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Frauen, die Blumen lieben Postkarte VE
20

Frauen, die Blumen lieben Postkarte VE 20

Die schönsten Gemälde

Gatsby

Bars gibt es viele. Solche mit Klasse aber nur wenige. Die Kronenhalle Bar in Zürich ist seit Mitte der sechziger Jahre ein Mekka für Drink- und Kunstliebhaber. Ganze vierzig Jahre lang stand Chef de Bar Peter Roth hinter dem Tresen. »Meines Erachtens der kompetenteste Barkeeper überhaupt« (Dieter Meier, Yello), eine »Legende«, so die NZZ.Für dieses Buch hat Roth die besten Cocktailrezepte der Welt versammelt, von A wie Absolute Butterfly bis Z wie Zombie. Zur Seite stehen ihm renommierte Autoren, die den Blick vom Glas wieder auf die Umgebung lenken: das Interieur von Trix und Robert Haussmann in warmem Mahagoni, die Alabasterleuchten der Brüder Giacometti und die Originale von Picasso, Matisse, Miró (dessen Gemälde einmal geklaut wurde, aber rasch wieder auftauchte, der Dieb selbst verriet den Fundort) und vielen anderen. Auch die Geschichte der Bar und ihrer Gäste wird erzählt: von den frühen Tagen, als man hier Yves Saint Laurent, Friedrich Dürrenmatt oder Marc Chagall antraf, bis in die jüngste Vergangenheit mit Gästen wie Roger Moore, Tina Turner und Woody Allen.

Bars gibt es viele. Solche mit Klasse aber nur wenige. Die Kronenhalle Bar in Zürich ist seit Mitte der sechziger Jahre ein Mekka für Drink- und Kunstliebhaber. Ganze vierzig Jahre lang stand Chef de Bar Peter Roth hinter dem Tresen. »Meines Erachtens der kompetenteste Barkeeper überhaupt« (Dieter Meier, Yello), eine »Legende«, so die NZZ.Für dieses Buch hat Roth die besten Cocktailrezepte der Welt versammelt, von A wie Absolute Butterfly bis Z wie Zombie. Zur Seite stehen ihm renommierte Autoren, die den Blick vom Glas wieder auf die Umgebung lenken: das Interieur von Trix und Robert Haussmann in warmem Mahagoni, die Alabasterleuchten der Brüder Giacometti und die Originale von Picasso, Matisse, Miró (dessen Gemälde einmal geklaut wurde, aber rasch wieder auftauchte, der Dieb selbst verriet den Fundort) und vielen anderen. Auch die Geschichte der Bar und ihrer Gäste wird erzählt: von den frühen Tagen, als man hier Yves Saint Laurent, Friedrich Dürrenmatt oder Marc Chagall antraf, bis in die jüngste Vergangenheit mit Gästen wie Roger Moore, Tina Turner und Woody Allen.

Cocktailbuch

Gatsby / Kronenhalle Bar

Art of Asia Kalender 2026

The Collective Eye – Thoughts on Collective Practice

Ingenious in the Mass. The artists' colonies of the nineteenth century championed the idea of a social and economic community of "city refugees" who lived and worked together, finding inspiration in nature; the artists' groups of the early twentieth century, on the other hand, rallied around artistic programs with which their members are now associated in histories of art. And yet the-male, white-artist was continually vaunted as a brilliant solitary creator. Until a few years ago, a consensus to which both the art market and artists readily acceded reproduced this phenomenon, and so artists' collectives that gained international acclaim, like General Idea, remained the exception. Why is that? Which conditions must be established for this paradigm to be defeated? And why is it that collective thinking and action have long been accepted and even standard practice in other domains, like theater and ballet, fashion, music, and cinema? Today, the effects of digital networking and globalization define the premises and nuances of community formation and collective artistic work. And yet the cult of the genuine artist, creating solely out of himself or herself, remains the status quo. Other disciplines appear to have long overcome this challenge. And the models of what making art looks like vary widely depending on formative social influences and cultural identities. These observations formed the basis for conversations that led The Collective Eye to complement its work organizing exhibitions and symposia with the production of a book series gathering Thoughts on Collective Practice. The first three volumes discuss practices of collective action with the artist duo Elmgreen &amp; Dragset; the collective Slavs and Tatars, which started out as a reading group; and the stage director Roberto Ciulli. The series seeks to chart an approach to a complex of issues that scholars have only just begun to study.

