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Kulik Z: Rythms of Power

Rythms of Power

Zofia Kulik

Rembrandt wurde zu Lebzeiten als Genie verehrt und hat seitdem Generationen von Künstlern und Kennern fasziniert. Sein Markenzeichen, die raue, pastose Pinselschrift, die einzigartige Lichtführung und Sensibilität wiesen nicht nur der Porträtkunst neue Wege. Der Band präsentiert den Großmeister des Goldenen Zeitalters der niederländischen Malerei.

Rembrandt wurde zu Lebzeiten als Genie verehrt und hat seitdem Generationen von Künstlern und Kennern fasziniert. Sein Markenzeichen, die raue, pastose Pinselschrift, die einzigartige Lichtführung und Sensibilität wiesen nicht nur der Porträtkunst neue Wege. Der Band präsentiert den Großmeister des Goldenen Zeitalters der niederländischen Malerei.

Rembrandt. The Paintings. 45th Ed

Garyo darf seine neue Serie in der Weekly Orochi starten, doch seine Suche nach Assistenten ist bisher erfolglos. Als er aber an einem Trinkgelage für Mangaka teilnimmt, zeichnet sich unverhofft eine Lösung für seine Assistenten-Dürre ab.

Garyo darf seine neue Serie in der Weekly Orochi starten, doch seine Suche nach Assistenten ist bisher erfolglos. Als er aber an einem Trinkgelage für Mangaka teilnimmt, zeichnet sich unverhofft eine Lösung für seine Assistenten-Dürre ab.

Drache & Chamäleon 04

Demonstrating a wide array of influences-from Chinese calligraphy to Expressionism-Liu Wei's work deals with universal themes of humanity. With a career spanning over thirty years, he has proved a master of rendering human flesh and combining figuration with text and abstraction. Liu Wei's deft grasp of technique and acute awareness of color and composition is evident in his lush landscapes, in which flora and fauna often escape the confines of the canvas and spill out onto the Rococo-style frames. Featuring texts by distinguished specialists in contemporary Chinese art, this first major English-language monograph provides an in-depth look at the historical context and traces his development from his early paintings reflecting disenchantment with political and artistic utopias through the lenses of skepticism and satire, to lush landscapes, striking portraits, and more recent philosophic and contemplative calligraphic works on paper. LIU WEI (*1965, Beijing), studied printmaking at the Central Academy of Fine Arts in Beijing, where he still lives today. He first rose to prominence as a preeminent figure in China's "cynical realism" movement of the 1990s. His paintings have been shown in museum exhibitions and biennials worldwide, including the Museum of Contemporary Art, Sydney, the Singapore Art Museum, the San Francisco Museum of Modern Art, and the Venice Biennale.

Demonstrating a wide array of influences—from Chinese calligraphy to Expressionism—Liu Wei’s work deals with universal themes of humanity. With a career spanning over thirty years, he has proved a master of rendering human flesh and combining figuration with text and abstraction. Liu Wei’s deft grasp of technique and acute awareness of color and composition is evident in his lush landscapes, in which flora and fauna often escape the confines of the canvas and spill out onto the Rococo-style frames. Featuring texts by distinguished specialists in contemporary Chinese art, this first major English-language monograph provides an in-depth look at the historical context and traces his development from his early paintings reflecting disenchantment with political and artistic utopias through the lenses of skepticism and satire, to lush landscapes, striking portraits, and more recent philosophic and contemplative calligraphic works on paper. LIU WEI (*1965, Beijing), studied printmaking at the Central Academy of Fine Arts in Beijing, where he still lives today. He first rose to prominence as a preeminent figure in China’s “cynical realism” movement of the 1990s. His paintings have been shown in museum exhibitions and biennials worldwide, including the Museum of Contemporary Art, Sydney, the Singapore Art Museum, the San Francisco Museum of Modern Art, and the Venice Biennale.

Liu Wei

Giovan Pietro Bellori / Le vite de’ pittori scultori ed architetti moderni. Die Lebensbeschreibungen der modernen Maler, Bildhauer und Architekten (hg. Elisabeth Oy-Marra, Tristan Weddigen und Anja Brug)

Begabt, dennoch fleißig, bescheiden, aber voll Künstlerstolz, körperlich wohlgestaltet, doch spielsüchtig - Bellori zeigt am Beispiel des Malers Guido Reni Ideale und Fallstricke eines Künstlerlebens im Barock

