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Hatje Cantz Text

»Ein Baum könnte ein Pinsel sein.«

Katharina Grosse und Klaus Dermutz im Gespräch

When Abdul Rahman Munif embarked on the first extensive study in Arabic about Marwan Kassab Bachi, he mailed the artist asking about how his art emerged, its contextual influences, and timely interpretations. Marwan recorded his answers on seven audio tapes and sent them to Munif, but also started writing his memoirs in Arabic. This book is an anthology of the letters exchanged between two friends, Marwan in Berlin and Munif in Damascus, from 1990 to 2004.

On Friendship

Stopgap Measures presents an exciting selection of essays,
interviews and shorter pieces on the work of American artist
Mike Kelley (1954-2012) written over more than three
decades by the noted art historian and cultural critic John
C. Welchman.

Kelley's provocative career gave rise to some of the most
conceptually and materially diverse work of recent times-
in performance, writing, painting, drawing, sculpture, banners,
multimedia installation, appropriated objects and
images and video, as well as numereous collaborations.
This volume includes reflections on specific works, and features
a signature series of pathbreaking essays on Kelley's
innovations in photography and writing as well as explorations
of major themes in his practice, research and thinking:
physical comedy and verbal humor; memory; popular
culture, dress-up and Americana; the uncanny; imaginative
projection and dark fantasy; appropriation and giving;
authorship and self-construction; and the artist's littleremarked
upon negotiation with the histories of and ideas
about Asia. The book concludes with new essays on Kelley's
engagement with animals and the nonhuman; and on the
refrain disappearances that punctuate Kelley's career set
in relation to specters of social catastrophe and nuclear
annihilation.

Writings on Mike Kelley

Stopgap Measures

-Max Beckmann in den Jahren 1933-1945
-Sein Schaffen als verfemter Künstler
-Emigration und Neuorientierung

Max Beckmann in der Zeit des Nationalsozialismus

Legende und Realität

Where is Charles Simonds? Throughout the 1970s, his

diminutive Dwellings, tiny architectural ruins of an imaginary civilization, could be found throughout the crumbling

infrastructure of downtown New York. Preoccupied with
the relationship between the grown and the built, the
archaeological and the urban, Simonds shared friendship
and ideas with Gordon Matta-Clark and Robert Smithson.
Like Lucy Lippard, with whom he lived during that decade,
Simonds believed in combining art and activism, always
preferring what he called the "real world" to the art world.
Yet despite taking part in many of the seminal exhibitions
and art events of 1970s New York, Simonds has left few
traces on art history. In order to explain Simonds's absence
while simultaneously arguing for his central place within it,

Jules Pelta Feldman reconsiders the decade's self-conception, finding that Simonds exemplifies much of what has

been ignored in 1970s art¿and much of what establishes
it as a unique period of experimentation and possibility.

Charles Simonds and the Seventies

-Internationally leading cultural practitioners in conversation
-Author is a globally networked thought leader and important cultural advisor and curator
-New volume of texts for students, teachers, and the art industry

András Szántó. The Future of the Art World. 40 Dialogues

Katharina Grosse und Klaus Dermutz im Gespräch /Katharina Grosse and Klaus Dermutz in Conversation

»A Tree Could be a Paintbrush.«

Uwe Fleckner nähert sich dem »politischen« Picasso aus
unterschiedlichen Richtungen: Von der Beschlagnahme
seines frühen Gemäldes Die eingeschlafene Trinkerin durch
die Nationalsozialisten bis zur Ikonisierung von Guernica
durch die zeitgenössische Kunst und die aktuelle Protestkultur.
Fleckner interpretiert das Jahrhundertwerk als Antwort
des Künstlers auf franquistische Propagandalügen,
analysiert Picassos Theaterstücks Wie man Wünsche am
Schwanz packt als Reaktion auf die deutsche Besatzung von
Paris und beleuchtet die wichtige Retrospektive im Haus
der Kunst in München 1955. Mit dieser Ausstellung sollte
internationale Kunst in das ehemals nationalsozialistische
Ausstellungshaus einziehen: Werke wie Guernica oder das
Massaker in Korea provozierten ein neues Betrachterverhalten
und trugen so zum Demokratisierungsprozess der
deutschen Bevölkerung bei.