Ingenious in the Mass. The artists’ colonies of the nineteenth century championed the idea of a social and economic community of “city refugees” who lived and worked together, finding inspiration in nature; the artists’ groups of the early twentieth century, on the other hand, rallied around artistic programs with which their members are now associated in histories of art. And yet the—male, white—artist was continually vaunted as a brilliant solitary creator. Until a few years ago, a consensus to which both the art market and artists readily acceded reproduced this phenomenon, and so artists’ collectives that gained international acclaim, like General Idea, remained the exception. Why is that? Which conditions must be established for this paradigm to be defeated? And why is it that collective thinking and action have long been accepted and even standard practice in other domains, like theater and ballet, fashion, music, and cinema? Today, the effects of digital networking and globalization define the premises and nuances of community formation and collective artistic work. And yet the cult of the genuine artist, creating solely out of himself or herself, remains the status quo. Other disciplines appear to have long overcome this challenge. And the models of what making art looks like vary widely depending on formative social influences and cultural identities. These observations formed the basis for conversations that led The Collective Eye to complement its work organizing exhibitions and symposia with the production of a book series gathering Thoughts on Collective Practice. The first three volumes discuss practices of collective action with the artist duo Elmgreen &amp; Dragset; the collective Slavs and Tatars, which started out as a reading group; and the stage director Roberto Ciulli. The series seeks to chart an approach to a complex of issues that scholars have only just begun to study.

The Collective Eye – Thoughts on Collective Practice (englischsprachige Ausgabe)

Slavs and Tatars

Im Stadtgarten tobt das Leben. Über Blumen fliegen Wildbienen und Schmetterlinge, am Boden krabbeln Käfer, Heuschrecken hüpfen umher und Spinnen weben ihre Netze. Ein Paradies für alles, was kreucht und fleucht. Die Vielfalt im naturnahen Stadtgarten ist schier unerschöpflich. Doch wer genau tummelt sich hier? 
Über 300 Arten konnten in einem Hinterhof mitten in Basel fotografiert und identifiziert werden, viele davon werden vorgestellt. Neben Insekten und Co. stehen auch Blumen, Stauden und Sträucher im Zentrum. Möglichst viele verschiedene einheimische Pflanzen bilden die Lebensgrundlage der Krabbeltiere. Es ist möglich, Städte in Oasen für Menschen, Tiere und Pflanzen zu verwandeln.

Insektenparadies Stadtgarten

Naive Malerei Kalender 2026

Naturbilder / Images of Nature

Das Buch zeigt erstmals auf, wie die unsichtbare Pflanzenseele in Kunst, Film, Tanz und Wissenschaft Frankreichs dargestellt und mit religiösen und biologischen Konzepten vermischt wurde. Die Bandbreite der Visualisierungen reicht von romantischen Personifikationen im frühen Film über fleischfressende zoomorphe Monster bis zu Ornamenten bei FrantiSek Kupka und Loïe Fuller, die Pflanzenbewegungen zu einem abstrakten Dynamismus stilisierten. Auch der neu erfundene Zeitrafferfilm zeigt das langsame Leben der Pflanzen beschleunigt und schreibt ihnen so Willen und Ausdruck zu. Die Kunst- und Bildgeschichte der postevolutionären anima vegetativa verdeutlicht, dass der vegetabile Animismus Konzeptionen von Natur, Wahrnehmung und Wirkmacht hinterfragt und damit auch den Sonderstatus des Menschen.

Das Buch zeigt erstmals auf, wie die unsichtbare Pflanzenseele in Kunst, Film, Tanz und Wissenschaft Frankreichs dargestellt und mit religiösen und biologischen Konzepten vermischt wurde. Die Bandbreite der Visualisierungen reicht von romantischen Personifikationen im frühen Film über fleischfressende zoomorphe Monster bis zu Ornamenten bei František Kupka und Loïe Fuller, die Pflanzenbewegungen zu einem abstrakten Dynamismus stilisierten. Auch der neu erfundene Zeitrafferfilm zeigt das langsame Leben der Pflanzen beschleunigt und schreibt ihnen so Willen und Ausdruck zu. Die Kunst- und Bildgeschichte der postevolutionären 
 anima vegetativa
 verdeutlicht, dass der vegetabile Animismus Konzeptionen von Natur, Wahrnehmung und Wirkmacht hinterfragt und damit auch den Sonderstatus des Menschen.