Die Zeitgenossen nannten ihn den »Göttlichen« und rühmten die Anmut seiner engelsgleichen Figuren: Ohne Zweifel zählte der aus Bologna stammende Maler Guido Reni (1575-1642) zu den weithin berühmten Künstlern der Epoche. Einflussreiche Persönlichkeiten schätzten und sammelten seine Werke, die ihn als Protagonisten einer der idealen Schönheit verpflichteten Malerei ausweisen. Dass Giovan Pietro Bellori einem solchen Künstler, auf den er sich bereits in seiner Idea-Rede als Zeugen des eigenen Kunstideals berufen hatte, eine Lebensbeschreibung widmen wollte, liegt nahe. Die Fragen aber, wann er an einem entsprechenden Text arbeitete und warum dieser letztlich nicht Teil der gedruckten Sammlung von 1672 werden konnte, lassen sich nicht gänzlich klären. Renis Vita verblieb im Entwurf, wobei sie im Umfang an den gewichtigeren Biographien der Druckausgabe orientiert ist.
Für Bellori steht Renis künstlerische Begabung im Zeichen der grazia, deren Wesen er in detaillierten Werkbeschreibungen nachspürt. Wie Gabriele Wimböck in ihrem Essay zeigt, kondensiert der Autor außerdem seine Quellen, allen voran das zeitgleiche Vitenprojekt des Bolognesers Carlo Cesare Malvasia (1616-1693), zu einem Lebensbild, das Reni zum wichtigsten Erben der Carracci-Schule in Bologna erhebt. Belloris Darstellung von Renis Werdegang verhandelt dabei grundsätzliche Fragen der Ausbildung und sozialen Stellung von Künstlern und arbeitet seine eigenen kunsttheoretischen Vorstellungen heraus.

Begabt, dennoch fleißig, bescheiden, aber voll Künstlerstolz, körperlich wohlgestaltet, doch spielsüchtig - Bellori zeigt am Beispiel des Malers Guido Reni Ideale und Fallstricke eines Künstlerlebens im Barock

Die Zeitgenossen nannten ihn den »Göttlichen« und rühmten die Anmut seiner engelsgleichen Figuren: Ohne Zweifel zählte der aus Bologna stammende Maler Guido Reni (1575-1642) zu den weithin berühmten Künstlern der Epoche. Einflussreiche Persönlichkeiten schätzten und sammelten seine Werke, die ihn als Protagonisten einer der idealen Schönheit verpflichteten Malerei ausweisen. Dass Giovan Pietro Bellori einem solchen Künstler, auf den er sich bereits in seiner Idea-Rede als Zeugen des eigenen Kunstideals berufen hatte, eine Lebensbeschreibung widmen wollte, liegt nahe. Die Fragen aber, wann er an einem entsprechenden Text arbeitete und warum dieser letztlich nicht Teil der gedruckten Sammlung von 1672 werden konnte, lassen sich nicht gänzlich klären. Renis Vita verblieb im Entwurf, wobei sie im Umfang an den gewichtigeren Biographien der Druckausgabe orientiert ist.
Für Bellori steht Renis künstlerische Begabung im Zeichen der grazia, deren Wesen er in detaillierten Werkbeschreibungen nachspürt. Wie Gabriele Wimböck in ihrem Essay zeigt, kondensiert der Autor außerdem seine Quellen, allen voran das zeitgleiche Vitenprojekt des Bolognesers Carlo Cesare Malvasia (1616-1693), zu einem Lebensbild, das Reni zum wichtigsten Erben der Carracci-Schule in Bologna erhebt. Belloris Darstellung von Renis Werdegang verhandelt dabei grundsätzliche Fragen der Ausbildung und sozialen Stellung von Künstlern und arbeitet seine eigenen kunsttheoretischen Vorstellungen heraus.

Das Leben des Guido Reni | Vita di Guido Reni

¿ Two of the most dynamic minds in art history 
¿ Duchamp's revolutionary practice was influenced by Leonardo
¿ Groundbreaking publication, spanning 500 years

Marcel Duchamp and Leonardo Da Vinci

Mirror Image

Hatje Cantz Text

Where is Charles Simonds? Throughout the 1970s, his

diminutive Dwellings, tiny architectural ruins of an imaginary civilization, could be found throughout the crumbling

infrastructure of downtown New York. Preoccupied with
the relationship between the grown and the built, the
archaeological and the urban, Simonds shared friendship
and ideas with Gordon Matta-Clark and Robert Smithson.
Like Lucy Lippard, with whom he lived during that decade,
Simonds believed in combining art and activism, always
preferring what he called the "real world" to the art world.
Yet despite taking part in many of the seminal exhibitions
and art events of 1970s New York, Simonds has left few
traces on art history. In order to explain Simonds's absence
while simultaneously arguing for his central place within it,

Jules Pelta Feldman reconsiders the decade's self-conception, finding that Simonds exemplifies much of what has

been ignored in 1970s art¿and much of what establishes
it as a unique period of experimentation and possibility.