Pablo Picasso gegen den Tod

Yves Klein zählt zu den vielseitigsten Künstlern des
20. Jahrhunderts. Klein war Judoka, experimenteller
Maler und Performer, leidenschaftlicher Leser philosophischer
Abhandlungen und nicht zuletzt auch ein
(nach Thomas McEvilley) »Provocateur«, der seine Vielgestaltigkeit
zum Medium einer zukunftsgerichteten
Kunst machte. Kleins theoretische Texte dokumentieren
die Facetten seiner Arbeit und steigern sie künstlerisch.

 
 
 Der vorliegende Band sammelt seine ästhetischen
Schriften in einer für eine breite Leserschaft zugänglichen
Edition als ein Instrument, um Kleins (Schreib-)
Kunst zu durchdringen.
 
 
 Luca Viglialoro (*1985) ist Professor für Ästhetik, Kunst- und Kulturtheorie an der Hochschule der Bildenden Künste Essen und Autor zahlreicher Abhandlungen im Bereich der Kunst- und Medienphilosophie wie etwa 
 Kiefer. Kunst als Prozess
 (2024) und 
 Die Geste der Kunst. Paradigmen einer Ästhetik
 (2021). Er hat als Übersetzer Schriften von Jean-Luc Nancy und Giorgio Agamben ins Deutsche übersetzt und herausgegeben.

Ästhetische Schriften

Yves Klein

Hans Uhlmann und die Zeichnung im Raum von William Hogarth bis Eva Hesse

Fäden, Drähte, Schnüre, Stäbe

ZERO war ein Neuanfang. Ende der 1950er-Jahre stellten
Heinz Mack, Otto Piene und Günther Uecker die tradierte
Kunst infrage. Das gilt auch für die Mode. Die renommierte
Expertin Barbara Vinken zeigt, dass beide unter
einer Decke stecken, ein konzeptuelles Interesse teilen und
mal spielerisch und witzig, mal verrückt und verschoben
Konventionen über den Haufen werfen. Stets das Performative
in der Kunst betonend, zeigt sich hier die Verbindung
von Objekten aus Licht und Bewegung: von den
Modekreationen von Lucio Fontana und Yves Klein bis hin
zum »ZERO-Kleid«.

Die 2008 in Düsseldorf gegründete ZERO foundation
widmet sich mit dieser Publikation dem gänzlich unerforschten
Thema. Aus interdisziplinärer Perspektive werden
Kunst und Dokumente der ZERO-Avantgarde zusammengetragen,
kontextualisiert und vorgestellt.BARBARA VINKEN (*1960, Hannover) ist seit 2004 Professorin für Allgemeine und Französische Literaturwissenschaft an der Ludwig-Maximilians-Universität München. Die prominente Modetheoretikerin veröffentlichte zuletzt u. a. Ver-kleiden. Was wir tun, wenn wir uns anziehen (2022) und Diva. Eine etwas andere Opernverführerin (2023).

ZERO-Kunst und Mode

Zahllose Künstler feierten im 20. Jahrhundert die Vision einer »vollständigen Erneuerung der menschlichen Sensibilität« (Marinetti). Sie hofften mit ihren Werken Sehende, Hörende, Tastende oder wie auch immer Partizipierende empfindsam zu machen. Das vorliegende Buch richtet sich auf Aspekte wie Identität, Selbsterfahrung, Versagen, Geworfenheit und Scheitern, Blendung, Initiation, Intimität und Distanz, Symbiosen von Mensch und Nicht-Mensch, Empathie und Tod sowie Unendlichkeit. In der damaligen Kunst galt es zugleich mit der Sensibilität als Hoffnungsträger das Menschliche im Menschen zu stärken. Dieses modernistische Ideal kennt keinen gemeinsamen Stil, nur eine kultische Tradition, in der sich jeder spiegeln kann. Diese »Spiegel« heißt es zu befragen.
 Antje von Graevenitz, Professor i. R., lehrte Allgemeine Kunstgeschichte mit dem Schwerpunkt 20./21. Jahrhundert an der Universität zu Köln (1989-2005) und dozierte an der Universität von Amsterdam (1977-1988). Sie promovierte 1973 in München über Barock-Ornamentik, spezialisierte sich aber auf zeitgenössische, anthropologische, ephemere und interdisziplinäre Themen.

