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3rd MINI ALBUM [DEADLINE] GRAY Ver

Julian Carrillos "Sonido 13" - musikalischer Pioniergeist aus Mexiko für die Welt

In einer Zeit, als die musikalische Avantgarde nach neuen Klangwelten suchte, entwickelte Julian Carrillo in Mexiko sein revolutionäres "Sonido 13"-System - eine mikrotonale Kompositionstechnik, die über die zwölf Halbtöne der westlichen Musik hinausging. Mit akribischer Präzision rekonstruiert Jonas Reichert die faszinierende Entstehungsgeschichte dieses einzigartigen musikalischen Experiments zwischen 1921 und 1925.

Die Studie enthüllt, wie Carrillo sein System durch geschicktes Navigieren zwischen globalen Verbindungen und bewussten Abgrenzungen positionierte. Während er einerseits in der "glorreichen deutschen Musiktradition" verwurzelt sein wollte, inszenierte er sich gleichzeitig als völlig eigenständiger Pionier der Mikrotonalität, dessen erste Experimente angeblich bis 1895 zurückreichten.

Der Autor zeigt, wie sich Carrillos Kompositionssystem von einer visionären Idee zu einer praktischen Realität entwickelte - durch eigens konstruierte Instrumente, ein numerisches Notationssystem und öffentlichkeitswirksame Konzerte im postrevolutionären Mexiko. Besonders aufschlussreich ist die Analyse seiner ersten mikrotonalen Werke, die den schmalen Grat zwischen avantgardistischer Innovation und publikumswirksamer Tradition erkunden.

Für Musikwissenschaftler, Komponisten und kulturhistorisch Interessierte, die einen tiefen Einblick in einen faszinierenden, aber oft übersehenen Kapitel der Musikgeschichte suchen.

Konzeptualisierung und Realisierung des "Sonido 13" von Julián Carrillo (1921-1925)

Mikrotonalität in Mexiko

Vor rund 40 Jahren veranstalteten die Musiker:innen der Initiative Kölner Jazz Haus das erste Konzert im neu erbauten Saal des Stadtgarten Köln. Sie verwirklichten damit ihre Idee, ein unabhängiges Konzerthaus für aktuelle improvisierte Musik zu schaffen, was es bis dahin in Deutschland nicht gab. Ein Haus inhaltlich ausgerichtet und weder nach Zuschauerzahlen noch öffentlichen Subventionen schielend mit garantierten Mindestgagen für Musiker:innen und professioneller Leitung. 
Der Weg dorthin war nicht gradlinig, barg viele Schlaglöcher, Hürden und auch manches Stoppschild. "Stadtgarten - Das Buch" erzählt die Geschichte der Musiker:innen, Macher:innen und prägenden Momente, die den Stadtgarten Köln zu einer der bedeutendsten Musikspielstätten Europas gemacht haben. Basierend auf zahlreichen Interviews mit Zeitzeug:innen bietet es einen kulturpolitisch und musikalisch versierten Blick hinter die Kulissen - und zeigt, dass sich eine gemeinsame Vision mit Kreativität, Beharrlichkeit und Mut verwirklichen lässt.

Stadtgarten - The Book

Stadtgarten - Das Buch

Dies ist ein Lesebuch, eine Vergnügungsreise durch Musiken - Olaf Velte hat die Texte vom Jahr 2013 bis heute als Rezensionen in einer der Frankfurter Tageszeitungen an die Ohrwürmer gefunkt, nun sollen sie auch den Bücherwürmen zugänglich werden. 
Mit dem Dichter Olaf Velte selbst gesprochen:
Rhythmus ist die Sprache. Den Sound, die Energie spüren. Bevor der Geist sich einschaltet, ist der Körper schon auf die Reise gegangen. Zuerst also die kleinen Passagen, bevor Horizonte sich auftun. Stücke, die auf wenig gebaut sind: Schlagzeug, Bass, Gitarre, manchmal eine Singstimme. Manchmal viel mehr. Und auch hier - was Dir beim Aufwachen, Aufwachsen ins Ohr geträufelt wurde.