Where is Charles Simonds? Throughout the 1970s, his

diminutive Dwellings, tiny architectural ruins of an imaginary civilization, could be found throughout the crumbling

infrastructure of downtown New York. Preoccupied with
the relationship between the grown and the built, the
archaeological and the urban, Simonds shared friendship
and ideas with Gordon Matta-Clark and Robert Smithson.
Like Lucy Lippard, with whom he lived during that decade,
Simonds believed in combining art and activism, always
preferring what he called the “real world” to the art world.
Yet despite taking part in many of the seminal exhibitions
and art events of 1970s New York, Simonds has left few
traces on art history. In order to explain Simonds’s absence
while simultaneously arguing for his central place within it,

Jules Pelta Feldman reconsiders the decade’s self-conception, finding that Simonds exemplifies much of what has

been ignored in 1970s art―and much of what establishes
it as a unique period of experimentation and possibility.

Charles Simonds and the Seventies

Arte

Arte 20

Roman | Ein bewegender Roman über Familie, Freundschaft und Verrat

Als der Himmel fiel

What are the conceptual correspondences and gaps between theories of nature, ecology, environment, and aesthetics? This volume addresses the ecological and aesthetic dimensions of human interaction with geographical, geological, botanical, zoological, astronomical, and climatic formations. Other than literary ecocriticism which led to heated debates, this book deals with the ecological turn in visual studies, a territory of research still in its infancy. Art history is thus engaging in the crucial exchange between ecological and aesthetic studies. The contributions adopt a historical as well as a transcultural perspective reaching from the earliest known human interaction with the natural environment to the present day.

What are the conceptual correspondences and gaps between theories of nature, ecology, environment, and aesthetics? This volume addresses the ecological and aesthetic dimensions of human interaction with geographical, geological, botanical, zoological, astronomical, and climatic formations. Other than literary ecocriticism which led to heated debates, this book deals with the ecological turn in visual studies, a territory of research still in its infancy. Art history is thus engaging in the crucial exchange between ecological and aesthetic studies. The contributions adopt a historical as well as a transcultural perspective reaching from the earliest known human interaction with the natural environment to the present day.

Ecologies, Aesthetics, and Histories of Art

Roman

Der Zauberberg

Naturbilder / Images of Nature

Das Buch zeigt erstmals auf, wie die unsichtbare Pflanzenseele in Kunst, Film, Tanz und Wissenschaft Frankreichs dargestellt und mit religiösen und biologischen Konzepten vermischt wurde. Die Bandbreite der Visualisierungen reicht von romantischen Personifikationen im frühen Film über fleischfressende zoomorphe Monster bis zu Ornamenten bei FrantiSek Kupka und Loïe Fuller, die Pflanzenbewegungen zu einem abstrakten Dynamismus stilisierten. Auch der neu erfundene Zeitrafferfilm zeigt das langsame Leben der Pflanzen beschleunigt und schreibt ihnen so Willen und Ausdruck zu. Die Kunst- und Bildgeschichte der postevolutionären anima vegetativa verdeutlicht, dass der vegetabile Animismus Konzeptionen von Natur, Wahrnehmung und Wirkmacht hinterfragt und damit auch den Sonderstatus des Menschen.

Do plants have a soul? This first-ever study examines how the invisible souls of plants were depicted in French art, film, dance and science around 1900, including the way these depictions were melded with religious and biological concepts. The aesthetic and pictorial history of post-evolutionary anima vegetativa shows how plant animism questioned conceptions of nature, perception and power, and, by extension, the special status of human beings.

Florale Animationen in bildender Kunst, Film und Tanz Frankreichs um 1900

Anima vegetativa

detebe

Allmen

In einer Bar begegnet Allmen einem kultivierten Herrn seines Alters - Adrian Weynfeldt. Der Name ist dem Kunstdetektiv selbstverständlich ein Begriff. Es ist der Beginn einer ungewöhnlichen Freundschaft. Als Weynfeldt kurz darauf bemerkt, dass ein Bild in seiner Sammlung fehlt, schaltet er Allmen ein. Weynfeldts bunter Freundeskreis gibt sich zugeknöpft. Nur die Kunstbuchhändlerin will reden. Doch bald schon kann sie das nicht mehr. Allmen steht vor seinem ersten Mordfall.

Allmen und Herr Weynfeldt

Rythms of Power

Bibliografische Angaben

Schlagworte

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