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Andere Ästhetik – Koordinaten

Der Band zielt darauf, vormoderne Phänomene von Norm und Abweichung als dynamische Situationen eines Aushandelns des Ästhetischen und als ein ästhetisches Aushandeln zu betrachten. Zwar zielt jede Formulierung einer Norm auf Allgemeingültigkeit, zugleich existiert aber eine Pluralität von Normen und wird ihr Geltungsanspruch durch eine vielfältige Praxis reflektiert und immer wieder neu zur Diskussion gestellt. Die Beiträge dokumentieren die Diskussionen um den Querschnittsbereich "Norm und Diversität" des Tübinger Sonderforschungsbereichs 1391 "Andere Ästhetik".

Der Band zielt darauf, vormoderne Phänomene von Norm und Abweichung als dynamische Situationen eines Aushandelns des Ästhetischen und als ein ästhetisches Aushandeln zu betrachten. Zwar zielt jede Formulierung einer Norm auf Allgemeingültigkeit, zugleich existiert aber eine Pluralität von Normen und wird ihr Geltungsanspruch durch eine vielfältige Praxis reflektiert und immer wieder neu zur Diskussion gestellt. Die Beiträge dokumentieren die Diskussionen um den Querschnittsbereich „Norm und Diversität" des Tübinger Sonderforschungsbereichs 1391 „Andere Ästhetik".

Ästhetisches Aushandeln in der Vormoderne

Norm und Diversität

Die Farbensammlerin

Hatje Cantz Text

Stopgap Measures presents an exciting selection of essays,
interviews and shorter pieces on the work of American artist
Mike Kelley (1954-2012) written over more than three
decades by the noted art historian and cultural critic John
C. Welchman.

Kelley's provocative career gave rise to some of the most
conceptually and materially diverse work of recent times-
in performance, writing, painting, drawing, sculpture, banners,
multimedia installation, appropriated objects and
images and video, as well as numereous collaborations.
This volume includes reflections on specific works, and features
a signature series of pathbreaking essays on Kelley's
innovations in photography and writing as well as explorations
of major themes in his practice, research and thinking:
physical comedy and verbal humor; memory; popular
culture, dress-up and Americana; the uncanny; imaginative
projection and dark fantasy; appropriation and giving;
authorship and self-construction; and the artist's littleremarked
upon negotiation with the histories of and ideas
about Asia. The book concludes with new essays on Kelley's
engagement with animals and the nonhuman; and on the
refrain disappearances that punctuate Kelley's career set
in relation to specters of social catastrophe and nuclear
annihilation.

Stopgap Measures presents an exciting selection of essays,
interviews and shorter pieces on the work of American artist
Mike Kelley (1954–2012) written over more than three
decades by the noted art historian and cultural critic John
C. Welchman.
 Kelley’s provocative career gave rise to some of the most
conceptually and materially diverse work of recent times—
in performance, writing, painting, drawing, sculpture, banners,
multimedia installation, appropriated objects and
images and video, as well as numereous collaborations.
This volume includes reflections on specific works, and features
a signature series of pathbreaking essays on Kelley’s
innovations in photography and writing as well as explorations
of major themes in his practice, research and thinking:
physical comedy and verbal humor; memory; popular
culture, dress-up and Americana; the uncanny; imaginative
projection and dark fantasy; appropriation and giving;
authorship and self-construction; and the artist’s littleremarked
upon negotiation with the histories of and ideas
about Asia. The book concludes with new essays on Kelley’s
engagement with animals and the nonhuman; and on the
refrain disappearances that punctuate Kelley’s career set
in relation to specters of social catastrophe and nuclear
annihilation.

Writings on Mike Kelley

Stopgap Measures

Studien aus dem Warburg-Haus

Die Auseinandersetzung mit Positionen des Skeptizismus wurde in der Kunstgeschichte bisher geführt, indem man Thesen aus der Philosophie auf die Ikonographie von Gemälden bezog. Forschung, die sich mit Skepsis beschäftigte, fragte danach, wie philosophische Texte ihren Niederschlag in Kunstwerken fanden. "Visuelle Skepsis" analysiert stattdessen, wie Bilder aufgrund der ihnen eigenen medialen Struktur zum Ort von performativen Prozessen werden können, die mit den dialogischen Strategien des Skeptizismus vergleichbar sind. Eine Hauptthese lautet, dass dabei Widersprüche und Negationen auftreten, die den Charakter einer medialen Selbstbefragung haben. Bilder können ihren eigenen Status als Erkenntnismedien problematisieren - zum einen ausstellen, zum anderen aber auch in Zweifel ziehen.

