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Münch E: Jahreslosung Eberhard Münch
2026, Kunstdruck 63 x 92cm

Jahreslosung Eberhard Münch 2026, Kunstdruck 63 x 92cm

American painter James Howell found the subject of his art in the color gray. He explored the color's sensual variety diligently over decades. In 2022, the Josef Albers Museum in Bottrop dedicated an exhibition to Howell presenting his work in the context of Albers' paintings. This catalogue documents this remarkable artistic encounter and explores Howell's work in all its conceptual depth, transcending the seemlingly monothematic of the color gray. His paintings are meditations on the relationship between color and light, based on a refinement of painterly means that, despite their extreme reduction, allow for a paradoxical emphasis on expression.
 
 JAMES HOWELL (1935-2014) was an American artist who dedicated over five decades of his life to working with infinite gradations of gray. From 1968, he mainly created abstract paintings and exhibited them regularly on the West Coast of the United States. In 1983, he moved into a studio located on San Juan Island, WA, where he was surrounded by the continiously shifting grays in the sky, water, and light. This environment undoubtedly influenced his artistic production. In 1992, he moved to New York, where his signature style emerged in the 1990s with his 
 Series 10
 . This series explores gradations of gray, his interests in mathematics, physics, and philosophy. The artist's work transcends mere color and speaks to the interconnectedness of all things.

American painter James Howell found the subject of his art in the color gray. He explored the color’s sensual variety diligently over decades. In 2022, the Josef Albers Museum in Bottrop dedicated an exhibition to Howell presenting his work in the context of Albers’ paintings. This catalogue documents this remarkable artistic encounter and explores Howell’s work in all its conceptual depth, transcending the seemlingly monothematic of the color gray. His paintings are meditations on the relationship between color and light, based on a refinement of painterly means that, despite their extreme reduction, allow for a paradoxical emphasis on expression.
 JAMES HOWELL (1935–2014) was an American artist who dedicated over five decades of his life to working with infinite gradations of gray. From 1968, he mainly created abstract paintings and exhibited them regularly on the West Coast of the United States. In 1983, he moved into a studio located on San Juan Island, WA, where he was surrounded by the continiously shifting grays in the sky, water, and light. This environment undoubtedly influenced his artistic production. In 1992, he moved to New York, where his signature style emerged in the 1990s with his 
 Series 10
 . This series explores gradations of gray, his interests in mathematics, physics, and philosophy. The artist’s work transcends mere color and speaks to the interconnectedness of all things.

James Howell: Painting | Malerei

"In the Company of Artists" ist die erste umfassende Studie über die Skowhegan School of Painting &amp; Sculpture, die inmitten der Wirren des Zweiten Weltkriegs von Künstler:innen für Künstler:innen gegründet wurde. Der Band befasst sich mit der Philosophie und Ausstrahlung der einflussreichen Sommerkunstschule und erweitert damit unser Bild von der amerikanischen Kunstproduktion und den alternativen Bildungsangeboten der Nachkriegszeit.Der umfangreiche Band stützt sich auf Primärquellen, darunter neue und unveröffentlichte Interviews und Diskussionsrunden mit aktuellen und ehemaligen Studierenden der Fakultät, Fotografien und Standbilder, Ephemera und Kunstwerke aus über siebzig Jahren. Augenzeugenberichte gewähren Einblick in diese sehr private Institution, die in Bezug auf Repräsentanz, Gleichberechtigung und Inklusion ihrer Zeit weit voraus war. Der Band umfasst zudem ein eigens in Auftrag gegebenes Portfolio mit Fotografien der gefeierten Künstlerin Elle Pérez.

"In the Company of Artists" ist die erste umfassende Studie über die Skowhegan School of Painting &amp; Sculpture, die inmitten der Wirren des Zweiten Weltkriegs von Künstler:innen für Künstler:innen gegründet wurde. Der Band befasst sich mit der Philosophie und Ausstrahlung der einflussreichen Sommerkunstschule und erweitert damit unser Bild von der amerikanischen Kunstproduktion und den alternativen Bildungsangeboten der Nachkriegszeit.Der umfangreiche Band stützt sich auf Primärquellen, darunter neue und unveröffentlichte Interviews und Diskussionsrunden mit aktuellen und ehemaligen Studierenden der Fakultät, Fotografien und Standbilder, Ephemera und Kunstwerke aus über siebzig Jahren. Augenzeugenberichte gewähren Einblick in diese sehr private Institution, die in Bezug auf Repräsentanz, Gleichberechtigung und Inklusion ihrer Zeit weit voraus war. Der Band umfasst zudem ein eigens in Auftrag gegebenes Portfolio mit Fotografien der gefeierten Künstlerin Elle Pérez.

