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Anders Zorn - Schwedens Superstar

Atem, Lehm-the German words for "breath" and "clay", a title inspired by a poem by Paul Celan-is the first monograph dedicated to Latvian artist Daiga Grantina.
Grantina's solo show at GAMeC in Bergamo represented a major evolution in her poetics, a decisive and coherent change of palette and pace compared to her amorphous in-situ installations that have characterized her work to date. A mural forms an open-ended structure with its potentially infinite combinations: It seems to breathe, constraining and distending the grounding of space.
The book's structure mirrors this evolution, exploring a before, characterized by large-scale environmental installations in New York's New Museum, the Biennale di Venezia and in Palais de Tokyo, Paris, to name a few, and an after, when the artist's sculptural environments seem to shift their locus of perception.

Atem, Lehm
 —the German words for “breath” and “clay”, a title inspired by a poem by Paul Celan—is the first monograph dedicated to Latvian artist Daiga Grantina.
Grantina’s solo show at GAMeC in Bergamo represented a major evolution in her poetics, a decisive and coherent change of palette and pace compared to her amorphous in-situ installations that have characterized her work to date. A mural forms an open-ended structure with its potentially infinite combinations: It seems to breathe, constraining and distending the grounding of space.
The book’s structure mirrors this evolution, exploring a before, characterized by large-scale environmental installations in New York’s New Museum, the Biennale di Venezia and in Palais de Tokyo, Paris, to name a few, and an after, when the artist’s sculptural environments seem to shift their locus of perception.

Atem, Lehm

Daiga Grantina

En face / Texte von Augenzeugen

Wer sich auch nur entfernt für Kunst interessiert, kennt heute die Bilder von Edvard Munch: «Das Kranke Kind», die «Madonna», den «Schrei», den «Tag danach». Selbst Munchs graphischen Blätter - normalerweise eher eine Sache für Liebhaber - sind Teil eines allgemeinen Bilderwissens geworden: der «Kuss», die «Eifersucht», die «Trennung der Liebenden». Munchs Bildsprache ist virtuos und elementar zugleich, als würde hier die Kunst von Grund auf neu erfunden. Tatsächlich hat dieser Stil das Publikum bei seinem ersten Auftreten schlagartig polarisiert: Hier die Vertreter der Tradition, die Munchs demonstrative Achtlosigkeit gegenüber technische Perfektion als Schmiererei brandmarkten und seine explizite Sinnlichkeit als anstößig empfanden. Dort die offenen Geister, die fasziniert waren von der beispiel losen Intensität, mit der Munch die Tiefen des menschlichen Seelenlebens zu verbildlichen vermochte. In seiner Radikalität schien er allenfalls noch Vincent van Gogh vergleichbar, der ebenfalls voraussetzungslos die Kunst neu zu erfinden schien. Während bei dessen Aufstieg zum Weltruhm das biographische Interesse jedoch von Anfang an eine bedeutende Rolle spielte, war dies bei Munch nicht der Fall. Dabei verlief sein Leben - zumindest in der ersten Hälfte - kaum weniger bewegt. Seine Liebes- und Eifersuchtserlebnisse dürften sogar noch drama tischer verlaufen sein, und auch hier gäbe ein Akt der Selbstverstümmelung genügend Stoff zur Spekulation. Extreme Seelenzustände, die an psychiatrische Zuständsbilder erinnern, fehlen ebensowenig wie eine weitgehende Verkennung seines künstlerischen Ranges über viele Jahre hinweg. Doch Munchs sprichwörtlicher Armut in dieser Zeit eignet nichts Messianisches. Vielmehr bewegte er sich in einer Bohème, die eher mit dem Satanismus liebäugelte und die Selbstdestruktion ihrer Alkohol- und Drogenexzesse zum Prinzip erhob. Etwas Finsteres und Melancholisches schien in Munchs Wesen, etwas potentiell Gewalttätiges sogar, obwohl ihn Kinder seit je liebten und seine großzügige Uneigennützigkeit geradezu sprichwörtlich war. Einerseits als Skandalkünstler schon früh europaweit bekannt, lebte er andererseits die meiste Zeit seines Lebens als unauffälliger Ein siedler in provinzieller Zurückgezogenheit. Niemanden ließ er kalt, und so sind die Zeugnisse zu seinem Leben zahlreich. Die meisten sind jedoch nie auf Deutsch und schon gar nicht gesammelt als Buch erschienen. Der neue Band der Reihe «en face» hält deshalb viel Überraschendes über einen Künstler bereit, den fast alle kennen und doch keiner wirklich.

