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Kertess K: Albert Oehlen - Art Edition

Albert Oehlen - Art Edition

500. Todestag des ersten Universalgenies der Menschheit Maler, Bildhauer, Architekt, Anatom, Mechaniker, Ingenieur und Philosoph - all diese Fähigkeiten vereinte Leonardo da Vinci in seiner Person und gilt damit als der erste Universalgelehrte der Menschheit. Seine "Mona Lisa" fasziniert auch mehr als 500 Jahre nach ihrem Entstehen unzählige Menschen durch ihr rätselhaftes Lächeln. Allein die Zuschreibung des "Salvator Mundi" an ihn oder einen seiner Schüler machte dieses Werk zum teuersten jemals gehandelten Gemälde der Welt. Braucht es mehr Gründe, um aus Anlass seines 500. Todestages im Mai 2019 eine neue Publikation zu Leben und Schaffen dieses Titanen der Kunst zu veröffentlichen? Autor ist mit Alessandro Vezzosi ein ausgewiesener Kenner des OEuvres und der Zeit Leonardos, der mit diesem Band eine sorgfältig erarbeitete Biografie, die mit manchen Irrtümern und Mythen aufräumt, sowie ein komplett überarbeitetes Verzeichnis aller Gemälde vorlegt, inklusive aller aktuellen Zu- und Abschreibungen. Ein weiterer Schwerpunkt seiner Betrachtung liegt in der Beschreibung von Leonardos künstlerischer Arbeitsweise, seiner Werkstattorganisation sowie einem detaillierten Blick auf die einzelnen Gemälde.

500. Todestag des ersten Universalgenies der Menschheit Maler, Bildhauer, Architekt, Anatom, Mechaniker, Ingenieur und Philosoph – all diese Fähigkeiten vereinte Leonardo da Vinci in seiner Person und gilt damit als der erste Universalgelehrte der Menschheit. Seine "Mona Lisa" fasziniert auch mehr als 500 Jahre nach ihrem Entstehen unzählige Menschen durch ihr rätselhaftes Lächeln. Allein die Zuschreibung des "Salvator Mundi" an ihn oder einen seiner Schüler machte dieses Werk zum teuersten jemals gehandelten Gemälde der Welt. Braucht es mehr Gründe, um aus Anlass seines 500. Todestages im Mai 2019 eine neue Publikation zu Leben und Schaffen dieses Titanen der Kunst zu veröffentlichen? Autor ist mit Alessandro Vezzosi ein ausgewiesener Kenner des Œuvres und der Zeit Leonardos, der mit diesem Band eine sorgfältig erarbeitete Biografie, die mit manchen Irrtümern und Mythen aufräumt, sowie ein komplett überarbeitetes Verzeichnis aller Gemälde vorlegt, inklusive aller aktuellen Zu- und Abschreibungen. Ein weiterer Schwerpunkt seiner Betrachtung liegt in der Beschreibung von Leonardos künstlerischer Arbeitsweise, seiner Werkstattorganisation sowie einem detaillierten Blick auf die einzelnen Gemälde.

Die Gemälde. Das komplette Werk

Leonardo da Vinci

Dalla seconda metà dell’Ottocento fino alla Prima Guerra mondiale, la società in Svizzera cambia radicalmente con l’industrializzazione e l’urbanizzazione, lo sviluppo della mobilità e del turismo. Anche il paesaggio si trasforma: l’intensificazione dell’agricoltura, la nazionalizzazione e la protezione dei boschi ne modificano la struttura e l’aspetto.
Il «bel paesaggio» svizzero non corrisponde quindi più all’ideale incontaminato del Settecento, ma la nostalgia di questa visione idillica si combina con il desiderio di realismo e di modernità. Di certo, nella produzione artistica, contano sempre i modelli più antichi, come le vedute olandesi del XVII secolo, così come le tendenze che emergono dai grandi centri europei quali Parigi e Monaco. Tuttavia, mai come allora sono stati determinanti anche le amicizie e gli scambi culturali tra i pittori elvetici, ad esempio la formazione del bernese Ferdinand Hodler presso Barthélemy Menn a Ginevra o il soggiorno del basilese Arnold Böcklin nell’atelier di Gottfried Steffan a Monaco di Baviera. Mettendo in dialogo le opere di questi artisti, la mostra offre la rara possibilità di comprendere i loro rapporti, che superano le frontiere regionali, e di contemplare i loro paesaggi con rinnovata meraviglia e consapevolezza.
 
