicht an Reflexionen über die ästhetische Beziehung zwischen Kunstmusik und dem Medium Film als solchem, über ihre Konvergenz oder ihre Trennung, sogar über ihre "Wahlverwandtschaft".

Das Buch untersucht das ästhetische Problem der Filmmusik in der Stummfilmzeit anhand zeitgenössischer journalistischer Quellen. Journalistische Schriften besitzen sowohl als historische als auch als ästhetische Quellen ein enormes Potenzial. Die journalistische Kritik erweist sich als theoretisch-ästhetisches Medium für die filmmusikalische Praxis der Stummfilmzeit: als der Ort, an dem erste theoretische Überlegungen zur Filmkomposition zusammenlaufen, drängende dramaturgische Fragen diskutiert werden und eine inhärent ästhetische musikalische Erfahrung ihre intellektuelle Verarbeitung findet.

Ästhetik der Filmmusik in der Stummfilm-Ära

Durch einen Gazeschleier

Schöne Musik weckt Stille und schafft Raum. Berühmte Musikerinnen und Musiker fassen die Faszination, die von Musik ausgeht, in Worte. Sie schildern, was wohlklingende Töne in uns auslösen, und erzählen vom göttlichen Funken, der in vielen Melodien steckt. Es entsteht ein vielstimmiger Kanon, durch den sich ein Grundton zieht: die Freude an der Musik. 
Mit Beiträgen unter anderem von:
Alban Berg, Julius Berger, Pierre Boulez, Alfred Brendel, Benjamin Britten, Sergiu Celibidache, Glenn Gould, Sofia Gubaidulina, Nikolaus Harnoncourt, Hans-Jürgen Hufeisen, Kim Kashkashian, Otto Klemperer, Gidon Kremer, Olivier Messiaen, Anne-Sophie Mutter, Arvo Pärt, Arnold Schönberg, Isaac Stern, Karlheinz Stockhausen, Igor Strawinsky, Bruno Walter, Kurt Weill.

Gedanken großer Musikerinnen und Musiker

Ein Hauch der Gottheit ist Musik

Die Familiengeschichte des einflussreichen Komponisten als menschliche Saga Richard Wagner, der Schöpfer von Tristan und Isolde und der Nibelungen-Oper, verstand es wie kein anderer, Musik, Sprache und Dichtung zu einem einzigartigen Gesamtkunstwerk zu verschmelzen. Für die Wagners wird alles zur Bühne - nicht nur für das revolutionäre Genie, sondern für eine ganze Dynastie. Musik und Politik, Ruhm und Skandal, Licht und Schatten: Der Kulturhistoriker Michael Lemster erzählt ihre Familiengeschichte neu - nicht als Heldenepos, sondern als große, wahre Saga von Menschen im Rampenlicht. Von Cosima Wagner über das Haus Wahnfried bis zu den Wagnerfestspielen in Bayreuth - das Erbe des bekanntesten deutschen Komponisten lebt bis heute fort. - Wagners berühmte Opern: wie ein Genie die Klassische Musik für immer veränderte - Licht und Schatten: Antisemitismus, Machtgier und politische Verstrickungen - Cosima Wagner und Haus Wahnfried: die Frauen, bekannte Familienmitglieder und Nachfahren sowie die Wirkstätten des Wagner-Clans - Festspielhaus Bayreuth: wie ein Erbe zur lebendigen Kulturgeschichte wurde - Meisterhaft erzählte Musikgeschichte: Michael Lemsters fesselnder Blick hinter die Kulissen Eine Familiendynastie zwischen Genie, Macht und Vermächtnis der Wagnerfestspiele Was trieb das Genie hinter den berühmten Opern an, und welches Erbe hinterließ es der Welt? Diese Familienbiografie spart dabei die Schattenseiten nicht aus: Antisemitismus, politische Verstrickungen bis in die NS-Zeit und schonungslose Machtgier gehören ebenso zur Geschichte wie die Strahlkraft Richard Wagners Bühnenwerke. Mit feinem Gespür für das Zeitkolorit macht Lemster ein packendes Stück Musikgeschichte greifbar und zeigt unterhaltsam und eindrücklich, wie die Familie Wagner die Kunstwelt nachhaltig geprägt hat. Tauchen Sie ein in die bewegte Geschichte einer Familiendynastie, die die Opernwelt für immer veränderte!

