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José López-Rey: 40 - Velazquez, Complete
Works

40 - Velazquez, Complete Works

The radical avant-gardist Franz Fedier is one of the most important figures of abstract painting in Switzerland. Yet, he was not only a practicing artist, but also a theoretical thinker. Throughout his life, but especially in his later years, he put his in-depth thoughts on art and being an artist down in writing.
The thematic breadth of the interviews, reflections, and analyses corresponds to the formal character of his texts: from art-theoretical reflections to ironic confrontations with the work of predecessors and contemporaries, or texts of an almost lyrical character, and certainly with moments of humor. From the multitude of these writings, the editors have made a representative selection, which will be juxtaposed with an overview of Fedier's artistic work in the publication around his 100th birthday with illustrations of works from all creative phases.

The radical avant-gardist Franz Fedier is one of the most important figures of abstract painting in Switzerland. Yet, he was not only a practicing artist, but also a theoretical thinker. Throughout his life, but especially in his later years, he put his in-depth thoughts on art and being an artist down in writing.
The thematic breadth of the interviews, reflections, and analyses corresponds to the formal character of his texts: from art-theoretical reflections to ironic confrontations with the work of predecessors and contemporaries, or texts of an almost lyrical character, and certainly with moments of humor. From the multitude of these writings, the editors have made a representative selection, which will be juxtaposed with an overview of Fedier's artistic work in the publication around his 100th birthday with illustrations of works from all creative phases.

Franz Fedier: Gesammelte Schriften

Edward Hopper (1882-1967), prominentester Vertreter des Realismus in der amerikanischen Malerei, führte akribisch Buch über jedes einzelne seiner Werke. In Heften, die sich heute im reichen Hopper-Fundus des Whitney Museum of American Art in New York befinden, verzeichnete er, begleitet von Skizzen der ausgeführten oder noch in Betracht kommenden Motive, welche Bilder er gemalt, welche er verkauft hatte, den Eingang von An- bzw. Bezahlungen, die benutzten Malmaterialien und sonstige Sachvermerke. Hoppers Notate zum eigenen Werk gehen jedoch insofern über die tägliche Buchführung eines Künstlers hinaus, als sie persönliche Einblicke in den Schaffensprozess eines als verschlossen und schweigsam bekannten Mannes eröffnen, der sich in seiner Kunst wie kein Zweiter dem Alltäglichen verschrieben hatte. Unser Band stellt ausgewählte Seiten aus Hoppers "Hauptbuch" den betreffenden Gemälden gegenüber und veranschaulicht so das Making-of und das weitere Schicksal von Edward Hoppers großartigem Werk. Den einführenden Text schrieb die in New York lebende Hopper-Spezialistin Deborah Lyons.

Mit Skizzen und Aufzeichnungen aus den Werkstattbüchern des Malers

Ausgewählte Gemälde

Die Transportmittel, Häuserketten, Menschen, Kühe und Gewässer in den Zeichnungen und Bildern des Künstlers Hans Schweizer erzählen von Verortung und Bewegung, von Bedrängung und Tanz. Die Augen wandern durch Bildflächen hindurch und vollziehen die stete Suche des Künstlers nach.
Geboren 1942 in Herisau, war Hans Schweizer in St. Gallen, Paris, Toronto, Zürich, Berlin und im Appenzellerland zu Hause. Das Kunst(Zeug)Haus Rapperswil-Jona widmet ihm anlässlich des 80. Geburtstages eine Ausstellung, zu der auch dieses Buch erscheint. Es bietet Raum für die unbeirrbare Formgebung von Schweizers Beobachtungen, sein eigenes Positionieren in einer Welt, deren Krisen und Unstimmigkeiten ihn beschäftigen. Ausgehend von einem umfassenden, noch nie gezeigten Konvolut von Werken der 1980er-Jahre werden Verbindungen zu allen Schaffensjahren und insbesondere zu Schweizers aktuellen Arbeiten gezogen.

