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Müller-Kuperski I: Anders sehen Ingrid
Müller-Kuberski

Anders sehen Ingrid Müller-Kuberski

Arbeiten auf Alu-Dibond 2017 - 2025

Zum 100. Geburtstag von Alf Lechner feiert das Lechner Museum einen der bedeutendsten deutschen Stahlbildhauer mit einem umfassenden Jubiläumsprojekt aus zwei Ausstellungen und einem begleitenden Katalog. Die Retrospektive "Alf Lechner 100: Materie Stahl" zeigt Werke aus allen Schaffensphasen und verdeutlicht, wie sich Lechners Verständnis von Materialität wandelte - von der Unterordnung der Materie unter die Form hin zur Erkenntnis des Stahls als eigenständigem Akteur im künstlerischen Prozess. "A Matter of Perspective" erweitert diesen Blick und stellt Lechners Werk in den Kontext internationaler Positionen - darunter Charlotte Posenenske, Robert Morris, Hanne Darboven, Richard Serra, Agnes Martin, Fred Sandback, Reiner Ruthenbeck, Nasreen Mohamedi, Franz Erhard Walther und Riki Mijling. Mit Werkabbildungen und wissenschaftlichen Texten eröffnet der Band neue Perspektiven auf Materialästhetik, Ökologie und Produktion.

Alf Lechner 100

A Matter of Perspective

The internationally acclaimed Slovakian conceptual artist Roman Ondak (b. 1966) responds to the historical specificities of Central Europe while also reflecting on the functioning of society in today's global world in works that highlight the cyclical nature of processes and the reciprocal mirroring of the past and the present. His distinctive creative traits include the use of ordinary objects and materials as well as everyday situations, which he transfers into the exhibition space. This richly illustrated catalogue with essays by Barbora Ropková and Dieter Roelstraete accompanies the exhibition "The Day After Yesterday" at Kunsthalle Praha and explores Ondak's artistic universe, in which existential and societal themes naturally intertwine with a biography of his own family.

Roman Ondak: The Day After Yesterday

A Contemporary Anthology of Skull-Inspired Art

Skulls: Art In Bone

Einige von Cevdet Ereks ortsspezifischen Installationen und Klangumgebungen, die sich an der Schnittstelle von Sound, Skulptur und Architektur bewegen, drehen sich um die Idee der "Klangornamentik". Hier ist Klang nicht Hintergrund, sondern Architektur selbst - etwas Gebautes, Bewohntes und durch sich bewegende Körper Erfahrbares. Die Publikation bietet einen Überblick über Ereks Klangornamentik-Projekte der letzten fünfzehn Jahre. Die künstlerische Intervention besteht aus einem Poster, das Ereks Entwurf für die Klangornamentik an der Fassade der Secession zeigt.

Text: Cevdet Erek, Ramona Heinlein, Gabriele Knapstein, Luigia Lonardelli, Eva Scharrer, Sandeep Sodhi

Ausst. Kat. Secession, Wien

Cevdet Erek. Sound Ornamentation 2010–2025

A - Z Reihe

Niki de Saint Phalle - Künstlerin, Rebellin und Visionärin. Bekannt für ihre farbenfrohen "Nanas", ihre gesellschaftskritischen Werke und ihre unkonventionelle Arbeitsweise, zählt Niki de Saint Phalle zu den prägendsten Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts.In diesem Band der Hatje Cantz Reihe A-Z entfaltet sich ein faszinierendes Mosaik ihres Œuvres. Von "A wie AIDS" bis "Z wie Züricher Engel" führt das Buch durch die vielfältigen Facetten von Saint Phalles Leben und Schaffen - spielerisch, überraschend und inspirierend. Ein einzigartiger Zugang zu einer Künstlerin, die ihre Freiheit immer neu definierte.<ul><li>Von Nanas bis Züricher Engel: Das gesamte Spektrum von Saint Phalles Werk.</li><li>Künstlerische Freiheit: Ein kreativer Zugang zur Kunst durch Alphabet-Ordnung.</li><li>Inspirierender Lesegenuss: Ein Buch, das die Vielfalt und Tiefe ihrer Kunst lebendig macht.</li></ul>Hatje Cantz A-Z - Kunstgeschichte kompakt und inspirierend.Die Hatje Cantz Buchreihe A-Z bringt große Künstlerinnen und Künstler der Kunstgeschichte in kompakter, unterhaltsamer Form näher. Jeder Band bietet biografische Einblicke, überraschende Details und spannende Perspektiven auf ihr Schaffen. Mit klarer Struktur und handlichem Format ist die Reihe der ideale Begleiter für Kunstinteressierte, Sammler und Neuentdecker.NIKI DE SAINT PHALLE (1930-2002) ist eine der bedeutendsten Künstlerinnen und Bildhauerinnen ihrer Generation. Aufgewachsen in Paris und New York, kehrte sie in den 1950er-Jahren nach Paris zurück, wo sie ihre künstlerische Karriere mit ihren legendären Schießbildern begann.