Sensibilitätskult in der Kunst des 20. Jahrhunderts

Aus dem Spiegel holen

Mit der Suche nach dem im elterlichen Garten vergrabenen Gorilla beginnt Valérie Favres Reise in die Welt der Imagination, der Fantasien, Alpträume, Erinnerungen und Werke der Kunstgeschichte. Eine Welt, die sie auf ihrem Umweg über Theater und Film lebendig und dann als Malerin, die die Abgründe menschlicher Existenz erkundet, sichtbar werden lässt.

Woher kommt die Dringlichkeit dieser gemalten Bilder, was ist ihre Verbindung zur Biografie, zu politischen und künstlerischen Diskursen? In ihrem Gespräch verlieren sich die Malerin Valérie Favre und der Schriftsteller Axel Ruoff im Labyrinth der Fragen über Malerei, dieser einzigartigen Praxis, die in einer vom Digitalen bestimmten, von Klimawandel und Krieg bedrohten Welt zu einem Akt des Widerstands wird. 
VALÉRIE FAVRE (*1959, Evilard, Schweiz) ist bildende Künstlerin und Professorin für Malerei an der UdK Berlin, ging nach Paris - erst als Schauspielerin, dann um in der zeitgenössischen Kunst mitzumischen. 20 Jahre später mischte sie die Karten neu und lebt seit 1999 in Berlin. Ihr malerisches Werk findet seit den frühen 1990er-Jahren große Beachtung und wird in zahlreichen internationalen Ausstellungen in Museen und Galerien gezeigt.
AXEL RUOFF (*1971, München) studierte Literaturwissenschaft, Philosophie und Kunstgeschichte in Berlin und Aix-en-Provence. Er schreibt Romane und Essays, dreht Filme und arbeitet als Lektor. 2020 war er als DAAD Writer in Residence in Birmingham. 2021 erschien sein Roman IRRBLOCK. Ruoff lebt in Berlin.

MALEREI. Ein Gespräch

Der Sinnsuche-Ratgeber für alle, die sich einen neuen Zugang zu christlicher Spiritualität wünschen. Ein inspirierender Ansatz, die emotionale Seite des Glaubens zu entdecken.Manchmal sind wir im Innersten von etwas bewegt, was sich uns oftmals nicht sofort erschließt. Wer gerührt ist, verliert die Macht über seine Emotionen. Oft sind solche Momente mit Scham verbunden: Trauernde entschuldigen sich für ihre Tränen am Grab, Hochzeitspaare kämpfen vor dem Altar gegen den Ausbruch der Gefühle an. Dabei vergibt man sich so viel, wenn man sich dem Bewegtsein, der Rührung verweigert und sie unterdrückt statt sie zu akzeptieren, ja sogar zu suchen. Theologe Felix Leibrock ist sicher: Auch in unserer Spiritualität braucht es eine größere Offenheit für emotionale Nähe.Jesus war ein Berührer. Er umarmte viele Menschen, denen er begegnete, gab Aussätzigen die Hand, segnete die, die am Rande der Gesellschaft lebten. Seine Worte bewegen Menschen tief im Herzen. Und weil er um die heilende Bedeutung der Berührungen weiß, lässt er sich auch selbst berühren.'Manchmal ist es so, als würde ein Spalt zum Tor des Paradieses kurz offenstehen. Wir lauschen, schnuppern, tasten uns hinein ... Hat uns da für einen Augenblick das Göttliche selbst berührt?'Felix Leibrock