A History of Skowhegan School of Painting & Sculpture

In the Company of Artists

A first-ever look at a network of Black visual artists in Harlem in the 1960s and 1970s This comprehensive account of the six-year history of Acts of Art, a gallery founded by and for Black artists in Greenwich Village in 1969, includes a complete exhibition record, biographies of the gallery's key artists, and entries on important group exhibitions and events. &gt;

Acts of Art in Greenwich Village

Jahreslosung Eberhard Münch 2026, Lesezeichen (10er-Set)

A to Z Series

Edvard Munch – a master of emotion and existential angst.
 Best known for 
 The Scream
 , Munch’s art captured the struggles of the human psyche in a way that resonates across generations. His works form a unique “soul diary,” chronicling inner turmoil, fear, and profound melancholy.
 
 In this volume of the 
 Hatje Cantz A–Z series
 , Munch’s life and work are explored through 26 concise and engaging themes, from “Anxiety” to “Ghosts” and “Revolver” to “Zoo.” This book offers surprising insights into Munch’s personal and universal artistic expressions, highlighting why his work remains as compelling today as ever.
 <ul><li>
 The creator of 
 The Scream
 : Discover Munch’s iconic and timeless masterpiece.
 </li><li>A soul laid bare:
 Munch’s art as a profound expression of psychological states.
 </li><li>Surprising themes:
 26 fresh perspectives on Munch’s life and work.
 </li></ul>Compact and inspiring art history
 The 
 Hatje Cantz A–Z series
 presents the great artists of art history in a compact and engaging format. Each volume offers biographical insights, surprising details, and fascinating perspectives on their work. With its clear structure and handy format, the series is the perfect companion for art enthusiasts, collectors, and curious minds alike. 
 In his painterly and graphic work Edvard Munch (1863–1944) made feelings and states of mind the subject of his work. In intense colors and expressive figuration, he created a highly individual artistic language that makes his oeuvre as enigmatic as it is appealing. Born in Norway, his travels took him to Paris and Berlin, where he cultivated contacts with important writers, artists, and intellectuals of the time. He spent the end of his life in seclusion in Oslo, where he died in 1944.&nbsp;The art historian Ulf Küster (*1966, Stuttgart) has worked at the Fondation Beyeler in Riehen/Basel since 2004. He has curated internationally acclaimed exhibitions and written numerous publications. His books on Edward Hopper and Piet Mondrian (A-Z series) and Louise Bourgeois (Kunst zum Lesen series) have been published by Hatje Cantz.

Edvard Munch: A to Z

¿ Influential American painter
¿ Abstract landscape paintings of the global present
¿ Monumental works with great sensual quality

American artist Julie Mehretu is renowned for her powerful
and often monumental works. Drawing on histories
of art and architecture, they also speak to urgent contemporary
issues such as revolution, migration, global
capitalism and climate change. Published to coincide
with the Museum of Contemporary Art Australia's major
career survey, and focusing on new and recent works

 Julie Mehretu: A Transcore of the Radical Imaginatory
 will include monumental and medium-format paintings,
as well as works on paper dating from the mid-1990s to
the present. The catalogue will provide new and important
scholarship on an artist regarded as one of the most
significant painters of her generation.
 JULIE MEHRETU (*1970 Addis Ababa, lives and work New York) is one of the most influential contemporary artists working today. Mehretu has exhibited extensively internationally at major institutions across the US, UK and Europe since the 1990s, including mid-career survey exhibitions at the Whitney Museum of American Art, New York (2021) and Los Angeles County Museum of Art (2019).