Con opere di Cuno Amiet, Edoardo Berta, Arnold Böcklin, Alexandre Calame, Gustave Castan, François Diday, Hans Emmenegger, Filippo Franzoni, Otto Frölicher, Jacques-Elie-Abraham Hermanjat, Ferdinand Hodler, Barthélemy Menn, Alexandre Perrier, Luigi Rossi, Giovanni Segantini, Johann Gottfried Steffan, Félix Vallotton, Robert Zünd e altri artisti.

Arte, natura et società in Svizzera 1850-1920

Paesaggi a confronto

Edward Hopper (1882-1967), prominentester Vertreter des Realismus in der amerikanischen Malerei, führte akribisch Buch über jedes einzelne seiner Werke. In Heften, die sich heute im reichen Hopper-Fundus des Whitney Museum of American Art in New York befinden, verzeichnete er, begleitet von Skizzen der ausgeführten oder noch in Betracht kommenden Motive, welche Bilder er gemalt, welche er verkauft hatte, den Eingang von An- bzw. Bezahlungen, die benutzten Malmaterialien und sonstige Sachvermerke. Hoppers Notate zum eigenen Werk gehen jedoch insofern über die tägliche Buchführung eines Künstlers hinaus, als sie persönliche Einblicke in den Schaffensprozess eines als verschlossen und schweigsam bekannten Mannes eröffnen, der sich in seiner Kunst wie kein Zweiter dem Alltäglichen verschrieben hatte. Unser Band stellt ausgewählte Seiten aus Hoppers "Hauptbuch" den betreffenden Gemälden gegenüber und veranschaulicht so das Making-of und das weitere Schicksal von Edward Hoppers großartigem Werk. Den einführenden Text schrieb die in New York lebende Hopper-Spezialistin Deborah Lyons.

Mit Skizzen und Aufzeichnungen aus den Werkstattbüchern des Malers

Ausgewählte Gemälde

Gustav Klimt führte zeit seines Lebens einen künstlerischen Dialog mit den Formen und Farben der Natur. Anlässlich der Eröffnung des weltweit ersten Klimt-Gartens am Attersee widmet die Klimt-Foundation den vierten Band der "Edition Klimt" der sinnlich- emotionalen Naturverbundenheit des Malers. Üppig tragende Obstbäume, blühende Wiesen und mystische Waldeinblicke charakterisieren Klimts Werk abseits honoriger Porträt- und öffentlicher Aufträge und spiegeln wohl auch seine tatsächliche Sehnsucht wider - nach einem sorgenfreien, sinnlich-genussvollen Leben im zauberhaften Gartenparadies, das "einem Sternenhimmel gleicht". Im Fokus dieser Publikation steht Klimts "Kunstnatur" - sei es in seinem Josefstädter Atelier mit Hinterhof-Grünraum, im verwunschenen Künstlergarten im Biedermeier-Atelier in Hietzing oder an seinem motivisch ausgiebigen "Sehnsuchtsort" Attersee. Dass Klimts imposante Pflanzenwelten auch heutzutage noch faszinieren, zeigt der Auktionsmarkt: Sein prachtvoller "Bauerngarten" erreichte zuletzt über 50 Millionen Euro.

Gustav Klimt führte zeit seines Lebens einen künstlerischen Dialog mit den Formen und Farben der Natur. Anlässlich der Eröffnung des weltweit ersten Klimt-Gartens am Attersee widmet die Klimt-Foundation den vierten Band der „Edition Klimt“ der sinnlich- emotionalen Naturverbundenheit des Malers.
Üppig tragende Obstbäume, blühende Wiesen und mystische Waldeinblicke charakterisieren Klimts Werk abseits honoriger Porträt- und öffentlicher Aufträge und spiegeln wohl auch seine tatsächliche Sehnsucht wider – nach einem sorgenfreien, sinnlich-genussvollen Leben im zauberhaften Gartenparadies, das „einem Sternenhimmel gleicht“. Im Fokus dieser Publikation steht Klimts „Kunstnatur“ – sei es in seinem Josefstädter Atelier mit Hinterhof-Grünraum, im verwunschenen Künstlergarten im Biedermeier-Atelier in Hietzing oder an seinem motivisch ausgiebigen „Sehnsuchtsort“ Attersee. Dass Klimts imposante Pflanzenwelten auch heutzutage noch faszinieren, zeigt der Auktionsmarkt: Sein prachtvoller „Bauerngarten“ erreichte zuletzt über 50 Millionen Euro.