Emotionales Erleben als Weg zum Glück

Göttliches fühlen

Kunsthalle Nürnberg

Theatre of Speaking Objects. Werke aus der Slg. Wilhelm Otto Nachf

Meine Farbenzauber-Malbücher

Tauche den magischen Pinsel ins Wasser und male damit die schwarz-weißen Sommerszenen aus. Wie von Zauberhand werden die Heißluftballons, die Muscheln, das Eis am Stiel und noch viel mehr auf den heraustrennbaren Seiten farbenfroh zum Leben erweckt. Großer Malspaß - ganz ohne Stifte!

Buch inklusive magischem Pinsel – nur noch Wasser nötig – für Kinder ab 6 Jahren

Mein Farbenzauber-Malbuch: Im Sommer

Alle wollen wir mitreden und uns Gehör verschaffen. Und doch gehört mehr dazu, wenn ein Gespräch, ob unter vier Augen oder in großer Runde, ob über alles Mögliche oder über das schwer Sagbare, gelingen soll. Man kann es sogar systematisch üben. Das braucht Zeit, Empathie und Bewusstsein - und ist in jedem Moment möglich.

Die fünf Grundhaltungen einer neuen Gesprächskultur

Von Tulpen, Giraffenherzen und dem Dialog

Die turbulente und wechselhafte Geschichte der Derbys zwischen SpVgg Greuther Fürth und dem dem 1. FC Nürnberg, erzählt vom erfahrenen kicker-Journalisten Harald Kaiser

Mit exklusiv für dieses Buch geführten Interviews mit früheren und aktuellen Spielern sowie Funktionären der zwei Vereine; besonderes Extra: ein Gespräch zwischen den Oberbürgermeistern der beiden Städte

Auch heute, in einer Zeit, da das Geld im Fußball über allem zu stehen scheint und die finanzstärksten Klubs die Titel regelmäßig untereinander ausmachen, haben die Lokalderbys nichts an Brisanz und Bedeutung eingebüßt. Über all den legendären Duellen steht das »Spiel der Spiele«, wie der Journalist Hanns Schödel vor rund einem Jahrhundert schrieb: 
Das Derby zwischen dem 1. FC Nürnberg und der SpVgg Fürth (seit 1996 SpVgg Greuther Fürth) ist das traditionsreichste in Deutschland; 274 Mal trafen die Klubs aus den mittelfränkischen Nachbarstädten seit 1904 aufeinander. Spannend und lebendig erzählt der renommierte Nürnberger Fußballjournalist Harald Kaiser die vielen Geschichten, die sich um die Rivalität der beiden Vereine ranken.

Die ewige Rivalität zwischen Club und Kleeblatt

Das Fränkische Lokalderby

<div>"Malcolm Turvey offers an original and persuasive argument for the humanities as an explanatory rather than simply an interpretative enterprise, but one that is irreducible to science. Turvey’s book is notable for its nuanced and judicious evaluation of where scientific explanations can contribute to humanistic explanation and where they lapse into nonsense. It will be profitably read by all scholars and administrators who seek to cultivate the humanities in our scientific age."</div>
<div>&nbsp; —Richard Allen, Chair and Professor of Film and Media Art, City University of Hong Kong</div>
<div>&nbsp;</div>
<div>"In this balanced and compelling apology for humanistic knowledge, Malcolm Turvey engages successfully with work in an impressive range of fields, including epistemology, philosophy of science, aesthetics, cognitive science, sociobiology, evolutionary psychology, literary theory, art history, and cinema studies. I strongly recommend this admirably lucid book, which is clearly the product of decades of sharp-minded reading and reflection."</div>
<div>&nbsp; —Paisley Livingston, Professor Emeritus Department of Philosophy, Lingnan University</div>
<div>&nbsp;</div>
There is currently a vigorous debate in film studies and related disciplines about the extent to which scientific paradigms like evolutionary psychology and neuroscience can explain the cinema and other artforms. This debate tends to devolve into extreme positions, with many film scholars and other humanists insisting that science has little or no role to play in the study of the arts, while a minority contends that it is always needed to fully account for cultural phenomena like film.
Malcolm Turvey advocates for a more moderate position. He argues that, while the sciences can explain much about film and the other arts, there is much about these phenomena that only humanistic methods can account for. He thereby mounts a trenchant defence of the purpose and value of humanistic explanation, one that nevertheless acknowledges and welcomes the legitimate contribution of the sciences to the study of the arts.
Malcolm Turvey is Sol Gittleman Professor in the Department of the History of Art and Architecture at Tufts University and was the founding Director (2015-2021) of Tufts' Film &amp; Media Studies Program. He is also an editor of the journal October.

