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: Schweizerische Zivilprozessordnung (Art. 1–352 ZPO sowie Art. 400–408 ZPO)</div>

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Horst H: Cy Twombly

Cy Twombly

Baukunstarchiv NRW

Leonie Reygers (1905-1985) gilt weit über Dortmund hinaus als bedeutende Persönlichkeit im deutschen Kulturbetrieb der Nachkriegszeit. Die Gründungsdirektorin und langjährige Leiterin des Museums am Ostwall in Dortmund - dem heutigen Standort des Baukunstarchivs NRW - war eine Pionierin der Kunstdidaktik und eine Botschafterin der künstlerischen Moderne.Unter ihrer Leitung entwickelte das Museum ab 1949 vielfältige Ausstellungen, die regionale Identität mit universellen Fragestellungen verbanden. Dabei wurde systematisch ein Nachkriegsmuseum zur Kunst des 20. Jahrhunderts aufgebaut. Durch ihr Engagement gewann die Stadt Dortmund eine kulturelle Identität, die nicht nur das Museum, sondern auch das städtische Leben prägte. Die Publikation erscheint anlässlich des 120. Geburtstages von Reygers sowie des 75-jährigen Bestehens des von ihr gegründeten Museums am Ostwall. Vorgestellt wird nicht nur eine außergewöhnliche Frau, Museumsleiterin, Kuratorin und Kulturvermittlerin, ihre Arbeit und wegweisende Ausstellungen - das Buch soll auch zum kritischen Diskurs und Austausch einladen.

Aus der Reihe "Baukunstarchiv NRW"

Leonie Reygers

100 Jahre GEDOK! Das heißt, 100 Jahre Künstlerinnen aller Disziplinen - Malerinnen, Bildhauerinnen, Schriftstellerinnen, Musikerinnen, Komponistinnen, aber auch darstellende Künstlerinnen und jene, die sich in mehreren Künsten zugleich bewegen und in keine Schublade
passen wollen - sowie Kunstfördernde vereint in einer Gemeinschaft mit dem Ziel, das Kunstschaffen von Frauen zu fördern und öffentlich sichtbar zu machen. Wie keine andere Gemeinschaft von Kunstschaffenden steht die GEDOK für Interdisziplinarität und überregionale Zusammenarbeit.
Im GEDOK-Buch Künste · Frauen · Netzwerk begegnen Texte Bildern und Skulpturen, die sich auch untereinander in Beziehung setzen; Kompositionen, die zu Texten oder Bildern entstanden, sind im Buch zugänglich über Partitur-Auszüge und QR-Codes. So bildet sich ein kreatives
Netz ab, das auf eindrucksvolle Weise das vielfältige Kunstschaffen der GEDOK-Künstlerinnen zeigt.

Künste, Frauen, Netzwerk

Pred kratkim je Valentin Oman, eden najpomembnejših umetnikov avstrijske povojne generacije, praznoval svoj 90. rojstni dan. Njegovo ustvarjanje je posve¿eno raziskovanju ¿loveške eksistence v vseh njenih vidikih: kot reliefne, fragmentirane in ve¿plastne podobe se Omanove figure Ecce homo dvigajo s površine, postavljene na prese¿iš¿e liturgi¿ne tradicije, natan¿nega opazovanja narave in izkušenj civilizacije.

Rojen leta 1935 kot koroški Slovenec in oblikovan s katoliškim internatom, sledile so študije na Univerzi za uporabno umetnost na Dunaju, Oman pa je razvil prepoznavni vizualni jezik, ki združuje svete tradicije z avantgardnimi pristopi. Politi¿no in družbeno angažirano, njegovo delo odraža vojno, etni¿no raznolikost in politi¿ne konflikte, pri ¿emer nikoli ne izgubi humanisti¿ne dimenzije posameznika.

Ta monografija dokumentira Omanovo ve¿plastno ustvarjanje v neprimerljivi širini in hkrati deluje kot obsežen katalog. Združuje eseje, analize in intervjuje polifoni¿nega avtorska, s ¿imer postavlja Omanovo delo v umetnostnozgodovinski, teoreti¿ni in osebni kontekst.

Ecce Homo predstavlja Valentina Omana ne le kot umetnika, temve¿ kot kronista ¿loveštva: opus, ki združuje svetost, fragmentarnost in sodobnost v koherentno umetniško vizijo.