Florale Welten

Gustav Klimt

A - Z Reihe

Jene unvergleichliche Melancholie im bildnerischen Werk von Edward Hopper lenkt bisweilen den Blick auch auf biografische Details. An welchen konkreten Orten hat dieser Meister der Einsamkeit gelebt und gewirkt? Was waren die für ihn wichtigen Einflüsse, während er an den großen Bildern Amerikas gearbeitet hat? Ulf Küster geht in diesem wunderbar klug und leicht geschriebenen A bis Z genau den Themen nach, die zugleich viel über den Maler und seine Interessen erzählen und dabei doch nie den Künstler und die gebotene Distanz zu seinen unvergleichlichen Bildern aus dem Blick verlieren.
So flaniert Küster entlang dem ABC von der »Amerikanischen Landschaft« über »Buick«, »Goethe« oder »Schatten und Sonnenlicht« bis zum Stichwort »Zeit« durch Leben und Werk von Edward Hopper und öffnet dabei viele neue Türen oder Einsichten, die wiederum den Blick auf Hoppers Bilder bereichern und neue Lesarten ermöglichen. Ein ebenso unterhaltsames wie informatives Buch.EDWARD HOPPER (1882-1967) ist der Meister des Amerikanischen Realismus. In seinen Gemälden fing er das Leben seiner Zeit ein. Seine Malweise wurde schnell zum stilbildenden Ausdruck einer amerikanischen Moderne. Als Inspirationsquelle für zahlreiche Maler, Fotografen und Filmemacher übt sein Werk bis heute großen Einfluss aus.Der Kunsthistoriker ULF KÜSTER (*1966, Stuttgart) arbeitet seit 2004 bei der Fondation Beyeler in Riehen. Er kuratiert international beachtete Ausstellungen und verfasst zahlreiche Publikationen. Bei Hatje Cantz erschien u.a. sein Text zu Louise Bourgeois in der Reihe Kunst zum Lesen.

Entdecken Sie Edward Hopper aus einer neuen Perspektive! In diesem kompakten Band der Hatje Cantz Reihe A–Z bietet Ulf Küster einen faszinierenden Einblick in das Leben und Werk eines der bekanntesten Maler Amerikas. Hopper ist bekannt für seine einzigartigen Darstellungen der amerikanischen Landschaft, die oft von einer unvergleichlichen Melancholie geprägt sind.Was Sie schon immer über Edward Hopper wissen wollten Dieser A–Z-Band gewährt tiefe Einblicke in die biografischen und künstlerischen Aspekte von Hoppers Werk. Küster geht auf die Orte ein, die Hopper prägten, und beleuchtet die Einflüsse, die seinen ikonischen Malstil formten. Vom „Amerikanischen Landschaftsbild“ über „Goethe“ bis hin zu „Schatten und Sonnenlicht“ werden Themen behandelt, die die Perspektive auf Hopper und seine Werke bereichern.Ein unverzichtbarer Begleiter für Kunstliebhaber und Hopper-FansKlare und verständliche Erklärungen zu Hoppers Kunst und LebenNeue Einsichten, die den Blick auf Hoppers Werke erweiternOb Sie bereits ein großer Fan von Hopper sind oder gerade erst mit seiner Kunst in Berührung kommen – dieses Buch wird Ihre Wahrnehmung seiner Bilder vertiefen und Ihnen helfen, neue Dimensionen in Hoppers Welt zu entdecken.Hatje Cantz A–Z – Kunstgeschichte kompakt und inspirierendDie Hatje Cantz Buchreihe A–Z bringt große Künstlerinnen und Künstler der Kunstgeschichte in kompakter, unterhaltsamer Form näher. Jeder Band bietet biografische Einblicke, überraschende Details und spannende Perspektiven auf ihr Schaffen. Mit klarer Struktur und handlichem Format ist die Reihe der ideale Begleiter für Kunstinteressierte, Sammler und Neuentdecker. EDWARD HOPPER (1882–1967) ist der Meister des Amerikanischen Realismus. In seinen Gemälden fing er das Leben seiner Zeit ein. Seine Malweise wurde schnell zum stilbildenden Ausdruck einer amerikanischen Moderne. Als Inspirationsquelle für zahlreiche Maler, Fotografen und Filmemacher übt sein Werk bis heute großen Einfluss aus.Der Kunsthistoriker ULF KÜSTER (*1966, Stuttgart) arbeitet seit 2004 bei der Fondation Beyeler in Riehen. Er kuratiert international beachtete Ausstellungen und verfasst zahlreiche Publikationen. Bei Hatje Cantz erschien u.a. sein Text zu Louise Bourgeois in der Reihe Kunst zum Lesen.