Die Auseinandersetzung mit Positionen des Skeptizismus wurde in der Kunstgeschichte bisher geführt, indem man Thesen aus der Philosophie auf die Ikonographie von Gemälden bezog. Forschung, die sich mit Skepsis beschäftigte, fragte danach, wie philosophische Texte ihren Niederschlag in Kunstwerken fanden. „Visuelle Skepsis" analysiert stattdessen, wie Bilder aufgrund der ihnen eigenen medialen Struktur zum Ort von performativen Prozessen werden können, die mit den dialogischen Strategien des Skeptizismus vergleichbar sind. Eine Hauptthese lautet, dass dabei Widersprüche und Negationen auftreten, die den Charakter einer medialen Selbstbefragung haben. Bilder können ihren eigenen Status als Erkenntnismedien problematisieren – zum einen ausstellen, zum anderen aber auch in Zweifel ziehen.

Wie Bilder zweifeln

Visuelle Skepsis

Gemälde, Grafiken, Skulpturen, Textilien und Möbel - Johannes Itten war ein außergewöhnlich vielseitiger Künstler, der während seiner sechs Jahrzehnte dauernden Schaffenszeit auch eine der bedeutendsten Farbenlehren des 20. Jahrhunderts hervorbrachte. Sein künstlerisches Werk wird erstmals wissenschaftlich auf der Basis von 120 000 biografischen Dokumenten und Quellen erschlossen und gegenüber dem Werkverzeichnis von 1972 um mehr als 1000 Werke aus allen Schaffensperioden erweitert. Das dreibändige Werkverzeichnis gibt mit aktuellster Provenienzforschung, Ausstellungs- und Literaturverzeichnis erstmals einen vollständigen Überblick über den künstlerischen Kosmos von Johannes Itten. Christoph Wagner lehrt als Professor für Kunstgeschichte an der Universität Regensburg. Mit seinen Forschungen zum Bauhaus und zur Kunst der Moderne ist er international hervorgetreten. Er ist gewähltes Mitglied der Academia Europaea (London).

Catalogue raisonné Vol.III. Documents and Sources on the Biography. Graphic Work, Sculpture, Tapestries, Furniture. 1888-1967

Johannes Itten

Giovan Pietro Bellori / Le vite de’ pittori scultori ed architetti moderni. Die Lebensbeschreibungen der modernen Maler, Bildhauer und Architekten (hg. Elisabeth Oy-Marra, Tristan Weddigen und Anja Brug)

Begabt, dennoch fleißig, bescheiden, aber voll Künstlerstolz, körperlich wohlgestaltet, doch spielsüchtig - Bellori zeigt am Beispiel des Malers Guido Reni Ideale und Fallstricke eines Künstlerlebens im Barock

Die Zeitgenossen nannten ihn den »Göttlichen« und rühmten die Anmut seiner engelsgleichen Figuren: Ohne Zweifel zählte der aus Bologna stammende Maler Guido Reni (1575-1642) zu den weithin berühmten Künstlern der Epoche. Einflussreiche Persönlichkeiten schätzten und sammelten seine Werke, die ihn als Protagonisten einer der idealen Schönheit verpflichteten Malerei ausweisen. Dass Giovan Pietro Bellori einem solchen Künstler, auf den er sich bereits in seiner Idea-Rede als Zeugen des eigenen Kunstideals berufen hatte, eine Lebensbeschreibung widmen wollte, liegt nahe. Die Fragen aber, wann er an einem entsprechenden Text arbeitete und warum dieser letztlich nicht Teil der gedruckten Sammlung von 1672 werden konnte, lassen sich nicht gänzlich klären. Renis Vita verblieb im Entwurf, wobei sie im Umfang an den gewichtigeren Biographien der Druckausgabe orientiert ist.
Für Bellori steht Renis künstlerische Begabung im Zeichen der grazia, deren Wesen er in detaillierten Werkbeschreibungen nachspürt. Wie Gabriele Wimböck in ihrem Essay zeigt, kondensiert der Autor außerdem seine Quellen, allen voran das zeitgleiche Vitenprojekt des Bolognesers Carlo Cesare Malvasia (1616-1693), zu einem Lebensbild, das Reni zum wichtigsten Erben der Carracci-Schule in Bologna erhebt. Belloris Darstellung von Renis Werdegang verhandelt dabei grundsätzliche Fragen der Ausbildung und sozialen Stellung von Künstlern und arbeitet seine eigenen kunsttheoretischen Vorstellungen heraus.