In die Welt hinaus und zurück in die appenzellische Heimat: der Maler und Zeichner Hans Schweizer

Hier und Anderswo

Hans Schweizer

Gustav Klimt führte zeit seines Lebens einen künstlerischen Dialog mit den Formen und Farben der Natur. Anlässlich der Eröffnung des weltweit ersten Klimt-Gartens am Attersee widmet die Klimt-Foundation den vierten Band der "Edition Klimt" der sinnlich- emotionalen Naturverbundenheit des Malers. Üppig tragende Obstbäume, blühende Wiesen und mystische Waldeinblicke charakterisieren Klimts Werk abseits honoriger Porträt- und öffentlicher Aufträge und spiegeln wohl auch seine tatsächliche Sehnsucht wider - nach einem sorgenfreien, sinnlich-genussvollen Leben im zauberhaften Gartenparadies, das "einem Sternenhimmel gleicht". Im Fokus dieser Publikation steht Klimts "Kunstnatur" - sei es in seinem Josefstädter Atelier mit Hinterhof-Grünraum, im verwunschenen Künstlergarten im Biedermeier-Atelier in Hietzing oder an seinem motivisch ausgiebigen "Sehnsuchtsort" Attersee. Dass Klimts imposante Pflanzenwelten auch heutzutage noch faszinieren, zeigt der Auktionsmarkt: Sein prachtvoller "Bauerngarten" erreichte zuletzt über 50 Millionen Euro.

Gustav Klimt führte zeit seines Lebens einen künstlerischen Dialog mit den Formen und Farben der Natur. Anlässlich der Eröffnung des weltweit ersten Klimt-Gartens am Attersee widmet die Klimt-Foundation den vierten Band der „Edition Klimt“ der sinnlich- emotionalen Naturverbundenheit des Malers.
Üppig tragende Obstbäume, blühende Wiesen und mystische Waldeinblicke charakterisieren Klimts Werk abseits honoriger Porträt- und öffentlicher Aufträge und spiegeln wohl auch seine tatsächliche Sehnsucht wider – nach einem sorgenfreien, sinnlich-genussvollen Leben im zauberhaften Gartenparadies, das „einem Sternenhimmel gleicht“. Im Fokus dieser Publikation steht Klimts „Kunstnatur“ – sei es in seinem Josefstädter Atelier mit Hinterhof-Grünraum, im verwunschenen Künstlergarten im Biedermeier-Atelier in Hietzing oder an seinem motivisch ausgiebigen „Sehnsuchtsort“ Attersee. Dass Klimts imposante Pflanzenwelten auch heutzutage noch faszinieren, zeigt der Auktionsmarkt: Sein prachtvoller „Bauerngarten“ erreichte zuletzt über 50 Millionen Euro.

Florale Welten

Gustav Klimt

This catalogue for the exhibition at Kunstmuseum Luzern covers the entire oeuvre of the outstanding British artist David Hockney. With more than 80 paintings, drawings, and prints, this life's work spans Hockney's London student years, the 1960s in Los Angeles, the reorientation of his painting in the 1980s, a decade of Yorkshire landscapes, and his most recent, monumental iPad drawings. These works from the Tate's collection form the magical essence of this vast oeuvre, including the double portraits My Parents and Mr and Mrs Clark and Percy, or the iconic A Bigger Splash. The essays illuminate Hockney's socialization in the young queer culture of 1960s England; personal contributions and recollections by Frank Gehry, Marieke Lucas Rijneveld, Ed Ruscha, Christine Streuli, or Ali Smith mark Hockney's great significance for contemporary everyday culture.DAVID HOCKNEY (*1937) spent his childhood in Yorkshire. During his studies at the Royal College of Art, he first attracted public attention in 1961. Since then he has advanced to become one of the most important contemporary artists. In addition to painting, he works as a draftsman, graphic artist, stage designer and photographer.