Edward Hopper: A–Z

This catalogue for the exhibition at Kunstmuseum Luzern covers the entire oeuvre of the outstanding British artist David Hockney. With more than 80 paintings, drawings, and prints, this life's work spans Hockney's London student years, the 1960s in Los Angeles, the reorientation of his painting in the 1980s, a decade of Yorkshire landscapes, and his most recent, monumental iPad drawings. These works from the Tate's collection form the magical essence of this vast oeuvre, including the double portraits My Parents and Mr and Mrs Clark and Percy, or the iconic A Bigger Splash. The essays illuminate Hockney's socialization in the young queer culture of 1960s England; personal contributions and recollections by Frank Gehry, Marieke Lucas Rijneveld, Ed Ruscha, Christine Streuli, or Ali Smith mark Hockney's great significance for contemporary everyday culture.DAVID HOCKNEY (*1937) spent his childhood in Yorkshire. During his studies at the Royal College of Art, he first attracted public attention in 1961. Since then he has advanced to become one of the most important contemporary artists. In addition to painting, he works as a draftsman, graphic artist, stage designer and photographer.

Dieser Katalog zur Ausstellung im Kunstmuseum Luzern umfasst das gesamte Schaffen des herausragenden britischen Künstlers David Hockney. Mit mehr als 80 Gemälden, Zeichnungen und Druckgrafiken spannt sich das Lebenswerk aus Hockneys Londoner Studienzeit über die 1960er-Jahre in Los Angeles, die Neuausrichtung seiner Malerei in den 1980er-Jahren, einem Jahrzehnt mit Landschaften aus Yorkshire bis hin zu seinen jüngsten, monumentalen iPad-Zeichnungen. Diese Werke aus der Sammlung der Tate bilden die magische Essenz dieses großen Œuvres, darunter die Doppelporträts My Parents und Mr and Mrs Clark and Percy oder das ikonische A Bigger Splash. Die Essays beleuchten Hockneys Sozialisation in der jungen Queer Culture Englands der 1960er-Jahre; persönliche Beiträge und Erinnerungen von Frank Gehry, Marieke Lucas Rijneveld, Ed Ruscha, Christine Streuli oder Ali Smith markieren Hockneys große Bedeutung für die zeitgenössische Alltagskultur.DAVID HOCKNEY (*1937) verbrachte seine Kindheit in Yorkshire. Während seines Studiums am Royal College of Art zog er 1961 erstmals öffentliche Aufmerksamkeit auf sich. Seitdem avancierte er zu einem der bedeutendsten Künstler der Gegenwart. Neben der Malerei arbeitet er als Zeichner, Grafiker, Bühnenbildner und Fotograf.

Moving Focus

David Hockney

40th Edition

Bis zum heutigen Tag hat das Werk Jean-Michel Basquiats (1960-1988) nichts von seiner Frische, Spontaneität und Kraft eingebüßt. Der Künstler trat erstmals in den späten 1970er-Jahren in der New Yorker Kunstszene unter dem tag-Namen SAMO in Erscheinung, als er sarkastische Kommentare und Gedichtfragmente an die Wände der Stadt sprühte. Als diese Untergrundszene, geprägt von Street-Art, HipHop, Post-Punk und DIY-Filmemachern, in immer etabliertere Kreise vordrang, fand Basquiats ausdrucksstarke Malerei große Beachtung in der Kunstwelt. Bereits 1981 war er in wichtigen New Yorker Galerien vertreten und bald danach weltweit ein Begriff. 1983 begann seine Zusammenarbeit mit dem damals größten Star der Kunstszene, Andy Warhol, und 1985 zierte Basquiat das Titelbild des New York Times Magazine. Als er im Alter von nur 27 Jahren starb, war er einer der erfolgreichsten Künstler seiner Zeit.

