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: Schweizerische Zivilprozessordnung (Art. 1–352 ZPO sowie Art. 400–408 ZPO)</div>

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Wienands Kleine Reihe der Künstlerbiografien

Lüddemann S: Max Beckmann

Max Beckmann

Edvard Munch (1863-1944) ist nicht nur einer der wichtigsten, sondern auch einer der produktivsten Künstler der Moderne. Elementare Gefühle und existenzielle Lebenssituationen sind vor Munch in der bildenden Kunst nie so direkt und authentisch zum Ausdruck gebracht worden. Er lässt uns die Spannungen und Verbindungen zwischen den Geschlechtern, zwischen Welt und Universum sowie Lust und Schmerz fühlen. Er ist ein Meister der Selbstinszenierung, der nicht nur in seinen Selbstporträts, sondern auch in Texten und Selfies Mythen und Rollen lanciert, die genau kalkuliert sind.

Edvard Munch

Kleine Andachtsbilder von 1647 bis heute

Der heilige Liborius in der grafischen Kunst

Die erste Monografie über eine Künstlerin, die in ihren Arbeiten konsequent Strickmuster und weiblichen Aktivismus zu Botschaften über Geschichte, Feminismus und Arbeit verknüpft.

Inspiriert von großen Frauen-Protestaktionen des 20. Jahrhunderts übersetzt Ellen Lesperance Archivbilder von handgestrickten Kleidungsstücken der Demonstrantinnen erst in Strickschrift, um sie dann als akribische Gouache-Gemälde zu Papier zu bringen. Lesperance zählt Weberinnen aus der Bauhaus-Ära ebenso zu ihren Einflüssen wie feministische Körperkunst der 1970er- und 1980er-Jahre. Die Künstlerin stellt sich mit ihrem Produktionsprozess außerhalb der männlich dominierten westlichen Maltraditionen und würdigt gleichzeitig die kreative Arbeit von Frauen, die sich gegen soziale und politische Missstände einsetzen.

Text: Jennifer Kabat, Amy Tobin.

Ausst. Kat. Hollybush Gardens, London u. Derek Eller Gallery, New York

Ellen Lesperance

Ihre ausdrucksstarken Bilder greifen existenzielle Lebensthemen auf - von der Geburt bis zum Tod, Mensch und Natur, Geschlecht und Liebe: Paula Modersohn-Becker und Edvard Munch, zwei Ausnahmeerscheinungen der europäischen Kunst, spiegeln in ihren international gefeierten Werken zentrale Fragen der Zeit um 1900. Beide waren ebenso sensible wie progressive Seismografen ihrer Generation. Im Dialog ihrer Malerei begegnen sich zwei Welten, unterschiedliche Temperamente, Frau und Mann. Das Albertinum bietet in Kooperation mit dem Munch Museum Oslo die erste große gemeinsame Präsentation der bis heute hochaktuellen Bilder beider Künstler - anlässlich des 150. Geburtstags von Paula Modersohn-Becker (*8.2.1876 in Dresden-Friedrichstadt) und mit zahlreichen Hauptwerken.

Die großen Fragen des Lebens

Paula Modersohn-Becker und Edvard Munch

Die erste Übersichtspublikation zu den figurativen Skulpturen des Schweizer Künstlers Yves Scherer, von den Anfängen im Jahr 2013 bis heute.

Yves Scherer verwebt in seinen Arbeiten Persönliches mit Elementen aus Popkultur, Fan Fiction und digitalen Bilderwelten. In Wandobjekten, Skulpturen und Installationen fragt er, wie Identität in einer von Medien, Wünschen und Erinnerungen übersättigten Welt geformt wird. Mit zahlreichen Farbabbildungen vermittelt der Band die Ruhe, Wärme und den Optimismus, die seine Skulpturen ausstrahlen.

Text: Stavroula Coulianidis.

Ausst. Kat. Kunstraum Heilig Geist, Essen

Yves Scherer: Sculpture

Zentrale Skulpturen aus den letzten zehn Jahren sowie neu geschaffene Arbeiten des Bildhauers, der wie kein anderer Material, Symbolik, kulturelle Anspielungen und Humor verschmilzt.