Dieser Katalog zur Ausstellung im Kunstmuseum Luzern umfasst das gesamte Schaffen des herausragenden britischen Künstlers David Hockney. Mit mehr als 80 Gemälden, Zeichnungen und Druckgrafiken spannt sich das Lebenswerk aus Hockneys Londoner Studienzeit über die 1960er-Jahre in Los Angeles, die Neuausrichtung seiner Malerei in den 1980er-Jahren, einem Jahrzehnt mit Landschaften aus Yorkshire bis hin zu seinen jüngsten, monumentalen iPad-Zeichnungen. Diese Werke aus der Sammlung der Tate bilden die magische Essenz dieses großen Œuvres, darunter die Doppelporträts My Parents und Mr and Mrs Clark and Percy oder das ikonische A Bigger Splash. Die Essays beleuchten Hockneys Sozialisation in der jungen Queer Culture Englands der 1960er-Jahre; persönliche Beiträge und Erinnerungen von Frank Gehry, Marieke Lucas Rijneveld, Ed Ruscha, Christine Streuli oder Ali Smith markieren Hockneys große Bedeutung für die zeitgenössische Alltagskultur.DAVID HOCKNEY (*1937) verbrachte seine Kindheit in Yorkshire. Während seines Studiums am Royal College of Art zog er 1961 erstmals öffentliche Aufmerksamkeit auf sich. Seitdem avancierte er zu einem der bedeutendsten Künstler der Gegenwart. Neben der Malerei arbeitet er als Zeichner, Grafiker, Bühnenbildner und Fotograf.

Moving Focus

David Hockney

Die über 80 Selbstportraits in Pascal Bonafouxs neuem Buch zeigen alle Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669), den berühmtesten Maler der Niederlande im 17. Jahrhundert. Kein anderer Künstler ist so bekannt für die Darstellung der eigenen Person wie der in Leiden geborene Sohn eines Müllers, der in seinen 63 Lebensjahren einen kometenhaften Aufstieg zum gefeiertsten Künstler seiner Zeit wie auch den finanziellen Ruin im Alter erlebt hat. Aber wie prekär die Lebenslage auch war, Rembrandt hörte nie auf, sich selbst zu malen. 
Zunächst als Physiognomie- und Kostümstudien gedacht, entwickeln sich Rembrandts Selbstdarstellungen schnell zu einem gefragten Motiv in Sammlerkreisen und werden in ganz Europa hoch geschätzt als Belege seiner außergewöhnlichen künstlerischen Begabung. Ob jugendlich oder altersweise, ob versteckt im großen Historiengemälde oder kleine Studie, ob Malerei, Radierung oder Zeichnung - des Künstlers Konterfei zieht sich in seinem Werk durch alle Zeiten, Gattungen, Formate und Techniken.
Pascal Bonafoux (geb. 1949), ausgewiesener Spezialist für das Selbstportrait in der Kunst und Professor für Kunstgeschichte an der Universität Paris VIII, liefert zum 350. Todestag Rembrandts, den die Kunstwelt am 4. Oktober 2019 begeht, ein neues Standardwerk, das erstmals alle derzeit bekannten und gesicherten Selbstbilder versammelt.

Die über 80 Selbstportraits in Pascal Bonafouxs neuem Buch zeigen alle Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606–1669), den berühmtesten Maler der Niederlande im 17. Jahrhundert. Kein anderer Künstler ist so bekannt für die Darstellung der eigenen Person wie der in Leiden geborene Sohn eines Müllers, der in seinen 63 Lebensjahren einen kometenhaften Aufstieg zum gefeiertsten Künstler seiner Zeit wie auch den finanziellen Ruin im Alter erlebt hat. Aber wie prekär die Lebenslage auch war, Rembrandt hörte nie auf, sich selbst zu malen. 
Zunächst als Physiognomie- und Kostümstudien gedacht, entwickeln sich Rembrandts Selbstdarstellungen schnell zu einem gefragten Motiv in Sammlerkreisen und werden in ganz Europa hoch geschätzt als Belege seiner außergewöhnlichen künstlerischen Begabung. Ob jugendlich oder altersweise, ob versteckt im großen Historiengemälde oder kleine Studie, ob Malerei, Radierung oder Zeichnung – des Künstlers Konterfei zieht sich in seinem Werk durch alle Zeiten, Gattungen, Formate und Techniken.
Pascal Bonafoux (geb. 1949), ausgewiesener Spezialist für das Selbstportrait in der Kunst und Professor für Kunstgeschichte an der Universität Paris VIII, liefert zum 350. Todestag Rembrandts, den die Kunstwelt am 4. Oktober 2019 begeht, ein neues Standardwerk, das erstmals alle derzeit bekannten und gesicherten Selbstbilder versammelt.