Julie Mehretu: A Transcore of the Radical Imaginatory

Ekrem Yalcindag. Seeing the World Anew

Demonstrating a wide array of influences-from Chinese calligraphy to Expressionism-Liu Wei's work deals with universal themes of humanity. With a career spanning over thirty years, he has proved a master of rendering human flesh and combining figuration with text and abstraction. Liu Wei's deft grasp of technique and acute awareness of color and composition is evident in his lush landscapes, in which flora and fauna often escape the confines of the canvas and spill out onto the Rococo-style frames. Featuring texts by distinguished specialists in contemporary Chinese art, this first major English-language monograph provides an in-depth look at the historical context and traces his development from his early paintings reflecting disenchantment with political and artistic utopias through the lenses of skepticism and satire, to lush landscapes, striking portraits, and more recent philosophic and contemplative calligraphic works on paper. LIU WEI (*1965, Beijing), studied printmaking at the Central Academy of Fine Arts in Beijing, where he still lives today. He first rose to prominence as a preeminent figure in China's "cynical realism" movement of the 1990s. His paintings have been shown in museum exhibitions and biennials worldwide, including the Museum of Contemporary Art, Sydney, the Singapore Art Museum, the San Francisco Museum of Modern Art, and the Venice Biennale.

Demonstrating a wide array of influences—from Chinese calligraphy to Expressionism—Liu Wei’s work deals with universal themes of humanity. With a career spanning over thirty years, he has proved a master of rendering human flesh and combining figuration with text and abstraction. Liu Wei’s deft grasp of technique and acute awareness of color and composition is evident in his lush landscapes, in which flora and fauna often escape the confines of the canvas and spill out onto the Rococo-style frames. Featuring texts by distinguished specialists in contemporary Chinese art, this first major English-language monograph provides an in-depth look at the historical context and traces his development from his early paintings reflecting disenchantment with political and artistic utopias through the lenses of skepticism and satire, to lush landscapes, striking portraits, and more recent philosophic and contemplative calligraphic works on paper. LIU WEI (*1965, Beijing), studied printmaking at the Central Academy of Fine Arts in Beijing, where he still lives today. He first rose to prominence as a preeminent figure in China’s “cynical realism” movement of the 1990s. His paintings have been shown in museum exhibitions and biennials worldwide, including the Museum of Contemporary Art, Sydney, the Singapore Art Museum, the San Francisco Museum of Modern Art, and the Venice Biennale.

Liu Wei

Jahreslosung Münch 2026, Kalender im Scheckkartenformat (10er-Set)

Kunstwerk Meer Kalender 2026

Wie Peggy Guggenheim, eine der glamourösesten Figuren des 20. Jahrhunderts, zu der legendären Kunstsammlerin und Ikone wurde, die wir heute kennen Schon als Mädchen rebelliert Peggy Guggenheim gegen die Etikette der New Yorker Upperclass. Nach dem Tod ihres geliebten Vaters ist sie kaum erwachsen, als sie die jüdische Familiendynastie verlässt, um sich in das aufregende Paris der 1920er Jahre zu stürzen: Pernod mit Djuna Barnes, Shootings mit Man Ray, Affären mit Samuel Beckett und Max Ernst. Ihre mondänen Partys schreiben Geschichte. Doch Peggy ist entschlossen, der Welt mehr zu hinterlassen.Von New York über Paris bis nach Venedig erzählt 'Peggy' von der leidenschaftlichen Suche nach persönlicher Freiheit und vor allem vom Glauben einer jungen Frau an die transformative Kraft der Kunst - und an sich selbst.Rebecca Godfrey widmet sich in ihrem letzten Roman einem bislang unerzählten Lebensabschnitt der legendären Kunstsammlerin und Milliarden-Erbin Peggy Guggenheim. Die triumphale Geschichte einer Selbstermächtigung.&nbsp;&nbsp; Rebecca Godfrey starb, kurz bevor sie 'Peggy' vollendet hatte. Ihre Freundin, die erfolgreiche US-amerikanische Autorin Leslie Jamison, vollendete das Herzensprojekt ihrer Freundin.&nbsp; 'Eine brillante Neuerfindung von Peggy Guggenheim als feministische Ikone unserer Zeit.' Jenny Offill'Wenn Sie bereit sind, in die Welt von Peggy Guggenheim einzutauchen, ist dieses Buch ein exzellenter Start.' Washington Post'Von den oberen Rängen Manhattans bis hin zu einer Bohème-Existenz in Venedig wird die Geschichte einer Frau erzählt, die sich ihren eigenen, unerbittlich stilvollen Weg bahnte.' ELLE'¿Peggy¿ folgt seiner Titelheldin, als sie ihre Liebe zur Kunst entdeckt, ihren Platz in einer sexistischen und antisemitischen Welt findet und sich einen Namen macht.' TIME'Rebecca Godfreys Prosa ist so stilvoll wie ihre Protagonistin.' Gary Shteyngart