Reingehört von und mit Olaf Velte

Hoodoo Voodoo Pop

In seinem literarischen Essay erkundet Gregor Dotzauer, was es heißt, mit Musik zu leben. Ein halbes Jahrhundert nach der Golden Record, die an Bord von zwei Voyager-Sonden mit Klängen und Geräuschen aus aller Welt in den interstellaren Raum aufbrach, durchquert er in seinen philosophischen und poetischen Betrachtungen die unterschiedlichsten Zeiten und Kulturen. Entlang der eigenen Hörbiografie denkt er über das Verhältnis von Aufmerksamkeit und Gewöhnung, Originalität und Epigonentum, Komposition und freier Improvisation nach. Er stürzt sich in die Abenteuer unscheinbarer Jazzclubs und verzweifelt beim Erlernen der chinesischen Qin-Zither. Er verliebt sich auf YouTube in eine indonesische Popsängerin und sucht Trost im Schweigen der Steine. Landschaften werden zu Musik, Musik wird zu Landschaften. Erinnertes und halb Vergessenes, Wirkliches, Geträumtes und Mythisches wie die Posaunen von Jericho bilden dabei ein Ganzes. In eindringlichen Meditationen über Henry Purcell und Morton Feldman, Johann Sebastian Bach und John Coltrane, Stevie Wonder und Richard Strauss versucht er, dem gerecht zu werden, was eigentlich nur die Musik selbst aussprechen kann.

In seinem literarischen Essay erkundet Gregor Dotzauer, was es heißt, mit Musik zu leben. Ein halbes Jahrhundert nach der Golden Record, die an Bord von zwei Voyager-Sonden mit Klängen und Geräuschen aus aller Welt in den interstellaren Raum aufbrach, durchquert er in seinen philosophischen und poetischen Betrachtungen die unterschiedlichsten Zeiten und Kulturen. Entlang der eigenen Hörbiografie denkt er über das Verhältnis von Aufmerksamkeit und Gewöhnung, Originalität und Epigonentum, Komposition und freier Improvisation nach. Er stürzt sich in die Abenteuer unscheinbarer Jazzclubs und verzweifelt beim Erlernen der chinesischen Qin-Zither. Er verliebt sich auf YouTube in eine indonesische Popsängerin und sucht Trost im Schweigen der Steine. Landschaften werden zu Musik, Musik wird zu Landschaften. Erinnertes und halb Vergessenes, Wirkliches, Geträumtes und Mythisches wie die Posaunen von Jericho bilden dabei ein Ganzes. In eindringlichen Meditationen über Henry Purcell und Morton Feldman, Johann Sebastian Bach und John Coltrane, Stevie Wonder und Richard Strauss versucht er, dem gerecht zu werden, was eigentlich nur die Musik selbst aussprechen kann.

Über Musik, Moment und Erinnerung

Schläft ein Lied in allen Dingen

Edition Peters

This collection of Argentinean tangos for voice and piano offers a cross-section of tango across the ages, from the beginnings, through the Gardel era, the golden age and Tango nuevo (of Piazzolla and others), right up to contemporary compositions - creating a perfect tango concert program.Whether used within a song recital, as encores, or as music for dance events, the repertoire in Tango canción is completely versatile and suitable for singers from all backgrounds.

Arranged by the Argentinean composer, pianist and tango expert Juan María Solare, these songs retain an authentic tango sound while making the vocal and piano writing approachable by all - especially those who are not familiar with the repertoire.

<ul>
	<li>Additional information and performance tips help performers achieve the passion of tango.</li>
	<li>A cross-section of Argentinean tangos from the beginnings up to the present day</li>
	<li>Easier and intermediate-level pieces, with practical piano accompaniments</li>
	<li>Includes introductions to the songs, translations of the lyrics and a guide to pronunciation</li>
	<li>Ideal as a complete concert programme.</li>
</ul>

Sammelband für Mittlere Singstimme, Tiefe Singstimme, Klavier

Tango canción: 21 argentinische Tangos für Gesang und Klavier -Ausgabe für mittlere/tiefe Stimme und Klavier- (mit Werkeinführungen, Übersetzungen der Liedtexte und Aussprachehilfe)

the world of music

the world of music (new series)
is indexed and abstracted in
¿ Arts and Humanities Citation Index®
¿ Current Contents®/Arts &amp; Humanities

Content

- Emily Ford. Preface
- Georgia Curran, Myfany Turpin, Payi Linda Ford. Ecomusicology, performance and environmental crises: Nurturing human relationships with the environment
- Payi Linda Ford, Linda Barwick. Country, family and performance traditions: Global challenges and local responses from Kurrindju and the Garfagnana
- Meri Haami. He Whiringa H¿¿ naki: A Kaupapa Mä ori ecomusicological framework
- Georgia Curran, Enid Nangala Gallagher, Nellie Nangala Wayne, Peggy Nampijinpa Brown. Ngapa manu Warlu-Rain and fire: Central Australian women's songlines and biocultural connections
- Myfany Turpin, Maya Ward. Ceremony and sentient ecology
- Clint Bracknell. Noongar ecomusicology in southwest Australia
- Sudiipta Dowsett, Wanta Jampijinpa Pawu, Jennifer Loureide Biddle. Wunguwarnu Wantarri Milpirri Ecosomatics: Hip Hop and Warlpiri embodied senses of place
- Diana Chester, Damien Ricketson. Intertidal Conversations: On Developing a Practice of Listening to Earth