In Defence of Humanistic Explanation

Film, Art, and the Limits of Science

Hans-Hendrik Grimmling (*1947 in Zwenkau near Leipzig) is one of the most important painters of his generation in Germany, an initiator of the legendary First Leipzig Autumn Salon in 1984, regarded as a milestone exhibition in non-conformist GDR art. For more than 40 years, he has been painting at the fringes of abstraction. He is preoccupied with the experience of letting go, detaching himself from the figurative and the narrative, from East German identity, thus breaking away from predetermined physical forms. Grimmling visualizes his prime concern: the drama, the struggle, and the tragedy of human existence. Large areas, wide swaths and interlinked bands of black stretch across the canvas. The colour black prevails, becoming intoxicating and, for two decades now, the painter's only visual content. This publication is the first monographic work to present Grimmling's complete oeuvre. <ul> <li>Retrospective of a non-conformist GDR artist </li> <li>An overview with works from five decades </li> <li>Exhibition: Kunstmuseum Magdeburg. Kloster Unser Lieben Frauen, 14.09.2014 to 08.02.2025, book launch in January 2025 </li></ul>

Malerei von 1978 bis 2024 / Paintings from 1978 to 2024

Hans-Hendrik Grimmling

Unter den hochtechnologischen Bedingungen der Gegenwart wird Materialität in Wissenschaft wie Kunst zunehmend als Agent aufgefasst, der jenseits bewusster menschlicher Wahrnehmung in ökologischen, digitalen oder neuronalen Umwelten angesiedelt ist. In diesem Zusammenhang bezeichnet der Begriff des nonconscious (N. Katherine Hayles) sowohl Formen computergestützter Erfahrung als auch neuronale körperliche Prozesse. Die Beiträge dieser interdisziplinären Publikation fragen nach den Konsequenzen des Nicht-Bewussten als Werkstoff und Vorstellung für ästhetische Praktiken. So öffnen sie insbesondere die an Vorstellungen von Reflexivität und Intentionalität orientierte Theorie, Geschichte und Praxis zeitgenössischer Kunst für neue kritische Lesarten. <ul> <li>Gibt es eine Kunst ohne Bewusstsein? </li> <li>Neue Lesarten von Theorie und Geschichte zeitgenössischer Kunst </li></ul>

Beiträge zur technologischen Ästhetik der Gegenwart

Kunst ohne Bewusstsein?

Arte

Arte 20

Die Punkte sind zurück: charmant, überraschend und ganz schön bunt! Leg deine Hand auf die Buchseite, schließe die Augen und zähle bis fünf. Jetzt hast du eine Zauberhand! Lass bunte Punkte erscheinen und mische die Farben. Blau und Gelb wird zu Grün, doch es passiert noch viel mehr! Machst du mit? Rot, gelb, blau - los! Wer das Mitmach Buch, den Bestseller des Künstlers Hervé Tullet mag, wird dieses Buch lieben!

Farben Buch

¿ New publication by the celebrated painter
¿ Important representative of contemporary abstraction 
¿ The role of landscape in his work

Sean Scully: The Albee Barn, Montauk

Arte 19

»Ein Baum könnte ein Pinsel sein.«

Informations bibliographiques

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Autres titres de la collection: Hatje Cantz Text

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