Der Band gibt einen Überblick über Stefan Rincks eigensinnige künstlerische Entwicklung und dokumentiert zudem mehr als dreißig neu geschaffene Skulpturen. Spröder, lehmfarbener Elbsandstein, farbintensiver blauer Macauba- oder grüner Atlantis-Quarzit, schneeweißer Statuario-Marmor: Zweifellos sind Rincks Skulpturen keine Leichtgewichte. Und doch erscheinen sie wie federleichte Fantasien, in denen der Bildhauer Facetten der High- und Low-Kultur mit Epochen der Kultur- und Kunstgeschichte verwirbelt und ein phantastisches Panoptikum von Figuren schafft.

Text: Max Henry, Michael Hering, Benedikt Ledebur, Christiane Voss.

Ausst. Kat. Staatliche Graphische Sammlung München / Pinakothek der Moderne

Stefan Rinck

Mit monumentalen gestickten Porträts auf Leinwänden wurde er in den 1990ern bekannt, nun stellt dieser Band Enrico Davids Schaffen aus mehr als drei Jahrzehnten vor.

Dieser Band bietet einen detaillierten Überblick über das Oeuvre Enrico Davids, das Textilarbeiten, Malerei, Zeichnungen, Skulpturen und immersive Installationen umfasst und sich immer mit den inneren Dimensionen des Menschseins auseinandersetzt. Arbeiten von den frühen 1990er Jahren bis heute sind ausführlich fotografisch dokumentiert - eine halsbrecherische Reise durch Davids vielfältiges, von Groteske und Karneval, Autobiografie, Theater und Folklore geprägtes künstlerisches Schaffen.

Text: Marianna Vecellio, Federico Campagna, Dawn Ades, and a conversation between Francesco Manacorda and Enrico David.

Ausst. Kat. Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea, Turin

Enrico David. Domani torno

In "Riders of the Buffalo Nations" erkundet der Fotograf Doug Hancock die Jugendkultur der First Nations in den Reservaten von South Dakota und Montana. In eindrucksvollen Bildern zeigt er, wie sich die traditionelle Kultur der indigenen Gemeinschaften im Laufe der Zeit verändert hat. Das Rodeo wird dabei zur Metapher für den täglichen Überlebenskampf in der harten Realität des Reservatslebens. Hancocks Fotografien zeugen von den Herausforderungen und Problemen, mit denen die jugendlichen Protagonist*innen konfrontiert sind, ohne sie auf bloße Opferrollen zu reduzieren. Vielmehr porträtiert er sie in all ihrer Vielschichtigkeit: hoffnungsvoll, nachdenklich, leichtsinnig, ehrgeizig - und voller Möglichkeiten. Riders of the Buffalo Nations ist ein sensibles und kraftvolles Porträt einer jungen Generation, die sich zwischen einem vielschichtigen kulturellen Erbe und einer komplexen Gegenwart behaupten muss.

Riders of the Buffalo Nations

Doug Hancock

Die Publikation erscheint in drei Ausführungen: pro Künstler*in gibt es eine Cover-Variante. Alle Cover-Varianten erscheinen mit derselben ISBN. 

Drei Künstler*innen, die sich mit dem Bild des modernen Menschen, mit Körperlichkeit und Identität auseinandersetzen, treten erstmals in Dialog.

Die Publikation setzt die Werke von Michael Armitage, Maria Lassnig und Chelenge Van Rampelberg erstmals in Beziehung zueinander und beleuchtet die tiefen Verbindungen und faszinierenden Ähnlichkeiten zwischen ihren Positionen. Ausgewählt von Armitage selbst, zeigt sie seine, Skulpturen von Van Rampelberg und Zeichnungen von Lassnig, die in einem außergewöhnlichen Layout aufeinandertreffen, das jeweils drei Werke auf Ausklapptafeln nebeneinander zeigt.

Ed.: Thomas D. Trummer. Text: Michael Armitage, Chelenge Van
Rampelberg, Thomas D. Trummer.

Ausst. Kat. Kunsthaus Bregenz

Michael Armitage / Maria Lassnig / Chelenge van Rampelberg

Poetik, Exegese und Narrative / Poetics, Exegesis and Narrative

Der Golem geht ins Kino - und bleibt dort. Klaus S. Davidowicz spürt dem uralten Mythos des Golems auf der Leinwand nach: vom stummen Wächter Prags bis zur plastinierten Barbie - als Monster, Retter, Erinnerung, Rebellion. Ein faszinierendes Filmbuch, das tief blickt: in jüdische Mystik, kabbalistische Buchstabentänze und moderne Filmikonen wie Blade Runner oder Inglourious Basterds. In der Filmgeschichte wurde ein Wesen aus Lehm und Legende zum Spiegel jüdischer Erfahrung, kultureller Ängste und künstlerischer Visionen. Neben Klassikern analysiert Klaus S. Davidowicz auch viele fast vergessene, überraschende oder bislang übersehene Filme - kenntnisreich, fesselnd und mit einem Gespür für das Magische im Medium Film.