Niki de Saint Phalle – Künstlerin, Rebellin und Visionärin.
 Bekannt für ihre farbenfrohen „Nanas“, ihre gesellschaftskritischen Werke und ihre unkonventionelle Arbeitsweise, zählt Niki de Saint Phalle zu den prägendsten Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts.
 
 In diesem Band der 
 Hatje Cantz Reihe A–Z
 entfaltet sich ein faszinierendes Mosaik ihres Œuvres. Von „A wie AIDS“ bis „Z wie Züricher Engel“ führt das Buch durch die vielfältigen Facetten von Saint Phalles Leben und Schaffen – spielerisch, überraschend und inspirierend. Ein einzigartiger Zugang zu einer Künstlerin, die ihre Freiheit immer neu definierte.
 <ul><li>Von Nanas bis Züricher Engel:
 Das gesamte Spektrum von Saint Phalles Werk.
 </li><li>Künstlerische Freiheit:
 Ein kreativer Zugang zur Kunst durch Alphabet-Ordnung.
 </li><li>Inspirierender Lesegenuss:
 Ein Buch, das die Vielfalt und Tiefe ihrer Kunst lebendig macht.
 </li></ul>Hatje Cantz A–Z – Kunstgeschichte kompakt und inspirierend.Die Hatje Cantz Buchreihe A–Z bringt große Künstlerinnen und Künstler der Kunstgeschichte in kompakter, unterhaltsamer Form näher. Jeder Band bietet biografische Einblicke, überraschende Details und spannende Perspektiven auf ihr Schaffen. Mit klarer Struktur und handlichem Format ist die Reihe der ideale Begleiter für Kunstinteressierte, Sammler und Neuentdecker.NIKI DE SAINT PHALLE (1930–2002) ist eine der bedeutendsten Ku¨nstlerinnen und Bildhauerinnen ihrer Generation. Aufgewachsen in Paris und New York, kehrte sie in den 1950er-Jahren nach Paris zuru¨ck, wo sie ihre ku¨nstlerische Karriere mit ihren legendären Schießbildern begann.

Niki de Saint Phalle: A–Z

Im Fokus der Ausstellung Im Erweiterten Raum stehen herausragende künstlerische Positionen der Malerei und Zeichnung - Kunstwerke aus der STRABAG ART Collection, die auf sehr unterschiedliche Art und Weise die Grenzen ihres Mediums ausloten. Dabei beweisen sie einmal mehr, dass diese traditionellen Ausdrucksmittel der zeitgenössischen Kunst in unserer multimedialen Gegenwart nichts an Strahlkraft und Ausdrucksstärke verloren haben. Die vielfältigen, bisweilen auch raumgreifenden und eigens für die Schau entstandenen Arbeiten überzeugen sowohl durch formale als auch inhaltliche Könnerschaft. Die zehn in der Ausstellung gezeigten österreichischen und europäischen Künstler*innen sind Preisträger*innen des STRABAG ART Award.


Im Dialog mit der Hauptausstellung gewähren die Räumlichkeiten der Factory einen vertiefenden Einblick in den STRABAG ART Award. Zu sehen sind Kunstwerke von insgesamt 34 nationalen und internationalen künstlerischen Positionen aus der STRABAG ART Collection.

Im erweiterten Raum

' La peinture de paysage est comme le jazz libre ', affirme Yann Stéphane Bisso (*1998). Il combine différents éléments dans une improvisation libre, la lumière et l'eau étant des composants essentiels. L'eau - sous forme de vapeur, de liquide ou de glace, et surtout sous celle de nuages - lui sert d'image de la mutabilité, de l'identité et de sa fluidité. Dans ses œuvres, l'artiste réfléchit sur le patrimoine culturel, sa circulation, sa récurrence et sa réinterprétation. Ses origines camerounaises constituent le socle de cette réflexion, tout comme son enfance en France et ses études en Suisse. La vie, les souvenirs et les héritages étant fondés sur le changement, ils offrent une grande diversité de perspectives.