Rembrandt Selbstbildnisse

40 - Klimt, Complete Paintings

Nur wenige Künstlerinnen sind in die Kunstgeschichte eingegangen und keine stieg so kometenhaften auf wie die mexikanische Malerin Frida Kahlo (1907-1954). Ihr unverwechselbares Antlitz hielt sie in 
 über fünfzig außergewöhnlichen Selbstporträts
 fest, die seit Generationen bewundert werden. Diese Werke und zahlreiche Aufnahmen namhafter Fotokünstler wie 
 Edward Weston, Manuel und Lola Álvarez Bravo, Nickolas Muray und Martin Munkácsi 
 machten Frida Kahlo zu einer Ikone der Kunst des 20. Jahrhunderts.
 
 
 
 Nach einem Unfall in ihrer frühen Jugend entschied sich Frida, Malerin zu werden. Ihre Heirat mit Diego Rivera im Jahr 1929 katapultierte sie an die Spitze der Kunstszene, nicht nur in Mexiko, sondern auch in den Vereinigten Staaten und in Europa. Kein geringerer als 
 André Breton
 lobte ihr Werk und 
 nahm die Malerin in den internationalen Kreis der Surrealisten auf
 . 1939 stellte er ihre Arbeiten in Paris aus, wo Picasso, Kandinsky und Duchamp sie bewunderten.
 
 
 
 Dieser großformatige XXL-Band 
 bietet Gelegenheit, Frida Kahlos Gemälden nahe wie nie zuvor zu kommen
 - in brillanten Reproduktionen, in Formaten, die teilweise über die Größe der Originalwerke hinausgehen, und im Zusammenspiel mit berühmten Fotografien. Das Buch präsentiert Werke aus Privatsammlungen, die für die breite Öffentlichkeit schwer zugänglich sind, und zeigt Arbeiten, 
 die bislang als verschollen galten oder seit mehr als 80 Jahren nicht mehr ausgestellt waren
 . Der Band stellt die bisher umfangreichste Studie zu Frida Kahlos Gemälden dar.
 
 
 
 Zeichnungen, Tagebuchseiten, Briefe sowie eine u
 mfangreich illustrierte Biografie mit Fotos von Frida, Diego und der Casa Azul
 - Fridas Zuhause - erlauben einen 
 intimen Einblick in Frida Kahlos Leben und ihr künstlerisches Universum
 .

Nur wenige Künstlerinnen sind in die Kunstgeschichte eingegangen und keine stieg so kometenhaften auf wie die mexikanische Malerin Frida Kahlo (1907–1954). Ihr unverwechselbares Antlitz hielt sie in über fünfzig außergewöhnlichen Selbstporträts fest, die seit Generationen bewundert werden. Diese Werke und zahlreiche Aufnahmen namhafter Fotokünstler wie Edward Weston, Manuel und Lola Álvarez Bravo, Nickolas Muray und Martin Munkácsi machten Frida Kahlo zu einer Ikone der Kunst des 20. Jahrhunderts. Nach einem Unfall in ihrer frühen Jugend entschied sich Frida, Malerin zu werden. Ihre Heirat mit Diego Rivera im Jahr 1929 katapultierte sie an die Spitze der Kunstszene, nicht nur in Mexiko, sondern auch in den Vereinigten Staaten und in Europa. Kein geringerer als André Breton lobte ihr Werk und nahm die Malerin in den internationalen Kreis der Surrealisten auf. 1939 stellte er ihre Arbeiten in Paris aus, wo Picasso, Kandinsky und Duchamp sie bewunderten. Dieser großformatige XXL-Band bietet Gelegenheit, Frida Kahlos Gemälden nahe wie nie zuvor zu kommen – in brillanten Reproduktionen, in Formaten, die teilweise über die Größe der Originalwerke hinausgehen, und im Zusammenspiel mit berühmten Fotografien. Das Buch präsentiert Werke aus Privatsammlungen, die für die breite Öffentlichkeit schwer zugänglich sind, und zeigt Arbeiten, die bislang als verschollen galten oder seit mehr als 80 Jahren nicht mehr ausgestellt waren. Der Band stellt die bisher umfangreichste Studie zu Frida Kahlos Gemälden dar. Zeichnungen, Tagebuchseiten, Briefe sowie eine umfangreich illustrierte Biografie mit Fotos von Frida, Diego und der Casa Azul – Fridas Zuhause – erlauben einen intimen Einblick in Frida Kahlos Leben und ihr künstlerisches Universum.