Basquiats persönlicher, expressiver Stil setzt sich aus groben Figurzeichnungen und ins Bildfeld integrierten Wörtern und Phrasen zusammen. Inspiriert von den Stars des Jazz, berühmten Boxern oder Basketballspielern, enthält sein Werk eine Vielzahl von Verweisen auf die Geschichte und Politik des street life. So lautete die Antwort Basquiats auf die Frage nach seinen Themen: "Könige, Heldentum und die Straße."

Nach unserem XXL-Bestseller über Leben und Werk Jean-Michel Basquiats erscheint nun zum 40-jährigen Jubiläum von TASCHEN diese leicht gekürzte, kompaktere Ausgabe. Hervorragende Reproduktionen seiner Gemälde, Zeichnungen und Notizbuchskizzen ermöglichen ein genaues Studium von Basquiats verschlungenen Zeichen und gekritzelten Wortfragmenten. Der Band enthält eine Einleitung des Herausgebers Hans Werner Holzwarth zum Künstler sowie einen Essay der Kuratorin Eleanor Nairne über Basquiats Themen und künstlerische Entwicklung. Die reichhaltig illustrierten Kapitel folgen den Lebensjahren des Künstlers, zitieren eigene Aussagen sowie zeitgenössische Rezensionen und erläutern persönliche Hintergründe und den historischen Kontext.


Über die Reihe

TASCHEN ist 40! Seit wir im Jahr 1980 unsere Arbeit als kulturelle Schatzgräber aufgenommen haben, steht TASCHEN für erschwingliche, hochwertige und mitunter tollkühne Publikationen. Ob Kunst oder Körperkult - wir machen's möglich, dass sich Buchwürmer auf der ganzen Welt zu unschlagbaren Preisen ihre eigenen Bibliotheken zusammenstellen. Heute feiern wir unseren 40. Geburtstag und bleiben unserem Motto treu: Die 40th Anniversary Edition versammelt einige der Toptitel unseres Programms in smarten Ausgaben - handliches Format, freundlicher Preis und wie immer mit großer Hingabe produziert.

Bis zum heutigen Tag hat das Werk
 Jean-Michel Basquiats 
 (1960-1988) nichts von seiner Frische, Spontaneität und Kraft eingebüßt. Der Künstler trat erstmals in den späten 1970er-Jahren in der New Yorker Kunstszene unter dem 
 tag
 -Namen SAMO in Erscheinung, als er sarkastische Kommentare und Gedichtfragmente an die Wände der Stadt sprühte. Als diese Untergrundszene, geprägt von 
 Street-Art, HipHop, Post-Punk und DIY-Filmemachern
 , in immer etabliertere Kreise vordrang, fand Basquiats ausdrucksstarke Malerei große Beachtung in der Kunstwelt. Bereits 1981 war er in wichtigen New Yorker Galerien vertreten und bald danach weltweit ein Begriff. 1983 begann seine Zusammenarbeit mit dem damals größten Star der Kunstszene, 
 Andy Warhol
 , und 1985 zierte Basquiat das Titelbild des 
 New York Times Magazine
 . Als er im Alter von nur 27 Jahren starb, war er einer der erfolgreichsten Künstler seiner Zeit.
 
 Basquiats persönlicher, expressiver Stil setzt sich aus groben Figurzeichnungen und ins Bildfeld integrierten Wörtern und Phrasen zusammen. Inspiriert von den 
 Stars des Jazz, berühmten Boxern oder Basketballspielern
 , enthält sein Werk eine Vielzahl von Verweisen auf die Geschichte und Politik des 
 street life
 . So lautete die Antwort Basquiats auf die Frage nach seinen Themen: „Könige, Heldentum und die Straße.“
 
 Nach unserem XXL-Bestseller über Leben und Werk Jean-Michel Basquiats erscheint nun zum 40-jährigen Jubiläum von TASCHEN diese leicht gekürzte, kompaktere Ausgabe. 
 Hervorragende Reproduktionen seiner Gemälde, Zeichnungen und Notizbuchskizzen
 ermöglichen ein genaues Studium von Basquiats verschlungenen Zeichen und gekritzelten Wortfragmenten. Der Band enthält eine 
 Einleitung des Herausgebers Hans Werner Holzwarth
 zum Künstler sowie einen 
 Essay der Kuratorin Eleanor Nairne
 über Basquiats Themen und künstlerische Entwicklung. Die 
 reichhaltig illustrierten Kapitel 
 folgen den Lebensjahren des Künstlers, zitieren eigene Aussagen sowie zeitgenössische Rezensionen und erläutern persönliche Hintergründe und den historischen Kontext.