Begabt, dennoch fleißig, bescheiden, aber voll Künstlerstolz, körperlich wohlgestaltet, doch spielsüchtig - Bellori zeigt am Beispiel des Malers Guido Reni Ideale und Fallstricke eines Künstlerlebens im Barock

Die Zeitgenossen nannten ihn den »Göttlichen« und rühmten die Anmut seiner engelsgleichen Figuren: Ohne Zweifel zählte der aus Bologna stammende Maler Guido Reni (1575-1642) zu den weithin berühmten Künstlern der Epoche. Einflussreiche Persönlichkeiten schätzten und sammelten seine Werke, die ihn als Protagonisten einer der idealen Schönheit verpflichteten Malerei ausweisen. Dass Giovan Pietro Bellori einem solchen Künstler, auf den er sich bereits in seiner Idea-Rede als Zeugen des eigenen Kunstideals berufen hatte, eine Lebensbeschreibung widmen wollte, liegt nahe. Die Fragen aber, wann er an einem entsprechenden Text arbeitete und warum dieser letztlich nicht Teil der gedruckten Sammlung von 1672 werden konnte, lassen sich nicht gänzlich klären. Renis Vita verblieb im Entwurf, wobei sie im Umfang an den gewichtigeren Biographien der Druckausgabe orientiert ist.
Für Bellori steht Renis künstlerische Begabung im Zeichen der grazia, deren Wesen er in detaillierten Werkbeschreibungen nachspürt. Wie Gabriele Wimböck in ihrem Essay zeigt, kondensiert der Autor außerdem seine Quellen, allen voran das zeitgleiche Vitenprojekt des Bolognesers Carlo Cesare Malvasia (1616-1693), zu einem Lebensbild, das Reni zum wichtigsten Erben der Carracci-Schule in Bologna erhebt. Belloris Darstellung von Renis Werdegang verhandelt dabei grundsätzliche Fragen der Ausbildung und sozialen Stellung von Künstlern und arbeitet seine eigenen kunsttheoretischen Vorstellungen heraus.

Das Leben des Guido Reni | Vita di Guido Reni

Demonstrating a wide array of influences-from Chinese calligraphy to Expressionism-Liu Wei's work deals with universal themes of humanity. With a career spanning over thirty years, he has proved a master of rendering human flesh and combining figuration with text and abstraction. Liu Wei's deft grasp of technique and acute awareness of color and composition is evident in his lush landscapes, in which flora and fauna often escape the confines of the canvas and spill out onto the Rococo-style frames. Featuring texts by distinguished specialists in contemporary Chinese art, this first major English-language monograph provides an in-depth look at the historical context and traces his development from his early paintings reflecting disenchantment with political and artistic utopias through the lenses of skepticism and satire, to lush landscapes, striking portraits, and more recent philosophic and contemplative calligraphic works on paper. LIU WEI (*1965, Beijing), studied printmaking at the Central Academy of Fine Arts in Beijing, where he still lives today. He first rose to prominence as a preeminent figure in China's "cynical realism" movement of the 1990s. His paintings have been shown in museum exhibitions and biennials worldwide, including the Museum of Contemporary Art, Sydney, the Singapore Art Museum, the San Francisco Museum of Modern Art, and the Venice Biennale.

Demonstrating a wide array of influences—from Chinese calligraphy to Expressionism—Liu Wei’s work deals with universal themes of humanity. With a career spanning over thirty years, he has proved a master of rendering human flesh and combining figuration with text and abstraction. Liu Wei’s deft grasp of technique and acute awareness of color and composition is evident in his lush landscapes, in which flora and fauna often escape the confines of the canvas and spill out onto the Rococo-style frames. Featuring texts by distinguished specialists in contemporary Chinese art, this first major English-language monograph provides an in-depth look at the historical context and traces his development from his early paintings reflecting disenchantment with political and artistic utopias through the lenses of skepticism and satire, to lush landscapes, striking portraits, and more recent philosophic and contemplative calligraphic works on paper. LIU WEI (*1965, Beijing), studied printmaking at the Central Academy of Fine Arts in Beijing, where he still lives today. He first rose to prominence as a preeminent figure in China’s “cynical realism” movement of the 1990s. His paintings have been shown in museum exhibitions and biennials worldwide, including the Museum of Contemporary Art, Sydney, the Singapore Art Museum, the San Francisco Museum of Modern Art, and the Venice Biennale.