Eine Familie zwischen Musik und Macht. Von Richard Wagners berühmten Opern, familiärer Loyalität und Egoismus, Genie und Größenwahn: Biografie einer Familie, die Musikgeschichte schrieb

Die Wagners

Erinnerungen an die Beatles und viele andere Freunde

»Warum spielst du Imagine nicht auf dem weißen Klavier, John?«

Die Publikation widmet sich einer zentralen, bislang kaum erschlossenen Dimension des traditionellen chinesischen Theaters ('xiqu') - dem Gesang als ästhetischem und grundlegendem Prinzip. Es wird verdeutlicht, dass sich die Rezeption und Bewertung des 'xiqu' im Westen bislang stark auf visuelle und dramatische Aspekte konzentrieren, während seine musikalische Ästhetik unbeachtet bleibt. Im Mittelpunkt der Beobachtung stehen die beiden repräsentativen Theaterformen 'kunqu' und 'yueju', deren musikalische Systeme - das Zyklen- und das 'ban'-Prinzip - in entscheidender Weise zur Vielfalt und Eigenständigkeit der chinesischen Theaterformen beitragen. Mit umfangreichen historischen Studien und musik- sowie theaterwissenschaftlichen Untersuchungen zeigt der Verfasser, wie eng Literatur, Sprache und Musik im Gesang des 'xiqu' verflochten sind. Der Gesang wird dabei sowohl als klangliches als auch performatives Phänomen verstanden, das den ästhetischen Kern des traditionellen chinesischen Theaters ausmacht. Diese Studie zielt auf eine Neubestimmung des 'xiqu' im globalen Kontext und ein tieferes interkulturelles Verständnis dieser komplexen Kunstform.

Der Gesang im traditionellen chinesischen Theater 'kunqu' und 'yueju'

Von musikalischen Vorlagen und Variationen zur Theatralität

Populäre Kultur und Musik

Die Neutextierung von Liedern ist ein wiederkehrendes Element der menschlichen Musikpraxis. Darum reflektiert Songs in Translation einleitend Umstände, Herausforderungen, Strategien und Merkmale der Übersetzung von Vokalmusik und gibt einen Überblick über die Geschichte und Komplexität der Übersetzung von an Sprache gebundener Musik. Ausführliche Analysen der mit dem Sprachwechsel einhergehenden Veränderungen in Aufnahmen populärer Musik schließen sich an. Dabei stehen Songs von Stars, die selbst in mehreren Sprachen sangen (Connie Francis, Eydie Gormé, ABBA, Nicole, Sting, Suzanne Vega, The Scorpions, Bon Jovi, Shakira) im Mittelpunkt. Diese und weitere Beispiele illustrieren, dass intertextuelle Bezugnahmen auf und zwischen den verschiedenen Ebenen der Lyrics, des Sounds und der Inszenierung stattfinden. Der Fokus liegt auf Übersetzungen zwischen dem englisch-, spanisch- und deutschsprachigen Raum, doch auch Versionen auf Französisch, Italienisch, Japanisch, Niederländisch, Portugiesisch, Russisch und Schwedisch werden behandelt.

Übersetzungskonjunkturen, ¿kontexte und ¿analysen

Songs in Translation

Elektrisierend, empörend, erotisch, aufdringlich, widerspenstig, vital: die Adjektive, die Rockmusik umschreiben, treffen auch auf die Kunst zu, die sie verkauft. THE ART OF ROCK verfolgt die Geschichte dieser besonderen Kunstform, angefangen von den in großen fetten Buchstaben gedruckten Postern zu Elvis Presleys ersten Konzerten, den abgefahrenen Multi-Color-Fantasien der psychedelischen Ära, bis zu den Avant-Garde-Collagen von Punk und New Wave. 
Über 1500 Poster und andere Graphik versammelt der Band, darunter Tickets, Backstage-Ausweise, Buttons, Flyer usw. Der originale amerikanische Text enthält Dutzende exklusiver Interviews mit Musikern, Konzert-Agenten und natürlich den Künstlern selbst, wie Stanley Mouse, Alton Kelley oder Wes Wilson - der das Cover dieses Buches entworfen hat. THE ART OF ROCK ist der essentielle Band für jeden Rockmusik-Liebhaber und Kunstinteressierten.