Wer sich auch nur entfernt für Kunst interessiert, kennt heute die Bilder von Edvard Munch: «Das Kranke Kind», die «Madonna», den «Schrei», den «Tag danach». Selbst Munchs graphischen Blätter – normalerweise eher eine Sache für Liebhaber – sind Teil eines allgemeinen Bilderwissens geworden: der «Kuss», die «Eifersucht», die «Trennung der Liebenden». Munchs Bildsprache ist virtuos und elementar zugleich, als würde hier die Kunst von Grund auf neu erfunden. Tatsächlich hat dieser Stil das Publikum bei seinem ersten Auftreten schlagartig polarisiert: Hier die Vertreter der Tradition, die Munchs demonstrative Achtlosigkeit gegenüber technische Perfektion als Schmiererei brandmarkten und seine explizite Sinnlichkeit als anstößig empfanden. Dort die offenen Geister, die fasziniert waren von der beispiel losen Intensität, mit der Munch die Tiefen des menschlichen Seelenlebens zu verbildlichen vermochte. In seiner Radikalität schien er allenfalls noch Vincent van Gogh vergleichbar, der ebenfalls voraussetzungslos die Kunst neu zu erfinden schien. Während bei dessen Aufstieg zum Weltruhm das biographische Interesse jedoch von Anfang an eine bedeutende Rolle spielte, war dies bei Munch nicht der Fall. Dabei verlief sein Leben – zumindest in der ersten Hälfte – kaum weniger bewegt. Seine Liebes- und Eifersuchtserlebnisse dürften sogar noch drama tischer verlaufen sein, und auch hier gäbe ein Akt der Selbstverstümmelung genügend Stoff zur Spekulation. Extreme Seelenzustände, die an psychiatrische Zuständsbilder erinnern, fehlen ebensowenig wie eine weitgehende Verkennung seines künstlerischen Ranges über viele Jahre hinweg. Doch Munchs sprichwörtlicher Armut in dieser Zeit eignet nichts Messianisches. Vielmehr bewegte er sich in einer Bohème, die eher mit dem Satanismus liebäugelte und die Selbstdestruktion ihrer Alkohol- und Drogenexzesse zum Prinzip erhob. Etwas Finsteres und Melancholisches schien in Munchs Wesen, etwas potentiell Gewalttätiges sogar, obwohl ihn Kinder seit je liebten und seine großzügige Uneigennützigkeit geradezu sprichwörtlich war. Einerseits als Skandalkünstler schon früh europaweit bekannt, lebte er andererseits die meiste Zeit seines Lebens als unauffälliger Ein siedler in provinzieller Zurückgezogenheit. Niemanden ließ er kalt, und so sind die Zeugnisse zu seinem Leben zahlreich. Die meisten sind jedoch nie auf Deutsch und schon gar nicht gesammelt als Buch erschienen. Der neue Band der Reihe
«en face» hält deshalb viel Überraschendes über einen Künstler bereit, den fast alle kennen und doch keiner wirklich.

En face - Texte von Augenzeugen. Band 6

Erinnerungen an Edvard Munch

Was sie zu starken Frauen macht – und was wir von ihnen lernen können

Das Geheimnis der Isländerinnen

Arbeit und Abenteuer an traumhaften Orten – mit Tipps für den perfekten Arbeitsurlaub

Workation Travel Guide Europa

Architect, artist, designer, and visionary, Frederick Kiesler was one of the most fascinating figures of the twentieth century. He staged unconventional exhibitions that became an art form, bridging the gap between Viennese Modernism and De Stijl, Surrealism and the American avant-garde of the 1960s. Probably no other artist has worked for so long in such different worlds and so widely as he has. His innovative works respond to their environment-no object exists on its own. For him, life and art were always in motion and interchangeable.
 FREDERICK (FRIEDRICH) KIESLER (1890-1965), born in Czernowitz&nbsp;(formerly Austria-Hungary, now Ukraine) and educated in Vienna, has continued to this day to inspire artists from a wide range of disciplines.