The Golem goes to the movies - and stays there. Klaus S. Davidowicz traces the ancient myth of the Golem across the silver screen: from the silent guardian of Prague to plastinated Barbie - as monster, savior, memory, rebellion. This is a film book that looks deeper: into Jewish mysticism, kabbalistic letter-magic, and modern cinema icons like Blade Runner and Inglourious Basterds. The Golem is more than legend - it's a way of thinking, a mirror, a question posed to creation itself. Davidowicz shows how a creature of clay and myth became a reflection of Jewish experience, cultural anxiety, and artistic vision. Alongside classics he analyzes many forgotten, surprising, or overlooked films - with insight, passion, and a sense for the magical power of cinema.

Körper aus Staub, Blick aus Licht: Der Golem im Kino

American painter James Howell found the subject of his art in the color gray. He explored the color's sensual variety diligently over decades. In 2022, the Josef Albers Museum in Bottrop dedicated an exhibition to Howell presenting his work in the context of Albers' paintings. This catalogue documents this remarkable artistic encounter and explores Howell's work in all its conceptual depth, transcending the seemlingly monothematic of the color gray. His paintings are meditations on the relationship between color and light, based on a refinement of painterly means that, despite their extreme reduction, allow for a paradoxical emphasis on expression.
 
 JAMES HOWELL (1935-2014) was an American artist who dedicated over five decades of his life to working with infinite gradations of gray. From 1968, he mainly created abstract paintings and exhibited them regularly on the West Coast of the United States. In 1983, he moved into a studio located on San Juan Island, WA, where he was surrounded by the continiously shifting grays in the sky, water, and light. This environment undoubtedly influenced his artistic production. In 1992, he moved to New York, where his signature style emerged in the 1990s with his 
 Series 10
 . This series explores gradations of gray, his interests in mathematics, physics, and philosophy. The artist's work transcends mere color and speaks to the interconnectedness of all things.

James Howell: Painting | Malerei

Die dritte Veröffentlichung aus der Edition Lost &amp; Found widmet sich der Perspektive des Tieres. Vierzehn Autor·innen erzählen Geschichten aus Sicht des Hundes, poetisch, wütend, zärtlich und klug. Ausgehend von historischen Fotografien entstehen Fabeln unserer Gegenwart, in denen Hunde sprechen, träumen, lieben und Widerstand leisten.
Mal sind sie stille Zeugen menschlicher Gewalt, mal Verbündete oder Spiegel unserer Sehnsüchte. So entsteht ein vielstimmiges Porträt des Zusammenlebens von Mensch und Tier - ein literarisches Experiment über Empathie, Macht und Zugehörigkeit.
Dog days ist eine Sammlung von Tiergeschichten, die sich der Perspektive des Hundes verschreibt und die Leser·innen einlädt, das Foto ganz neu zu betrachten.

Kurzgeschichten aus der Perspektive des Hundes

dog days

"Der Zufall ist das Pseudonym, das der liebe Gott wählt, wenn er inkognito bleiben will." (Albert Schweitzer)


Es heißt, Bücher finden den Leser. Diese Aussage trifft in besonderem Maße auf den lyrischen Bereich und die Kurzprosa zu, da hier Gedanken und die damit einhergehenden Gefühle in äußerst komprimierter Form und oft verbildlicht zum Ausdruck gebracht werden und sehr schnell in Resonanz mit dem Leser gehen.
Entdecke das Buch, das du gerade in den Händen hältst. Vertraue deiner Intuition und schlag es an einer beliebigen Stelle auf. Lass dich überraschen!
Das Gedicht, das in diesem Moment für dich bestimmt ist, wird dich finden. 

Viel Vergnügen beim Findenlassen!

Wenn der Brachvogel ruft, gibt es Regen

Max Beckmann

Autres titres de la collection: Wienands Kleine Reihe der Künstlerbiografien

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