Ecomusicology in Indigenous Australia, Aotearoa New Zealand, and beyond

the world of music (new series) vol. 14 (2025) 2

Freiheit in der Musik: musikalische Revolutionen und neue Klangwelten
 
 
 
 
 Die Neue Musik ist nicht in einem Augenblick entstanden: Spätestens ab 1950 haben Komponisten sich mehrfach eine neue Tonkunst vorgestellt, in Manifesten, in ihren Lebenswegen und ihren Kompositionen realisiert und damit eine ganz eigene, extrem farbige Bewegung angestoßen.
 
 
 Also eine westliche Erfindung nur für Spezialisten? Weit gefehlt! Björn Gottstein beleuchtet das Phänomen von seinen Anfängen bis heute in all seinen Facetten. Die Geschichte der Neuen Musik wird dabei sondiert (immer wieder kommen einzelne Komponisten zu Wort, wird ihr spezifisches Werk vorgestellt), kuratiert (das Buch versucht nichts weniger als einen Gesamtüberblick) und strukturiert (was hängt wie womit zusammen?) - eine mitreißende, faszinierende musikalische Entdeckungsreise von einem begnadeten Erzähler und Kenner der Materie und ein Muss auch für den Fan Klassischer Musik.
 
 
 Oliver Messiaen · Karlheinz Stockhausen · Gérard Grisey · Pierre Henry · George Crumb · Christian Marclay · Carsten Nicolai · Jennifer Walshe · Brian Eno · Steve Reich · John Zorn · Maryanne Amacher · Eliane Radigue · Pauline Oliveros · Rebecca Saunders · Marina Rosenfeld · Chaya Czernowin · Wolfgang Rihm · Helmut Lachenmann · György Kurtag · Salvatore Sciarrino · Hans Werner Henze · Harry Partch · Georg Friedrich Haas · Olga Neuwirth · AMM · Georges Aperghis · Peter Eötvös · Sofia Gubaidulina · Giacinto Scelsi · Iannis Xenakis · Christina Kubisch · Johannes Kreidler · Liza Lim · Misato Mochizuki

Freiheit in der Musik: musikalische Revolutionen und neue Klangwelten
 Die Neue Musik ist nicht in einem Augenblick entstanden: Spätestens ab 1950 haben Komponisten sich mehrfach eine neue Tonkunst vorgestellt, in Manifesten, in ihren Lebenswegen und ihren Kompositionen realisiert und damit eine ganz eigene, extrem farbige Bewegung angestoßen.
 
 
 Also eine westliche Erfindung nur für Spezialisten? Weit gefehlt! Björn Gottstein beleuchtet das Phänomen von seinen Anfängen bis heute in all seinen Facetten. Die Geschichte der Neuen Musik wird dabei sondiert (immer wieder kommen einzelne Komponisten zu Wort, wird ihr spezifisches Werk vorgestellt), kuratiert (das Buch versucht nichts weniger als einen Gesamtüberblick) und strukturiert (was hängt wie womit zusammen?) – eine mitreißende, faszinierende musikalische Entdeckungsreise von einem begnadeten Erzähler und Kenner der Materie und ein Muss auch für den Fan Klassischer Musik.
 Oliver Messiaen · Karlheinz Stockhausen · Gérard Grisey · Pierre Henry · George Crumb · Christian Marclay · Carsten Nicolai · Jennifer Walshe · Brian Eno · Steve Reich · John Zorn · Maryanne Amacher · Eliane Radigue · Pauline Oliveros · Rebecca Saunders · Marina Rosenfeld · Chaya Czernowin · Wolfgang Rihm · Helmut Lachenmann · György Kurtag · Salvatore Sciarrino · Hans Werner Henze · Harry Partch · Georg Friedrich Haas · Olga Neuwirth · AMM · Georges Aperghis · Peter Eötvös · Sofia Gubaidulina · Giacinto Scelsi · Iannis Xenakis · Christina Kubisch · Johannes Kreidler · Liza Lim · Misato Mochizuki

Eine kurze Geschichte der Neuen Musik

Der Klang der Gegenwart

In den frühen Neunzigern revolutionierte schwedischer Death Metal die internationale Musikszene. Das sanftmütige skandinavische Land fand sich dank des empörenden Images und der Furcht einflößenden Klänge von Bands wie Entombed, Dismember und At The Gates an der Spitze einer neuen Bewegung mit weltweiter Durchschlagskraft wieder.