Architect, artist, designer, and visionary, Frederick Kiesler was one of the most fascinating figures of the twentieth century. He staged unconventional exhibitions that became an art form, bridging the gap between Viennese Modernism and De Stijl, Surrealism and the American avant-garde of the 1960s. Probably no other artist has worked for so long in such different worlds and so widely as he has. His innovative works respond to their environment—no object exists on its own. For him, life and art were always in motion and interchangeable.
 FREDERICK (FRIEDRICH) KIESLER (1890–1965), born in Czernowitz&nbsp;(formerly Austria-Hungary, now Ukraine) and educated in Vienna, has continued to this day to inspire artists from a wide range of disciplines.

The Art of Frederick Kiesler

Die Blütenfreundinnen

Roman | Band 3 I Vier Frauen, die Mitten im Leben und doch an Scheidewegen stehen I Wunderbare Feel-Good-Momente garantiert

Die Blütenfreundinnen - Orangenglück

Der clubunabhängige ECC Campingführer Skandinavien beinhaltet insgesamt rund 900 Campingplätze in Dänemark, Norwegen, Schweden und Finnland - in einem Band - mit genauen Adressen und detaillierten Angaben zu Ausstattung, Preisen und Freizeitmöglichkeiten auf den Plätzen und rund um die Plätze. Im ECC findet man sowohl große als auch kleine Plätze, vom einfachen Ein- bis Zwei-Sterne-Platz bis zum luxuriösen Fünf-Sterne Camping - also Plätze für jeden Geschmack. Es gibt keine "Vertragsplätze" o.Ä.
Ausführliche Beschreibung der Anfahrtswege (mit GPS-Koordinaten). Übersichtliche und aktuelle Karten für jedes Land - eingeteilt nach touristischen Regionen - um die genaue Lage der Plätze schnell festzustellen. Bewertung der Campingplätze in fünf Kategorien.

ECC Campingführer Skandinavien

Die reich bebilderte Publikation zeigt herausragende Werke der amerikanischen Nachkriegskunst im Vorfeld der Eröffnung des Museum Reinhard Ernst in Wiesbaden. Angefangen bei Josef Albers über Helen Frankenthaler bis hin zu Andy Warhol und Julian Schnabel illustrieren sie die eindrucksvolle Vielfalt abstrakter Positionen jenseits des Atlantiks.Den Facettenreichtum von rund 70 Jahren amerikanischer Abstraktion offenbart der Blick auf einflussreiche Einzelpositionen und auf Künstlergruppierungen wie die New York School und die Washington Color School. Expressive Formspiele treffen auf streng geometrische Kompositionen, malerische Werke treten in Dialog mit skulpturalen Objekten. Bei aller Verschiedenheit unterstreichen die 110 Werke von 45 Künstlerinnen und Künstlern vor allem die große Freude an der Farbe.

Künstler*innen:
Josef Albers, Richard Anuszkiewicz, Norman Bluhm, David Budd, John Chamberlain, Oscar Chelimsky, Gene Davis, Richard Diebenkorn, Friedel Dzubas, Sam Francis, Ruth Francken, Helen Frankenthaler, Adolph Gottlieb, Peter Halley, Hans Hofmann, Paul Jenkins, Franz Kline, John Franklin Koenig, Willem de Kooning, Lee Krasner, John Levee, Morris Louis, Robert Mangold, Conrad Marca-Relli, Brice Marden, Joseph Marioni, Ed Moses, Robert Motherwell, Kenneth Noland, Jules Olitski, Jackson Pollock, Larry Poons, Robert Rauschenberg, Julian Schnabel, John Seery, Richard Serra, Theodoros Stamos, Frank Stella, Walasse Ting, Mark Tobey, Esteban Vicente, Andy Warhol, Tom Wesselmann, Frank Lloyd Wright, Kenneth Victor Young

American Painting in the Collection Reinhard Ernst

Abstract Expressionism - And Beyond

Kälte

Suhrkamp BasisBibliothek

Text und Kommentar in einem Band. 
 
 In der Suhrkamp BasisBibliothek erscheinen literarische Hauptwerke aller Epochen und Gattungen als Arbeitstexte für Schule und Studium. Der vollständige Text wird ergänzt durch anschaulich geschriebene Kommentare.