Mosaïque Présence Absence

Yann Stéphane Bisso

Kunstbuch (Edition Hibana)

Ferdinand Dölberg stellt in seinen Mixed-Media-Werken die Frage nach Persönlichkeit, nach Individualität in Zeiten von Zersplitterung und Konflikt. Mehrdimensionale Räume, darin spukhafte Figuren und Gesichter und abstrahierte Körperformen der nonbinären Gestalten bestimmen die Arbeiten. Sarah Neumann zeigt einen Airbrush-Werkzyklus, der mit nicht Greifbarem spielt: Inspiration findet sich in Träumen oder fernen Erinnerungen. Verletzbarkeit und taumelnde Sicherheiten bestimmen die Werke beider Künstler. Ein facettenreicher Katalog zweier aufstrebender Kunstschaffender zu einer Ausstellung im Kunstverein Ulm.

Ferdinand Dölberg & Sarah Neumann

und wenn sie es dir sagen

Marianna Simnetts (*1986) traumartige, surreale Welten führen in ein Labyrinth aus zersplitterten Realitäten und unheimlichen Begegnungen. Mit Video, Künstlicher Intelligenz, Skulptur, Malerei und Musik erschafft die Künstlerin raumgreifende Installationen, die gleichzeitig verführen und verstören. Simnetts enge Verbindung zu den Ideen des Surrealismus wird zentral beleuchtet. Marianna Simnetts Ausstellung Headless umfasst sieben Werkjahre und vereint neue und frühere Werke der Künstlerin und beleuchtet ihre enge Verbindung zum Surrealismus. In der neu geschaffene Gemäldeserie Headless nimmt sie direkten Bezug auf Max Ernsts Collageroman "La femme 100 têtes" (1929). Sie verwebt in ihrer traumartigen Gesamtinstallation drängende Fragen zu Geschlechterhierarchien, Metamorphosen, Verletzlichkeit, Kontrolle und Schmerz. Durch mythologische Themen verbindet sie in ihrer multidisziplinären Praxis Vergangenheit und Gegenwart und erschafft eigene Alter Egos. 
Mit einer Fantasy Story von Lisa Tuttle

Marianna Simnetts (*1986) traumartige, surreale Welten führen in ein Labyrinth aus zersplitterten Realitäten und unheimlichen Begegnungen. Mit Video, Künstlicher Intelligenz, Skulptur, Malerei und Musik erschafft die Künstlerin raumgreifende Installationen, die gleichzeitig verführen und verstören. Simnetts enge Verbindung zu den Ideen des Surrealismus wird zentral beleuchtet.Marianna Simnetts Ausstellung Headless umfasst sieben Werkjahre und vereint neue und frühere Werke der Künstlerin und beleuchtet ihre enge Verbindung zum Surrealismus. In der neu geschaffene Gemäldeserie Headless nimmt sie direkten Bezug auf Max Ernsts Collageroman ”La femme 100 têtes“ (1929). Sie verwebt in ihrer traumartigen Gesamtinstallation drängende Fragen zu Geschlechterhierarchien, Metamorphosen, Verletzlichkeit, Kontrolle und Schmerz. Durch mythologische Themen verbindet sie in ihrer multidisziplinären Praxis Vergangenheit und Gegenwart und erschafft eigene Alter Egos. 
Mit einer Fantasy Story von Lisa Tuttle

Headless

Marianna Simnett

Einblicke in den Schaffensprozess einer Künstlerin, die mit ihren Arbeiten aus gebrauchten Materialien in der Tradition des Readymade wie auch der Minimal Art steht.

Virginia Overton baut aus gebrauchten Materialien großformatige Skulpturen: Aus Stahlträgern, Holzbalken, zerlegten Fahrzeugen oder Reklameschriftzügen montiert, schraubt und schweißt sie Arbeiten, in denen Materialästhetik auf Reflektionen über ökologische, soziale und ökonomische Fragen trifft. Ihre Werke eröffnen Bedeutungsräume zwischen Konstruktion und Dekonstruktion, zwischen (Bau-)arbeit und Kunst, zwischen Funktion und Symbol. Der Band zeigt in langen Fotoserien deren Entstehungsprozess bis hin zur Installation im Museum. 

Text: Lynn Kost, Clare Lilley, Courtney J. Martin.