ECCE HOMO

Valentin Oman

Ein außergewöhnlicher Fund im Inneren von prachtvollen Uhren, die heute zum Bestand des Kunstgewerbemuseums der Staatlichen Kunstsammlungen Dresden gehören, öffnete ein spannendes Kapitel der Kunst- und Kulturgeschichte: Mit der handgeschriebenen Signatur und dem Hinweis 'Fait à Paris' hatte sich der Pariser Kunsttischler Jean-Pierre Latz (1690/91-1754) in ihnen verewigt. Die Uhren gehören zu einem umfangreichen Konvolut französischer Möbel, das die große Faszination des Dresdner Hofes für Pariser Handwerkskunst eindrucksvoll belegt. Latz' virtuose Marketerien und exzellent geformten und gearbeiteten Beschläge verkörpern das französische Savoir-faire dieser Epoche auf höchstem Niveau.
Die Publikation dokumentiert die umfassende wissenschaftliche Erforschung der bedeutenden Dresdner Latz-Möbelgruppe. Im Buch wird deren bewegte Geschichte von höfischer Pracht über Kriegszerstörung und Einlagerung bis zur Restaurierung und Neupräsentation reich bebildert illustriert. Erstmals entsteht so ein fundierter Überblick über diesen weltweit einzigartigen Bestand.

Die Kunstmöbel des Jean-Pierre Latz am Dresdner Hof

Fait à Paris

In this illustrated publication, Stephanie Kahnau presents 40 female textile designers of the 20th and 21st centuries and their individual approaches. Functionality meets aesthetics in this fascinating medium. Text in English and German. Textiles are an integral part of our daily lives, and designing them is still a typically female métier. In this illustrated publication, Stephanie Kahnau presents 40 female textile designers of the 20th and 21st centuries and their outstanding and individual approaches to their medium. The stances presented grant access to the concept, technique, and function of textiles from different positions. For textile practices can take many forms: from a single “line”—the thread—structures ranging from flat to expansive emerge. Not only do they embrace our bodies, protect and clothe them; our bodies also embrace them: we become absorbed in their structured spaces and immerse ourselves in their visual appearance. This publication presents multiple perspectives on this fascinating medium at the interface between functionality and aesthetics. Text in English and German.

Vierzig Künstlerinnen und Gestalterinnen aus Europa / Forty Female Artists and Designers from Europe

Textile Praktiken / Textile Practices

In den Buttermilchplastikbechern am Straßenrand mischen sich Kindheit, Jugend und Heimat, Krieg und nie richtig Frieden, Fieberträume und Reiserouten, Liebe und Glaube, sowie die in die Zukunft gerichteten Speerspitzen von Licht und Schatten. Markus Fritsche schüttet das alles ungefiltert in sich hinein, nicht immer mit Hochgenuss, aber mit viel Spaß, die Beobachtungen am Straßenrand und in der eigenen Seele in sehr direkte, aber auch kunstvoll kreative Wortschöpfungen zu verpacken. Die wuchtigen Balladen lesen sich wie ein Roadmovie, der auch Himmelsleitern nicht scheut.