Jean-Michel Basquiat. 40th Ed

The radical avant-gardist Franz Fedier is one of the most important figures of abstract painting in Switzerland. Yet, he was not only a practicing artist, but also a theoretical thinker. Throughout his life, but especially in his later years, he put his in-depth thoughts on art and being an artist down in writing.
The thematic breadth of the interviews, reflections, and analyses corresponds to the formal character of his texts: from art-theoretical reflections to ironic confrontations with the work of predecessors and contemporaries, or texts of an almost lyrical character, and certainly with moments of humor. From the multitude of these writings, the editors have made a representative selection, which will be juxtaposed with an overview of Fedier's artistic work in the publication around his 100th birthday with illustrations of works from all creative phases.

The radical avant-gardist Franz Fedier is one of the most important figures of abstract painting in Switzerland. Yet, he was not only a practicing artist, but also a theoretical thinker. Throughout his life, but especially in his later years, he put his in-depth thoughts on art and being an artist down in writing.
The thematic breadth of the interviews, reflections, and analyses corresponds to the formal character of his texts: from art-theoretical reflections to ironic confrontations with the work of predecessors and contemporaries, or texts of an almost lyrical character, and certainly with moments of humor. From the multitude of these writings, the editors have made a representative selection, which will be juxtaposed with an overview of Fedier's artistic work in the publication around his 100th birthday with illustrations of works from all creative phases.

Franz Fedier: Gesammelte Schriften

Die in diesem Band veröffentlichten Arbeiten von Jonas C. Haefeli, der sich selbst als "Quartalsmaler" bezeichnet, muten auf den ersten Blick surrealistisch an, sind aber bei genauem Hinsehen vielmehr aus dem Geist des Phantastischen Realismus zu verstehen. Die Wurzeln dieser Stilrichtung liegen im Manierismus der altdeutschen und niederländischen Malerei, im Jugendstil, in der Neuen Sachlichkeit, und auch im Surrealismus. Haefelis Gemälde leben von nur vermeintlich realistischen Fantasieräumen, deren Zugang erst entschlüsselt werden muss. 
Jedem Gemälde ist eine Textseite mit poetischen, (pseudo-)wissenschaftlichen, ironisch zugespitzten oder auch ausgesprochen witzig-absurden Bildzeilen, Zitaten, Zeitungsausschnitten und Miniaturgeschichten gegenüber gestellt. Die hintergründigen Kunstwerke werden auf diese Weise durch noch eine weitere Dimension erläutert, ergänzt oder sogar karikaturistisch überhöht. Diese unterhaltende, informierende oder auch verwirrende Wechselwirkung macht den ganz besonderen Reiz dieses Bildbandes aus.

Die in diesem Band veröffentlichten Arbeiten von Jonas C. Haefeli, der sich selbst als „Quartalsmaler“ bezeichnet, muten auf den ersten Blick surrealistisch an, sind aber bei genauem Hinsehen vielmehr aus dem Geist des Phantastischen Realismus zu verstehen. Die Wurzeln dieser Stilrichtung liegen im Manierismus der altdeutschen und niederländischen Malerei, im Jugendstil, in der Neuen Sachlichkeit, und auch im Surrealismus. Haefelis Gemälde leben von nur vermeintlich realistischen Fantasieräumen, deren Zugang erst entschlüsselt werden muss. 
Jedem Gemälde ist eine Textseite mit poetischen, (pseudo-)wissenschaftlichen, ironisch zugespitzten oder auch ausgesprochen witzig-absurden Bildzeilen, Zitaten, Zeitungsausschnitten und Miniaturgeschichten gegenüber gestellt. Die hintergründigen Kunstwerke werden auf diese Weise durch noch eine weitere Dimension erläutert, ergänzt oder sogar karikaturistisch überhöht. Diese unterhaltende, informierende oder auch verwirrende Wechselwirkung macht den ganz besonderen Reiz dieses Bildbandes aus.