Florale Animationen in bildender Kunst, Film und Tanz Frankreichs um 1900

Anima vegetativa

Kontext

Die Abwesenheit in der Skulptur. Placebo - A Landscape ist eine Hommage an den zu früh verstorbenen Künstler Félix González-Torres. "Untitled" (Placebo - Landscape - for Roni) (1993) entstand im Dialog zwischen González-Torres und Roni Horn, die sich künstlerisch und inhaltlich aufeinander bezogen. Heike-Karin Föll beschreibt und rekonstruiert die formalen, produktions- und rezeptionsästhetischen Aspekte der candies vor dem Hintergrund künstlerisch-ästhetischer Debatten und politischer Diskussionen während der Aids-Krise der frühen 1990er Jahre. Fölls künstlerische Arbeit steht im Austausch mit medialem Alltag, Styles, analogen und digitalen Displays und Texten. In diesem Zusammenhang wird Malerei und Zeichnung sowie damit auch die Linie als ihre kleinste Einheit exponiert; davon ausgehend bedient die Künstlerin unterschiedliche Formate - Buchseite, Blatt und Leinwand -, in denen sie postmoderne Strategeme wie Aneignung, Zitat und Kopie aufbricht.

Die Abwesenheit in der Skulptur. Placebo – A Landscape ist eine Hommage an den zu früh verstorbenen Künstler Félix González-Torres. „Untitled“ (Placebo – Landscape – for Roni) (1993) entstand im Dialog zwischen González-Torres und Roni Horn, die sich künstlerisch und inhaltlich aufeinander bezogen. Heike-Karin Föll beschreibt und rekonstruiert die formalen, produktions- und rezeptionsästhetischen Aspekte der candies vor dem Hintergrund künstlerisch-ästhetischer Debatten und politischer Diskussionen während der Aids-Krise der frühen 1990er Jahre. Fölls künstlerische Arbeit steht im Austausch mit medialem Alltag, Styles, analogen und digitalen Displays und Texten. In diesem Zusammenhang wird Malerei und Zeichnung sowie damit auch die Linie als ihre kleinste Einheit exponiert; davon ausgehend bedient die Künstlerin unterschiedliche Formate – Buchseite, Blatt und Leinwand –, in denen sie postmoderne Strategeme wie Aneignung, Zitat und Kopie aufbricht.

Heike-Karin Föll über Felix Gonzalez-Torres

Placebo – A Landscape

What are the conceptual correspondences and gaps between theories of nature, ecology, environment, and aesthetics? This volume addresses the ecological and aesthetic dimensions of human interaction with geographical, geological, botanical, zoological, astronomical, and climatic formations. Other than literary ecocriticism which led to heated debates, this book deals with the ecological turn in visual studies, a territory of research still in its infancy. Art history is thus engaging in the crucial exchange between ecological and aesthetic studies. The contributions adopt a historical as well as a transcultural perspective reaching from the earliest known human interaction with the natural environment to the present day.

What are the conceptual correspondences and gaps between theories of nature, ecology, environment, and aesthetics? This volume addresses the ecological and aesthetic dimensions of human interaction with geographical, geological, botanical, zoological, astronomical, and climatic formations. Other than literary ecocriticism which led to heated debates, this book deals with the ecological turn in visual studies, a territory of research still in its infancy. Art history is thus engaging in the crucial exchange between ecological and aesthetic studies. The contributions adopt a historical as well as a transcultural perspective reaching from the earliest known human interaction with the natural environment to the present day.

Ecologies, Aesthetics, and Histories of Art

Viele Pflanzen sind vom Aussterben bedroht, doch es braucht wenig, um dem entgegenzuwirken. Der Autor Rolf Kühn stellt in diesem Buch ein Habitat vor, das nur einmal im Jahr gemäht wird und dies mit einer grossen Pflan zen anzahl dankt. Das Werk behandelt unsere einheimischen wild wachsenden Orchideen und zeigt deren grosse Varietät: Auf den mehr als 600 Fotos sind 7 Orchideengattungen, 10 verschiedene Arten und 1 Hybrid zu sehen. Das Buch soll aufzeigen, wie wertvoll es ist, die Natur zu schützen, denn sie ist unser Leben.