Gewichte und Gedichte

Buttermilch am Straßenrand

In der künstlerischen Praxis von Nikola Uki¿ zeigen sich Wachstum und Verfall, stehen quasi für eine Metapher der Ökologie des Kapitalismus, wie viele Kritiken hervorheben, obwohl er keinen direkten Bezug zwischen beiden Begriffen formuliert. Seine Überlegungen kreisen um grundlegende Fragen künstlerischen Schaffens, und er nimmt die vorwärtstreibenden Traditionen der 1960er Jahre von Readymade und Minimal auf, mit denen die Bildhauerei sich bewusst und radikal von repräsentativen und monumentalen Begriffen abgewandt hat. Nikola Uki¿ zielt auf eine kritische Neuinterpretation skulpturaler Strategien, thematisiert die Krise kohärenter Körpererfahrungen und die Beziehung zwischen Authentizität und Fiktion. Arbeiten wie seine Polyurethan-Würfel 'They breathe out as they rise verdeutlichen das. Mit unterschiedlich dosierten Farbpigmenten gemischt, erreichen die Polyurethan-Würfel ihr maximales Volumen, wenn sie die Größe ihrer Gussform angenommen haben und sich, in ihrem eigenen Tempo, allmählich wieder entleeren. Ihre Entstehung ist einer dauerhaften Wandlung unterworfen, die sie beweglich und zerbrechlich wie den menschlichen Körper zeigen. Allerdings gibt es hier keinen linearen Alterungsprozess - ein geschrumpfter Würfel steht einem neuen und glatten in nichts nach. Es ist kein Zufall, dass Uki¿s Ausstellungen immer wieder mit Zen-Gärten verglichen werden, denn in ihnen artikulieren sich Natur und menschliche Arbeit, nicht apologetisch und disharmonisch, sondern in einer völlig neuen Form von Wachstum und Sein, die in der Tat einer neuen Ökologie gleichen, die auf der Untersuchung der Grenzen von Natur und Kultur, dem Lebendigen und dem Toten, dem Wachstum und der Beständigkeit zu beruhen scheinen. Uki¿s Ökologie resultiert aus seiner Reflexion der Form und nicht aus dem Prinzip der Harmonie und der Auslöschung der Unterschiede. Er beharrt auf ihrer Nichtreduzierbarkeit und unserer Fähigkeit, diese auszuhalten. In diesem Sinne lotet seine Praxis die Grenzen des Möglichen aus, etwas nebeneinander zu stellen, ohne es zu neutralisieren. Nikola Uki¿ interessiert sich für die Idee, wie sich Körpermassen in eine Oberfläche einprägen lassen, ohne dies mit mimetischem Realismus darzustellen.

Kat. mmsu Museum für moderne und zeitgenössische Kunst Rijeka

Nikola Uki¿: About the Sense of Possibilties

Pommes, Kaffee und Bockwurst - Eine kulinarische Reise durchs Berliner Fast Food 

 Der Imbiss ist sozialer Treffpunkt, ein Ort für Plauderei, das Feierabendbier, die Mittagspause, eine Stelle, wo das Essen auf uns wartet und wir nicht auf das Essen. Ihn gibt es in den unterschiedlichsten Formen und Farben. Jeder sieht anders aus, jeder ist ein Unikat, jeder ist ein Zeugnis unserer Alltagskultur. Sie stehen an Straßenecken, auf Plätzen, eingeklemmt zwischen Häusern, am Waldrand, im Zentrum. Und doch verschwinden diese Orte immer mehr. Es war an der Zeit, die Imbisse der Hauptstadt zu dokumentieren, denn Berlin ist die einzige Weltstadt Deutschlands und die Imbissbude eine wichtige kulturelle Errungenschaft. 
 

 Björn Kuhligk hat über den Zeitraum eines Jahres von den Rändern der Stadt bis ins Zentrum die schönsten frei stehenden Imbisse, die einen festen Standort haben, fotografiert. Und somit ein eigensinniges Gesamtbild des gegenwärtigen Berlins geschaffen. 'Berlin in 80 Imbissen' ist eine Reise durch die Stadt.

Berlin in 80 Imbissen

Geistliche Intermedialität in der Frühen Neuzeit

Der neutestamentlichen Erzählung von der Verklärung Jesu Christi gilt seit jeher besondere Aufmerksamkeit - epochen-, konfessions- und medienübergreifend. Die in diesem Band versammelten Beiträge analysieren die Befassung mit der Verklärungsthematik im antiken Judentum sowie in den Evangelien, bei Dante, in Raffaels berühmtem Gemälde, in der Theologie und Ikonographie des 16. bis 18. Jahrhunderts bis hinein in die Kirchenkantaten und die Dichtung Klopstocks. Hierbei wird deutlich, dass sich die Thematik, eingebunden in eine hohe Traditionskonstanz, immer wieder 'neu erfindet', was zu komplexen Bezugnahmen und unterschiedlich verschränkten Hermeneutiken der transfiguratio führt. Hierzu gehört auch die Polymorphie diverser medialer Ausdrucksformen und Methoden, die für die Frühe Neuzeit einen Höhepunkt markieren.