Wie Peggy Guggenheim, eine der glamourösesten Figuren des 20. Jahrhunderts, zu der legendären Kunstsammlerin und Ikone wurde, die wir heute kennen Schon als Mädchen rebelliert Peggy Guggenheim gegen die Etikette der New Yorker Upperclass. Nach dem Tod ihres geliebten Vaters ist sie kaum erwachsen, als sie die jüdische Familiendynastie verlässt, um sich in das aufregende Paris der 1920er Jahre zu stürzen: Pernod mit Djuna Barnes, Shootings mit Man Ray, Affären mit Samuel Beckett und Max Ernst. Ihre mondänen Partys schreiben Geschichte. Doch Peggy ist entschlossen, der Welt mehr zu hinterlassen.Von New York über Paris bis nach Venedig erzählt »Peggy« von der leidenschaftlichen Suche nach persönlicher Freiheit und vor allem vom Glauben einer jungen Frau an die transformative Kraft der Kunst - und an sich selbst.Rebecca Godfrey widmet sich in ihrem letzten Roman einem bislang unerzählten Lebensabschnitt der legendären Kunstsammlerin und Milliarden-Erbin Peggy Guggenheim. Die triumphale Geschichte einer Selbstermächtigung.&nbsp;&nbsp; Rebecca Godfrey starb, kurz bevor sie »Peggy« vollendet hatte. Ihre Freundin, die erfolgreiche US-amerikanische Autorin Leslie Jamison, vollendete das Herzensprojekt ihrer Freundin.&nbsp; 
 »Eine brillante Neuerfindung von Peggy Guggenheim als feministische Ikone unserer Zeit.« 
 Jenny Offill
 »Wenn Sie bereit sind, in die Welt von Peggy Guggenheim einzutauchen, ist dieses Buch ein exzellenter Start.« 
 Washington Post
 »Von den oberen Rängen Manhattans bis hin zu einer Bohème-Existenz in Venedig wird die Geschichte einer Frau erzählt, die sich ihren eigenen, unerbittlich stilvollen Weg bahnte.« 
 ELLE
 »›Peggy‹ folgt seiner Titelheldin, als sie ihre Liebe zur Kunst entdeckt, ihren Platz in einer sexistischen und antisemitischen Welt findet und sich einen Namen macht.« 
 TIME
 »Rebecca Godfreys Prosa ist so stilvoll wie ihre Protagonistin.« 
 Gary Shteyngart

Roman

Peggy

Mit dem Surrealismus entstand in Paris vor hundert Jahren die berühmteste künstlerische Bewegung des 20. Jahrhunderts. Hervorgegangen aus der Katastrophe des Ersten Weltkriegs prägte sie wie keine andere geistige Strömung nachfolgende Avantgarden und gesellschaftliche Diskurse. In der deutschen Romantik sahen die Surrealist*innen eine wegweisende Wahlverwandtschaft: Das Übernatürliche und Irrationale, Traum und Zufall sowie ein Grundgedanken zu Kosmos, Natur und dem inneren Sehen bildeten zentrale Inspirationsquellen. André Masson, Meret Oppenheim, Victor Brauner oder Valentine Hugo widmen den Dichter*innen der Romantik explizite Hommagen – besonders im Diskurs des Widerstands. In einer überraschenden Zahl der Werke von Paul Klee, Max Ernst, Salvador Dalí, René Magritte, Toyen und vielen anderen Surrealist*innen wird sichtbar, dass Caspar David Friedrich oder Philipp Otto Runge eine bedeutende Rolle auf der Suche nach einer revolutionären Kunst spielten.Die Ausstellung entsteht in Kooperation mit dem Centre Pompidou, Paris. Sie bietet einen einen besonderen inhaltlichen Schwerpunkt innerhalb der europäischen Jahrhundertfeier des Surrealismus.

Surrealismus und deutsche Romantik

Rendezvous der Träume

Jahreslosung Eberhard Münch 2026, Kunstdruck 63 x 92cm

Bibliografische Angaben

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