Frida Kahlo. The Complete Paintings

The nature of art is-also-a dialectical one. This statement usually tends to apply to the conversation between the work and its viewer. Lipp&amp;Leuthold, however, do not leave it at that but explode the boundaries between painting and sculpture with inexhaustible wit and élan. It begins with the authorship, which must always be considered in the plural, since it involves two artists. From the first to the last detail, they work closely together, blending and complementing each other in unique ways. The resulting openness of the creative process is reflected in the congenial diversity of form and color as well as in their choice of materials. Each piece is evidence of genuine autonomy and a dynamism that electrifies the process of observation. At the same time each work is the product of an accomplished sense of humor that reveals the aesthetic experience as an exciting process of thinking about art and the market, sense and nonsense. PAUL LIPP (*1977) and RETO LEUTHOLD (*1977) met while they were students at the HGK in Lucerne. Together they explore painting and art history in an intelligent and witty manner. The City of Lucerne's Fine Arts Commission honored the unique esprit of their works in 2020.

Das Wesen der Kunst ist – auch – ein dialogisches. Diese Aussage bezieht sich in der Regel auf das Gespräch zwischen Werk und Betrachtenden. Dabei lassen es Lipp&amp;Leuthold nicht bewenden und sprengen mit unerschöpflichem Witz und Elan die Grenzen der Malerei und Skulptur. Dies beginnt schon bei der Urheberschaft, die man hier immer im Plural zweier Künstler denken muss. Vom ersten bis zum letzten Detail arbeiten sie eng zusammen, kombinieren und ergänzen sich auf einzigartige Weise. Die daraus resultierende Offenheit des Schaffensprozesses spiegelt sich in der kongenialen Form- und Farbvielfalt ebenso wie in der Wahl ihrer Materialien. Jedes Werk zeugt von einer genuinen Eigenständigkeit und von einer Dynamik, die das Sehen elektrifizieren. Und jedes Werk ist zugleich Produkt eines versierten Humors, der das ästhetische Erleben als ein spannendes Nachdenken über Kunst und Markt, Sinn und Unsinn ausweist. PAUL LIPP (*1977) und RETO LEUTHOLD (*1977) lernten sich während ihres Studiums an der HGK Luzern kennen. Gemeinsam setzen sie sich auf intelligente und witzige Art mit Malerei und Kunstgeschichte auseinander. Der einmalige Esprit ihrer Arbeiten wurde 2020 von der Kommission Bildende Kunst der Stadt Luzern ausgezeichnet.

I licked the yellow suit of the sun

Lipp&Leuthold

Vorträge aus dem Warburg-Haus

Der 16. Band der Vorträge aus dem Warburg-Haus versammelt Beiträge, deren inhaltiches Spektrum von den Wahrnehmungsoptionen spätantiker und mittelalterlicher Mosaiken im Licht moderner Reproduktionstechniken über die "Spinnerinnen" von Diego Velázquez, das Nachleben von Théodore Géricaults "Floß der Medusa" und René Magrittes "images peintes" bis zu neuen Überlegungen zu Weiblichkeit, dem gebrochenen Blick und dem "Nachleben" der Shoah bei Boris Lurie reicht. Mit Beiträgen von Barbara Schellewald, Victor I. Stoichita, Gregor Wedekind, Wolfram Picher und Katharina Sykora.