Beiträge zur Deutung der Verklärung des Sohnes Gottes von der Antike bis zur Neuzeit

transfiguratio Christi in monte

Das Museum Ludwig verfügt über eine herausragende ständige Sammlung. Diese darf sich einiger Superlative rühmen: Sie enthält den umfangreichsten Pop-Art-Bestand außerhalb der USA, die drittgrößte Picasso-Sammlung der Welt, bedeutende Werke des deutschen Expressionismus und der Neuen Sachlichkeit sowie rund 70.000 Fotografien, die die Geschichte des Mediums von seinen frühsten Anfängen bis heute abbilden. Damit besitzt das Museum Ludwig eine der international wichtigsten Sammlungen von Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts. Diese wird in dieser Publikation anhand von 146 Werken dargestellt. Die Auswahl ist geleitet von dem Bestreben, die Sammlung durch bisher vernachlässigte Positionen aus dem nicht europäischen Kontext sowie durch Werke der noch immer unterrepräsentierten Künstlerinnen zu erweitern. Sie wirft aktuelle Schlaglichter auf die in stetigem Wachstum und Wandel begriffenen Museumsbestände.

Text: Dominik Busch, llona Ciesielski, Stephan Diederich, Yilmaz Dziewior, Barbara Engelbach, Erich Franz, Julia Friedrich, Erec Gellautz, Barbara Hess, Silke Immenga, Christina Irrgang, Rita Kersting, Ania Köyszko, Adelheid Komenda, Michael Krajewski, Helena Kuhlmann, Iris Maczollek, Christiane Meixner, Kathrin Michel, Janice Mitchell, Anne Niermann, Leonie Pfennig, Luise Pilz, Thomas Pöhler, Andreas Prinzing, Leonie Radine, Joanne Rodriguez, Katrin Sauerländer, Simone Schmahl, Leonore Spemann, Rainer Stamm, Miriam Szwast

Ausst. Kat. Museum Ludwig, Köln

Museum Ludwig. 146 Artworks from the Collection

In "Riders of the Buffalo Nations" erkundet der Fotograf Doug Hancock die Jugendkultur der First Nations in den Reservaten von South Dakota und Montana. In eindrucksvollen Bildern zeigt er, wie sich die traditionelle Kultur der indigenen Gemeinschaften im Laufe der Zeit verändert hat. Das Rodeo wird dabei zur Metapher für den täglichen Überlebenskampf in der harten Realität des Reservatslebens. Hancocks Fotografien zeugen von den Herausforderungen und Problemen, mit denen die jugendlichen Protagonist*innen konfrontiert sind, ohne sie auf bloße Opferrollen zu reduzieren. Vielmehr porträtiert er sie in all ihrer Vielschichtigkeit: hoffnungsvoll, nachdenklich, leichtsinnig, ehrgeizig - und voller Möglichkeiten. Riders of the Buffalo Nations ist ein sensibles und kraftvolles Porträt einer jungen Generation, die sich zwischen einem vielschichtigen kulturellen Erbe und einer komplexen Gegenwart behaupten muss.

Riders of the Buffalo Nations

Doug Hancock

Der 13. Ernst-Rietschel-Preis für Skulptur ging an die Künstlerin Iman Issa (*1979 in Kairo), die in ihrem Werk die Geschichte von Museen und Sammlungen sowie des Erinnerns reflektiert. Ihre Installationen aus Skulptur, Fotografie und Schrift arbeiten häufig mit den Wechselwirkungen von Text und Objekt und zeigen eindrücklich, wie sehr (Be-)deutung von Kontext, Display und Zuschreibung abhängt - und wie sich diese im Lauf der Zeit oder durch Transfer verschieben.
Iman Issa befragt kritisch wie poetisch die westlich geprägt Sammlungsgeschichte - so wie auch anlässlich der Preisträgerinnenausstellung 2025 im Albertinum. Es entstand ein Dialog zwischen den Werken Issas und der Sammlung des Albertinum, wodurch eine besondere Spannung entfaltet wurde. Ihre Interventionen an verschiedenen Orten im Albertinum machten den Besucherinnen und Besucher die institutionelle Macht, ihren Einfluss auf Rezeption und Wahrnehmung durch Titel, Kontext und Display auf spielerische und doch präzise Art überaus deutlich und nachvollziehbar.

13. Ernst-Rietschel-Preis für Skulptur 2024

Iman Issa. Das Spiel

Cy Twombly

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