Der Text erscheint in 3 Sprachen: Deutsch, Englisch und Französisch.

Orchideen und Varietäten eines Habitats

Er trifft auf Elena. Er ist introvertiert, fühlt viel, hinterfragt alles, auch sich selbst - erlebt aber sein Denken als limitiert. Elena ist herausragend clever, voll von Leben, denkt klar und folgt radikal ihrer Bestimmung - der eigenen Erfüllung in der Kunst. Damit bringt sie all das in sein Leben, was er bisher zu vermissen glaubte. Und auch sie scheint etwas ganz Spezielles in ihm zu sehen. Zwischen Elena und ihm entsteht etwas, was sich richtig und intensiv und gross anfühlt. Bis es um die Vollendung ihres ultimativen Werkes geht. Und sich rausstellt: Nichts ist, wie es scheint.

'Ein Buch, wie es die heutige Gesellschaft braucht: aufwühlend und provozierend, mal zärtlich, mal brutal, schmerzhaft ehrlich, aber dann dich eiskalt hinterrücks erwischend.' Dominic Deville, Satiriker, Punk, Late Night Host

'Ich konnte diese Geschichte für keinen Augenblick weglegen und sie begleitet mich bis heute. DIE BESTMÖGLICHE VERMUTUNG beschreibt die unbehagliche Tonspur einer Ära. Die Sprache ist messerscharf, das Buch hat kein Wort zu viel.' Helen Iten, Journalistin und Autorin

'Dieser Roman ist eine Umwälzung. Weil er so eine Wucht entwickelt, weil er das Innere nach aussen kehrt, einen mitnimmt, abholt und durchschüttelt. Und dies elegant, klug - und durchgehend lustig.' Renato Kaiser, Satiriker und Komiker

Er trifft auf Elena. Er ist introvertiert, fühlt viel, hinterfragt alles, auch sich selbst – erlebt aber sein Denken als limitiert. Elena ist herausragend clever, voll von Leben, denkt klar und folgt radikal ihrer Bestimmung – der eigenen Erfüllung in der Kunst. Damit bringt sie all das in sein Leben, was er bisher zu vermissen glaubte. Und auch sie scheint etwas ganz Spezielles in ihm zu sehen. Zwischen Elena und ihm entsteht etwas, was sich richtig und intensiv und gross anfühlt. Bis es um die Vollendung ihres ultimativen Werkes geht. Und sich rausstellt: Nichts ist, wie es scheint.

«Ein Buch, wie es die heutige Gesellschaft braucht: aufwühlend und provozierend, mal zärtlich, mal brutal, schmerzhaft ehrlich, aber dann dich eiskalt hinterrücks erwischend.» Dominic Deville, Satiriker, Punk, Late Night Host

«Ich konnte diese Geschichte für keinen Augenblick weglegen und sie begleitet mich bis heute. DIE BESTMÖGLICHE VERMUTUNG beschreibt die unbehagliche Tonspur einer Ära. Die Sprache ist messerscharf, das Buch hat kein Wort zu viel.» Helen Iten, Journalistin und Autorin

«Dieser Roman ist eine Umwälzung. Weil er so eine Wucht entwickelt, weil er das Innere nach aussen kehrt, einen mitnimmt, abholt und durchschüttelt. Und dies elegant, klug – und durchgehend lustig.» Renato Kaiser, Satiriker und Komiker