Liu Wei

Orte der Religionen in Eisenstadt

Wo der Glaube wohnt

Hypomnemata / Untersuchungen zur Antike und zu ihrem Nachleben

Die Entscheidungsszene bildet ein konstant vertretenes Gattungselement antiker Epen. Das erste Ziel der Studie besteht darin, die formale Grundstruktur dieses Szenentyps zu erfassen. Im zweiten Schritt beleuchtet sie die narrativen Darstellungsformen, in denen individuelles Entscheiden wiedergegeben wird. Unterschiedliche erzählerische Modi der Bewusstseinspräsentation bewirken, dass der Leser in ganz verschiedener Weise Einblick in die inneren Prozesse einer Figur erhält. In der Gattungsgeschichte finden markante Umbrüche bei der Darstellung von Entscheidungen statt. Hierbei erweist sich die Dichtung nicht als eine autonome Form der Kunst, vielmehr führen Entwicklungen im philosophischen und politischen Diskurs zur Innovation epischer Strukturen und Motive. Die Notwendigkeit der Entscheidung stellt sich verschiedenen Instanzen der Erzählung - den Figuren, dem Erzähler oder dem Autor. Innerer Zwiespalt vermag es auch, den Leser mit besonderer Intensität zu involvieren.

Die Entscheidungsszene bildet ein konstant vertretenes Gattungselement antiker Epen. Das erste Ziel der Studie besteht darin, die formale Grundstruktur dieses Szenentyps zu erfassen. Im zweiten Schritt beleuchtet sie die narrativen Darstellungsformen, in denen individuelles Entscheiden wiedergegeben wird. Unterschiedliche erzählerische Modi der Bewusstseinspräsentation bewirken, dass der Leser in ganz verschiedener Weise Einblick in die inneren Prozesse einer Figur erhält. In der Gattungsgeschichte finden markante Umbrüche bei der Darstellung von Entscheidungen statt. Hierbei erweist sich die Dichtung nicht als eine autonome Form der Kunst, vielmehr führen Entwicklungen im philosophischen und politischen Diskurs zur Innovation epischer Strukturen und Motive. Die Notwendigkeit der Entscheidung stellt sich verschiedenen Instanzen der Erzählung – den Figuren, dem Erzähler oder dem Autor. Innerer Zwiespalt vermag es auch, den Leser mit besonderer Intensität zu involvieren.

Erzählerische Darstellungen des inneren Zwiespalts von Vergil bis Silius Italicus

Entscheidungsszenen im römischen Epos

For 125 years, the Museum of Decorative Arts (Kunstgewerbemuseum) at Dresden's Pillnitz Palace has been home to a treasure trove of Japanese craftsmanship that has remained largely unknown. It consists of 92 cassettes holding more than 15,000 dyeing stencils for textile printing. These so-called katagami were used primarily for fabrics from which the kimonos of samurais were tailored. They show geometric ornaments as well as patterns and motifs depicting elements of nature in virtuoso abstraction, and were handmade from mulberry bark in a lengthy process and engraved using the finest cutting techniques. Fabrics decorated with katagami prints came to Europe in the 19th century and soon had a strong influence on fine and applied art as well as emerging industrial design. This ancient technique remains influential today in graffiti and street art, for example in the works of celebrated street artist and political activist Banksy.This opulent book features for the first time around 140 katagami of outstanding quality from the unique Dresden collection. The selection is dedicated to the representation of rain and water, which have been of major spiritual and cultural significance throughout Japan's history. Some 220 illustrations, mainly in full color, are supplemented with essays by international scholars, who explore in detail all aspects of these fascinating works of Japanese applied art.

Highlights from the world’s largest collection of Japanese katagami stencils for dyeing fabrics for kimonos

A Unique Collection of Japanese Katagami Stencils for Dyeing Kimono Fabrics

The Logic of Rain

Das große Wimmelbuch der Kunst

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