The 16th volume of lectures from the Warburg House, Hamburg, brings together contributions covering a spectrum ranging from the different modes of perception of late antique and medieval mosaics in the light of modern reproduction techniques to Las Hilanderas of Diego Velázquez, the afterlife of Théodore Géricault’s Raft of the Medusa and René Magritte's „images peintes“ to new reflections on femininity, the gaze and the „afterlife“ of the Shoah in the work of Boris Lurie. With contributions by Barbara Schellewald, Victor I. Stoichita, Gregor Wedekind, Wolfram Picher, and Katharina Sykora.

Der Schweizer Künstler 
 HR Giger (1940-2014)
 wurde vor allem durch die Oscar-prämierte Gestaltung des Monsters für Ridley Scotts Science-Fiction-Horrorfilm 
 Alien
 (1979) berühmt. Im Rückblick betrachtet war dies nur das prominenteste Wesen aus Gigers umfangreichem Arsenal biomechanischer Geschöpfe. Dazu zählen verschmolzene 
 Zwitterwesen von Mensch und Maschine
 , sinnliche Körper, die in mutterleibsartigen Apparaten eingeschlossen sind, und gemalte 
 Dämonen
 , von 
 fantastischer Literatur
 und Gigers Albträumen beflügelt.
 
 
 Diese Bilder verliehen den kollektiven Ängsten seiner Epoche Ausdruck: 
 Angst vor dem Atomkrieg, vor Überbevölkerung und Ressourcenknappheit sowie einer Zukunft, in der das Überleben unserer Körper von Maschinen abhängt.
 Ihre visionäre Kraft spielt mit den Dämonen der Vergangenheit und erzeugt zugleich Mythen für die Zukunft.
 
 
 Diese günstigere Ausgabe basiert auf der umfassenden Monographie, die kurz vor dem unerwarteten Tod des Künstlers begonnen wurde, und huldigt Gigers einzigartiger Vision. Sie erzählt die 
 vollständige Geschichte seines Lebens
 
 und seiner Kunst
 , zeigt seine 
 Skulpturen, die Filmarbeiten und Plattencover mit Kultstatus
 sowie das Erbe, das er in seinem eigenen 
 Künstlermuseum
 in den Schweizer Alpen hinterlassen hat. In einem tiefgründigen Essay setzt sich der Giger-Experte 
 Andreas J. Hirsch
 intensiv mit den Themen von Gigers Werk und seiner Welt auseinander. Zudem enthält das Buch zahlreiche Dokumente aus Gigers Archiv, 
 Zitate von Zeitgenossen und kritische Betrachtungen
 sowie eine 
 ausführliche Biographie
 , die sich auf die Aufzeichnungen des Künstlers stützt.

Der Schweizer Künstler HR Giger (1940–2014) wurde vor allem durch die Oscar-prämierte Gestaltung des Monsters für Ridley Scotts Science-Fiction-Horrorfilm Alien (1979) berühmt. Im Rückblick betrachtet war dies nur das prominenteste Wesen aus Gigers umfangreichem Arsenal biomechanischer Geschöpfe. Dazu zählen verschmolzene Zwitterwesen von Mensch und Maschine, sinnliche Körper, die in mutterleibsartigen Apparaten eingeschlossen sind, und gemalte Dämonen, von fantastischer Literatur und Gigers Albträumen beflügelt. Diese Bilder verliehen den kollektiven Ängsten seiner Epoche Ausdruck: Angst vor dem Atomkrieg, vor Überbevölkerung und Ressourcenknappheit sowie einer Zukunft, in der das Überleben unserer Körper von Maschinen abhängt. Ihre visionäre Kraft spielt mit den Dämonen der Vergangenheit und erzeugt zugleich Mythen für die Zukunft. Diese günstigere Ausgabe basiert auf der umfassenden Monographie, die kurz vor dem unerwarteten Tod des Künstlers begonnen wurde, und huldigt Gigers einzigartiger Vision. Sie erzählt die vollständige Geschichte seines Lebensund seiner Kunst, zeigt seine Skulpturen, die Filmarbeiten und Plattencover mit Kultstatus sowie das Erbe, das er in seinem eigenen Künstlermuseum in den Schweizer Alpen hinterlassen hat. In einem tiefgründigen Essay setzt sich der Giger-Experte Andreas J. Hirsch intensiv mit den Themen von Gigers Werk und seiner Welt auseinander. Zudem enthält das Buch zahlreiche Dokumente aus Gigers Archiv, Zitate von Zeitgenossen und kritische Betrachtungen sowie eine ausführliche Biographie, die sich auf die Aufzeichnungen des Künstlers stützt.