Die bestmögliche Vermutung

A - Z Reihe

Edvard Munch – Kunst als Spiegel der Seele.&nbsp;Edvard Munchs ikonisches Gemälde „Der Schrei“ wurde zum Sinnbild existenzieller Ängste und zugleich zur Vorlage für ein populäres Emoji. Doch der norwegische Maler ging weit darüber hinaus: Er schuf ein einzigartiges „Seelentagebuch“, das seine psychischen Zustände auf Leinwand festhielt und bis heute fasziniert.In diesem Band aus der&nbsp;Hatje Cantz Reihe A–Z&nbsp;erkundet der Autor Munchs Leben und Werk in 26 Themenkapiteln. Von „Angst“ bis „Zoo“ zeigt das Buch die persönlichen und universellen Dimensionen von Munchs Kunst und seine Bedeutung für die Moderne. Ein packender Zugang zu einem Künstler, der Emotionen wie kein anderer malte.Das zeichnet dieses Buch ausDer Schrei der Moderne:&nbsp;Munchs berühmtestes Werk und seine universelle Bedeutung.Ein Seelentagebuch in Bildern:&nbsp;Kunst als Ausdruck psychischer Verfassung.Neue Zugänge:&nbsp;Überraschende Kapitel zu Munchs Leben und Themen.Hatje Cantz A–Z – Kunstgeschichte kompakt und inspirierend.Die Hatje Cantz Buchreihe A–Z bringt große Künstlerinnen und Künstler der Kunstgeschichte in kompakter, unterhaltsamer Form näher. Jeder Band bietet biografische Einblicke, überraschende Details und spannende Perspektiven auf ihr Schaffen. Mit klarer Struktur und handlichem Format ist die Reihe der ideale Begleiter für Kunstinteressierte, Sammler und Neuentdecker.Edvard Munch (1863-1944) machte als Maler und Grafiker Gefühle und Seelenzustände zum Thema seines Schaffens. In intensiven Farben und einer Formgebung zwischen Abstraktion und Figuration schuf er eine höchst individuelle künstlerische Sprache, die sein Werk bis heute so rätselhaft wie ansprechend macht. Geboren in Norwegen, führten ihn Reisen nach Paris und Berlin, wo er Kontakte zu bedeutenden Literaten, Künstlern und Intellektuellen der Zeit pflegte. Sein Lebensende verbrachte er zurückgezogen in Oslo, wo er 1944 starb.&nbsp;Der Kunsthistoriker Ulf Küster (*1966, Stuttgart) arbeitet seit 2004 bei der Fondation Beyeler in Riehen/Basel. Er kuratiert international beachtete Ausstellungen und verfasst zahlreiche Publikationen. Bei Hatje Cantz erschienen u.a. Bücher zu Edward Hopper und Piet Mondrian (Reihe A–Z) sowie zu Louise Bourgeois (Reihe Kunst zum Lesen).

Edvard Munch: A–Z

Unter den hochtechnologischen Bedingungen der Gegenwart wird Materialität in Wissenschaft wie Kunst zunehmend als Agent aufgefasst, der jenseits bewusster menschlicher Wahrnehmung in ökologischen, digitalen oder neuronalen Umwelten angesiedelt ist. In diesem Zusammenhang bezeichnet der Begriff des nonconscious (N. Katherine Hayles) sowohl Formen computergestützter Erfahrung als auch neuronale körperliche Prozesse. Die Beiträge dieser interdisziplinären Publikation fragen nach den Konsequenzen des Nicht-Bewussten als Werkstoff und Vorstellung für ästhetische Praktiken. So öffnen sie insbesondere die an Vorstellungen von Reflexivität und Intentionalität orientierte Theorie, Geschichte und Praxis zeitgenössischer Kunst für neue kritische Lesarten. <ul> <li>Gibt es eine Kunst ohne Bewusstsein? </li> <li>Neue Lesarten von Theorie und Geschichte zeitgenössischer Kunst </li></ul>

Under the present day's highly technological conditions, materiality in science as well as art is perceived increasingly as an agent located beyond conscious human perception in ecological, digital or neuronal environments. In this context, the term 
 nonconscious
 (N. Katherine Hayles) refers to forms of computer-based experience as well as neuronal bodily processes. The contributions to this interdisciplinary publication enquire into the consequences of the nonconscious as material and imagination for aesthetic practices. In particular, they encourage new critical readings of the theory, history and practice of contemporary art oriented towards notions of reflexivity and intentionality. 
 <ul><li>Is there art without consciousness?</li><li>New interpretations of the theory and history of contemporary art</li></ul>

Beiträge zur technologischen Ästhetik der Gegenwart

Kunst ohne Bewusstsein?

Frauen, die Blumen lieben Postkarte VE 20

Bibliografische Angaben

Schlagworte

Bibliografische Angaben

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