Ausst. Kat. Kunst Museum Winterthur

Virginia Overton. Material Girl

SIDREA Series in Accounting and Business Administration

This book explores the multifaceted role of gender in contemporary society, focusing on its influence across art and cultural expression, entrepreneurial practices, and sustainability strategies. Based on contributions presented at the 10th Ipazia Workshop, the volume examines how art and culture serve as powerful tools for social inclusion, how gender dynamics shape innovation and entrepreneurship within the “Made in Italy” industries, and how emerging sustainability policies reflect a growing commitment to gender equality.
Adopting a multidisciplinary approach, the book investigates both conceptual frameworks and empirical evidence, addressing the challenges and opportunities that gender issues present in creative, economic, and reporting practices. The content is organized into three main sections: gender and inclusion in art and culture; gender dynamics in entrepreneurship and innovation; and gender equality in sustainability and disclosure.
This volume is intended for academics, researchers, and graduate students in gender studies, cultural studies, sustainability, and business innovation. It also appeals to policymakers, entrepreneurs, and cultural professionals seeking to understand the intersection of gender with creativity, economic development, and sustainable practices.

Gender Perspectives in the Contemporary World

Art, Culture and Made in Italy

Aus der vitalen rheinischen Kunstszene brach Sigmar Polke (1941-2010) 1980 mit Britta Zoellner nach Südostasien auf. Eine geplante stille Arbeitszeit auf Bali wurde zu einer 13-monatigen Reise von Indonesien über Singapur nach Papua-Neuguinea, Australien, Tasmanien, Malaysia und Thailand. Fasziniert von den alten Hochkulturen, der Gamelan-Musik, dem Schattentheater, wandten sie sich vermehrt ethnischen Gesellschaften und deren Lebensformen zu, vor allem aber auch der Natur, der tropischen Fauna und Flora.Dank Zoellners Kalendernotizen, Filmen und Fotos sowie anderer unveröffentlichter Quellen zeichnet die Kunsthistorikerin Katharina Schmidt erstmals diese kaum bekannte Reise chronologisch genau nach. Sie untersucht, wie die intensive Erfahrung anderer Kulturen und grandioser Landschaftsräume, auch das Entdecken kosmischer Ereignisse durch Meteoriten, den Künstler bewegte. Dabei schildert sie, wie der Nuancenreichtum der Farbeindrucke und die Fülle der Beobachtungen künftig Polkes Kunst, seinen Naturbegriff und seine Vorstellungen von Raum und Zeit prägten. Empathie für das Schicksal indigener Völker unter kolonialer Herrschaft und für eine durch Ausbeutung der Bodenschätze wie Uran oder Gold gefährdete Natur lässt erkennen, wie achtsam und weitblickend diese stille, konzentrierte Künstlerreise verlief.Das Buch ist in Zusammenarbeit mit der Thomas und Doris Ammann Stifung, Zürich, entstanden.

Aus der vitalen rheinischen Kunstszene brach Sigmar Polke (1941–2010) 1980 mit Britta Zoellner nach Südostasien auf. Eine geplante stille Arbeitszeit auf Bali wurde zu einer 13-monatigen Reise von Indonesien über Singapur nach Papua-Neuguinea, Australien, Tasmanien, Malaysia und Thailand. Fasziniert von den alten Hochkulturen, der Gamelan-Musik, dem Schattentheater, wandten sie sich vermehrt ethnischen Gesellschaften und deren Lebensformen zu, vor allem aber auch der Natur, der tropischen Fauna und Flora.Dank Zoellners Kalendernotizen, Filmen und Fotos sowie anderer unveröffentlichter Quellen zeichnet die Kunsthistorikerin Katharina Schmidt erstmals diese kaum bekannte Reise chronologisch genau nach. Sie untersucht, wie die intensive Erfahrung anderer Kulturen und grandioser Landschaftsräume, auch das Entdecken kosmischer Ereignisse durch Meteoriten, den Künstler bewegte. Dabei schildert sie, wie der Nuancenreichtum der Farbeindrucke und die Fülle der Beobachtungen künftig Polkes Kunst, seinen Naturbegriff und seine Vorstellungen von Raum und Zeit prägten. Empathie für das Schicksal indigener Völker unter kolonialer Herrschaft und für eine durch Ausbeutung der Bodenschätze wie Uran oder Gold gefährdete Natur lässt erkennen, wie achtsam und weitblickend diese stille, konzentrierte Künstlerreise verlief.Das Buch ist in Zusammenarbeit mit der Thomas und Doris Ammann Stifung, Zürich, entstanden.

1980–1981

Sigmar Polke. Die Reise

Anders sehen Ingrid Müller-Kuberski

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