Text und Kommentar in einem Band. In der Suhrkamp BasisBibliothek erscheinen literarische Hauptwerke aller Epochen und Gattungen als Arbeitstexte für Schule und Studium. Der vollständige Text wird ergänzt durch anschaulich geschriebene Kommentare.

Kafka. Der Verschollene

Mit diesem Buch setzt Gertraud Kiedaisch die erfolgreiche Reihe
ihrer Drehbilderbücher nach Grimmschen Märchen fort. Durch
das alte Prinzip der Drehscheibe erhalten die zarten Illustrationen
eine besondere Dimension: Die Handlung gerät buchstäblich 'in
Bewegung', die kindliche Fantasie wird angeregt.

Mit diesem Buch setzt Gertraud Kiedaisch die erfolgreiche Reihe
ihrer Drehbilderbücher nach Grimmschen Märchen fort. Durch
das alte Prinzip der Drehscheibe erhalten die zarten Illustrationen
eine besondere Dimension: Die Handlung gerät buchstäblich 'in
Bewegung', die kindliche Fantasie wird angeregt.

Ein Drehbilderbuch

Schneewittchen

BildEvidenz

Künstlerische Verfahren von Unschärfe und Fokus prägen die mediale Struktur gemalter Bilder als ästhetische Textur mit einer spezifischen Evidenz aus. Die beiden Leitbegriffe des Buchs, Unschärfe und Fokus, lassen sich als bildlich generierte »Behinderungen« und »Trübungen« bzw. »Berichtigungen« und »Steigerungen« des Sehens verstehen. Sie stellen in und mit Bildern vollzogene Verhandlungen des scheinbar klar und offenkundig Ersichtlichen dar und entfalten ihre Wirkung als ästhetische Vermittlungs- und Reflexionsformen jener Differenz, die zwischen Zeichen und Bedeutung, sinnlicher Anschauung und begriffsfundierter Erkenntnis besteht. In ihrer bildspezifischen Relevanz lassen sie sich damit als heuristische Kategorien profilieren, die unterschiedliche modale Ausprägungen von Evidenz bezeichnen. Diese Evidenz, so ein Argument des Buchs, ist nur in der Präsenz medialer Darstellung gegeben und nicht als Visualisierung eines vorgängig bestehenden Begriffs oder Prätexts. Es geht vielmehr um eine bildliche Textur, die sich als mediale Konstruktion und in ästhetischer Alterität zu einem »Text« konstituiert. Das Buch konzentriert sich auf die frühe Neuzeit und nimmt mit Fallstudien zu Jan Vermeer, Frans Hals, Willem Kalf und anderen besonders die holländische Malerei des&nbsp;17.&nbsp;Jahrhunderts in den Blick.

Künstlerische Verfahren von Unschärfe und Fokus prägen die mediale Struktur gemalter Bilder als ästhetische Textur mit einer spezifischen Evidenz aus.

Die beiden Leitbegriffe des Buchs, Unschärfe und Fokus, lassen sich als bildlich generierte »Behinderungen« und »Trübungen« bzw. »Berichtigungen« und »Steigerungen« des Sehens verstehen. Sie stellen in und mit Bildern vollzogene Verhandlungen des scheinbar klar und offenkundig Ersichtlichen dar und entfalten ihre Wirkung als ästhetische Vermittlungs- und Reflexionsformen jener Differenz, die zwischen Zeichen und Bedeutung, sinnlicher Anschauung und begriffsfundierter Erkenntnis besteht. In ihrer bildspezifischen Relevanz lassen sie sich damit als heuristische Kategorien profilieren, die unterschiedliche modale Ausprägungen von Evidenz bezeichnen. Diese Evidenz, so ein Argument des Buchs, ist nur in der Präsenz medialer Darstellung gegeben und nicht als Visualisierung eines vorgängig bestehenden Begriffs oder Prätexts. Es geht vielmehr um eine bildliche Textur, die sich als mediale Konstruktion und in ästhetischer Alterität zu einem »Text« konstituiert.
Das Buch konzentriert sich auf die frühe Neuzeit und nimmt mit Fallstudien zu Jan Vermeer, Frans Hals, Willem Kalf und anderen besonders die holländische Malerei des&nbsp;17.&nbsp;Jahrhunderts in den Blick.

Bilder zwischen Unschärfe und Fokus

Texturen der Evidenz

Anders Zorn - Schwedens Superstar

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