Nach 220 000 Exemplaren Gesamtauflage: die autorisierte Sonderausgabe zum Sonderpreis!
"Faszinierend und erleuchtend ... unersetzlich für Wissbegierige und den Fan." - The New York Times
"Die von allen geschätzte originale Bibel zum Thema." - San Francisco Chronicle 
"Diese umfangreich recherchierte Sammlung vereint über 30 Jahre der besten und berühmtesten Rockposter." - Rolling Stone

A Spectacular Visual and Oral History. Autorisierte amerikanische Originalausgabe

The Art of Rock: Posters from Presley to Punk

"Love is two minutes and fifty-two seconds of squelching noises" (Johnny Rotten, Rolling Stone)
 
 
The theory is that sex sells. And sex sells music.
 
The connections between music and sexuality are long-standing, 'rock'n'roll' itself being a slang term for sex, and there are many ways in which artists have explored sex and love through the medium of sound. Some of the records discussed in this book are experiments in expressing sexual desire through musical forms, mixing musical and sexual sounds. Others use sex purely as a marketing device or as 'whimsical entertainment' (sexualised images on LP covers, for example). Other records examine the politics of sexuality and/or offer a subversive take on the relationship between popular music and eroticism.
 
As an accessible form of entertainment, the LP was part of the 'democratization' of sexuality and erotica, something that was previously only available to the upper classes collecting erotic and pornographic materials on their many travels around the globe. Recorded music extended the reach of sexual content from literature, with books such as An ABZ of Love by Inge and Sten Hegeler (1963) or Alex Comfort's The Joy of Sex (1972), into the audio-visual realm.
 
The 'stirrings of the soul', the animation of the spiritual and the emotional, is what 'heavy conscious creation' is about and the sexual aspect of this is significant and profound.
 
Canadian electroacoustic composer Robert Normandeau once claimed that 'music, unlike other contemporary art forms, has hardly dealt with eroticism as a genre'. This book tries to fill in the gaps that this statement implies.
 
And the "two minutes and fifty-two seconds of squelching noises" that Johnny Rotten spoke about are here, sometimes literally, in musical form.

Gathering of the Tribe

Dimensionen des Akustischen in Texten, Bildern und Artefakten des Mittelalters

Medialisierung des Ephemeren

Operntexte der Deutschen Rossini Gesellschaft

Rossini: Die diebische Elster
Auf dem Gut von Fabrizio wird die Rückkehr des Sohnes Giannetto aus dem Krieg gefeiert. Alle hoffen auf seine Ehe mit dem Dienstmädchen Ninetta, nur die Hausherrin Lucia begegnet ihr mit Misstrauen,zumal eine silberne Gabel verschwunden ist. Ninettas Vater Fernando, der als Deserteur gesucht wird, erscheint heimlich und übergibt ihr ein Silberbesteck, das sie veräußern soll. Kurz darauf stiehlt eine Elster unbemerkt einen Löffel der Familie. Ninetta verkauft das väterliche Besteck an den Krämer Isacco. Der lüsterne Bürgermeister, den Ninetta abgewiesen hat, bezichtigt sie des Hausdiebstahls. Um ihren Vater zu schützen, schweigt Ninetta und wird gemäß geltendem Recht zum Tode verurteilt. Als der Vater versucht, sie vor Gericht zu entlasten, lässt ihn der Präfekt verhaften. Sogar der Gefängniswärter Antonio und der Amtsdiener Giorgio sind erschüttert. Zufällig entdeckt der Bauernbursche Pippo das Diebesgut im Nest der Elster. Ninettas Exekution wird in letzter Sekunde verhindert, und Fernandos Freund Ernesto überbringt dessen Begnadigung. Während der Bürgermeister betroffen abseits steht, wird Ninetta zum allgemeinen Jubel mit ihrem Vater und ihrem Geliebten vereint.

Mit großer Begeisterung vertonte Rossini 1817 ein aus einem Libretto-Wettbewerb hervorgegangenes Textbuch. Giovanni Gherardini hatte das auf einer wahren Begebenheit basierende Melodram La pie voleuse zu einem Libretto verarbeitet, das zum halbernsten Genre der Opera semiseria gehört: Nach festlichen und komischen Szenen spitzt sich die Handlung dramatisch zu und endet letztlich mit der Rettung der verfolgten Unschuld. Nach dem überwältigenden Erfolg an der Mailänder Scala richtete Rossini die Oper 1819/20 für eine andere Sängerbesetzung am Königlichen Theater in Neapel neu ein. In dieser Ausgabe der Reihe Operntexte ist der vollständige Wortlaut beider Fassungen, wie sie von Rossini vertont bzw. eingerichtet wurden, abgedruckt und übersetzt.

La gazza ladra

Dolly Parton

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