Die Geburt des Black Metal trieb die stetig wachsende Metal-Kultur zu noch krasseren Extremen. Der Sound war rau und dunkel und ging mit Todesanbetung einher. Bald standen sowohl in Norwegen als auch in Schweden Kirchen in Flammen, und die von Bands wie Fans verwendete satanische Bildersprache war letzten Endes mehr als nur ein optisches Gimmick zur Beleidigung skandinavischer Befindlichkeiten.

Wie hat alles angefangen? Warum wurde Schweden zur Brutstätte für derart aggressive, nihilistische Musik? Blut, Feuer, Tod - Eine Geschichte des schwedischen Metal zeichnet die Entwicklung eines Genres nach: von den gewaltigen Verstärkertürmen des Siebziger-Rock über die satanischen Neunziger, in denen Kirchen brannten, bis zu den vielfältigen und widersprüchlichen Ausformungen der heutigen Szene.

Inklusive Interviews mit Entombed, Nifelheim und Dissection, ausführlichen Profilen von Bathory, Pelle "Dead" Ohlin und der Speerspitze des zeitgenössischen Black Metal: Watain. Dies ist eine Geschichte über groteske Logos und Kulturgegenstände, über wirklichen Tod und echte Dunkelheit, aber auch über Hingabe, Freundschaft, Gemeinschaft und tiefe Liebe zur Musik.

Eine Geschichte des schwedischen Metal

Blut, Feuer, Tod

Folksongs from Around the World for three-part choir (Soprano, Alto, Baritone)

Un poquito cantas

Ranjha' ist das neue Album und die Zusammenarbeit des preisgekrönten Komponisten und RadioheadGitarristen Jonny Greenwood, des gefeierten Komponisten und Musikers Shye Ben Tzur und des indischen Ensembles The Rajasthan Express. Das Album ist der Nachfolger ihres gefeierten Debüts 'Junun', das gerade sein zehnjähriges Jubiläum feierte. Während 'Junun' in einem provisorischen Studio im Mehrangarh Fort aus dem 15. Jahrhundert in Rajasthan, Indien, aufgenommen wurde, entstand 'Ranjha' in einem intimeren Rahmen - in Jonny Greenwoods Studio in Oxford, England. Zum 10-jährigen Jubiläum von 'Junun', das von der Kritik hochgelobt wurde - unter anderem als Album des Jahres von der Sunday Times, die es als 'eine der inspiriertesten Veröffentlichungen des Jahres' und 'faszinierend, vielschichtig und unbedingt hörenswert' bezeichnete -, veröffentlichte BMG am 16. Januar 2026 eine Sonderausgabe des Originalalbums. Die Entstehung von 'Junun' wurde vom gefeierten Filmemacher Paul Thomas Anderson dokumentiert und bietet einen intimen Einblick in den kreativen Prozess und den pulsierenden Alltag während der Albumproduktion. 'Ranjha', das am 8. Mai 2026 erscheint, wird als spezielle rote und korallenrote Splatter-Vinyl-Edition im Gatefold-Cover sowie als CD erhältlich sein. Das Album enthält elf brandneue Tracks, die den charakteristischen interkulturellen Sound der Band mit einem modernen Touch verbinden. Es erscheint kurz nach der vielbeachteten Radiohead-Tour, die Ende 2025 zu Ende ging.

Ranjha

Lied und populäre Kultur

Das Jahrbuch "Weltmusik und ihre Kritik: Postkoloniale Zugänge zu globaler Musik" greift mit dem problematischen Begriff der "Weltmusik" die gegenwärtigen Debatten um die Dekolonialisierung von Musik auf. Es widmet sich dem eurozentristischen Status quo von Weltmusik als Teil globaler Musikpraktiken und zeigt die vielfältigen Abhängigkeiten zwischen der global majority und dem globalen Norden auf. Neben Forscherinnen kommen auch Komponisten, Musikerinnen und Kuratoren der globalen Musik in Form von Berichten und Interviews zu Wort.

Jahrbuch des Zentrums für Populäre Kultur und Musik. 68. Jahrgang - 2023. Weltmusik und ihre Kritik: Postkoloniale Zugänge zu globaler Musik. World Music and its Critique: Postcolonial Approaches to Global Music

Lied und populäre Kultur / Song and Popular Culture

Live At The Acropolis

3rd MINI ALBUM [DEADLINE] GRAY Ver

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