HR Giger. 45th Ed

Der 1930 in Zürich geborene Künstler Willi Facen ist einer der grössten Schweizer Aquarellisten unserer Zeit. Seine Darstellungen babylonischer Türme, gespenstischer Archen und monumentaler Maschinen sowie Hunderte kraftvolle Porträts zeigen Grössenwahn und Kleinkariertheit des Menschen und sprechen von dessen Vergänglichkeit, Verlorenheit und Verletzlichkeit. Facens Bestrebungen, sich nicht an einem Markt zu orientieren und seine Kunst nicht zu veräussern, führten dazu, dass diese bis heute weitgehend unentdeckt blieb.
Diese Monografie ist die erstmalige Erschliessung von Willi Facens Werk. Anhand persönlicher Gespräche mit dem Künstler zeichnen die Essays von Manfred Papst, Literaturredaktor der NZZ am Sonntag, Jochen Hesse, Leiter der Grafischen Sammlung sowie des Fotoarchivs der Zentralbibliothek in Zürich, und des Schriftstellers Peter Zeindler ein umfassendes Bild von dessen Wirken und aussergewöhnlicher Bildsprache, die voll futuristischer Motive ist, historisch und avantgardistisch zugleich. Ein später, aber essenzieller Beitrag zur Rezeption dieses bedeutenden Schweizer Künstlers, der seit über fünfzig Jahren in der Stille der ehemaligen Täuferkapelle am Neumarkt in Zürich ein immenses Werk von rund 3000 Gemälden schuf.

Der 1930 in Zürich geborene Künstler Willi Facen ist einer der grössten Schweizer Aquarellisten unserer Zeit. Seine Darstellungen babylonischer Türme, gespenstischer Archen und monumentaler Maschinen sowie Hunderte kraftvolle Porträts zeigen Grössenwahn und Kleinkariertheit des Menschen und sprechen von dessen Vergänglichkeit, Verlorenheit und Verletzlichkeit. Facens Bestrebungen, sich nicht an einem Markt zu orientieren und seine Kunst nicht zu veräussern, führten dazu, dass diese bis heute weitgehend unentdeckt blieb.
 Diese Monografie ist die erstmalige Erschliessung von Willi Facens Werk. Anhand persönlicher Gespräche mit dem Künstler zeichnen die Essays von Manfred Papst, Literaturredaktor der 
 NZZ am Sonntag
 , Jochen Hesse, Leiter der Grafischen Sammlung sowie des Fotoarchivs der Zentralbibliothek in Zürich, und des Schriftstellers Peter Zeindler ein umfassendes Bild von dessen Wirken und aussergewöhnlicher Bildsprache, die voll futuristischer Motive ist, historisch und avantgardistisch zugleich. Ein später, aber essenzieller Beitrag zur Rezeption dieses bedeutenden Schweizer Künstlers, der seit über fünfzig Jahren in der Stille der ehemaligen Täuferkapelle am Neumarkt in Zürich ein immenses Werk von rund 3000 Gemälden schuf.

Überlebensstrategien

Willi Facen

40 - Velazquez, Complete Works

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