Poetry of the Incredible

Poesie des Absurden

The nature of art is-also-a dialectical one. This statement usually tends to apply to the conversation between the work and its viewer. Lipp&amp;Leuthold, however, do not leave it at that but explode the boundaries between painting and sculpture with inexhaustible wit and élan. It begins with the authorship, which must always be considered in the plural, since it involves two artists. From the first to the last detail, they work closely together, blending and complementing each other in unique ways. The resulting openness of the creative process is reflected in the congenial diversity of form and color as well as in their choice of materials. Each piece is evidence of genuine autonomy and a dynamism that electrifies the process of observation. At the same time each work is the product of an accomplished sense of humor that reveals the aesthetic experience as an exciting process of thinking about art and the market, sense and nonsense. PAUL LIPP (*1977) and RETO LEUTHOLD (*1977) met while they were students at the HGK in Lucerne. Together they explore painting and art history in an intelligent and witty manner. The City of Lucerne's Fine Arts Commission honored the unique esprit of their works in 2020.

Das Wesen der Kunst ist – auch – ein dialogisches. Diese Aussage bezieht sich in der Regel auf das Gespräch zwischen Werk und Betrachtenden. Dabei lassen es Lipp&amp;Leuthold nicht bewenden und sprengen mit unerschöpflichem Witz und Elan die Grenzen der Malerei und Skulptur. Dies beginnt schon bei der Urheberschaft, die man hier immer im Plural zweier Künstler denken muss. Vom ersten bis zum letzten Detail arbeiten sie eng zusammen, kombinieren und ergänzen sich auf einzigartige Weise. Die daraus resultierende Offenheit des Schaffensprozesses spiegelt sich in der kongenialen Form- und Farbvielfalt ebenso wie in der Wahl ihrer Materialien. Jedes Werk zeugt von einer genuinen Eigenständigkeit und von einer Dynamik, die das Sehen elektrifizieren. Und jedes Werk ist zugleich Produkt eines versierten Humors, der das ästhetische Erleben als ein spannendes Nachdenken über Kunst und Markt, Sinn und Unsinn ausweist. PAUL LIPP (*1977) und RETO LEUTHOLD (*1977) lernten sich während ihres Studiums an der HGK Luzern kennen. Gemeinsam setzen sie sich auf intelligente und witzige Art mit Malerei und Kunstgeschichte auseinander. Der einmalige Esprit ihrer Arbeiten wurde 2020 von der Kommission Bildende Kunst der Stadt Luzern ausgezeichnet.

I licked the yellow suit of the sun

Lipp&Leuthold

Nur wenige Künstlerinnen sind in die Kunstgeschichte eingegangen und keine stieg so kometenhaften auf wie die mexikanische Malerin Frida Kahlo (1907–1954). Ihr unverwechselbares Antlitz hielt sie in 
 über fünfzig außergewöhnlichen Selbstporträts
 fest, die seit Generationen bewundert werden. Diese Werke und zahlreiche Aufnahmen namhafter Fotokünstler wie 
 Edward Weston, Manuel und Lola Álvarez Bravo, Nickolas Muray und Martin Munkácsi 
 machten Frida Kahlo zu einer Ikone der Kunst des 20. Jahrhunderts.
 
 Nach einem Unfall in ihrer frühen Jugend entschied sich Frida, Malerin zu werden. Ihre Heirat mit Diego Rivera im Jahr 1929 katapultierte sie an die Spitze der Kunstszene, nicht nur in Mexiko, sondern auch in den Vereinigten Staaten und in Europa. Kein geringerer als 
 André Breton
 lobte ihr Werk und 
 nahm die Malerin in den internationalen Kreis der Surrealisten auf
 . 1939 stellte er ihre Arbeiten in Paris aus, wo Picasso, Kandinsky und Duchamp sie bewunderten.
 
 Dieser großformatige XXL-Band 
 bietet Gelegenheit, Frida Kahlos Gemälden nahe wie nie zuvor zu kommen
 – in brillanten Reproduktionen, in Formaten, die teilweise über die Größe der Originalwerke hinausgehen, und im Zusammenspiel mit berühmten Fotografien. Das Buch präsentiert Werke aus Privatsammlungen, die für die breite Öffentlichkeit schwer zugänglich sind, und zeigt Arbeiten, 
 die bislang als verschollen galten oder seit mehr als 80 Jahren nicht mehr ausgestellt waren
 . Der Band stellt die bisher umfangreichste Studie zu Frida Kahlos Gemälden dar.
 
 Zeichnungen, Tagebuchseiten, Briefe sowie eine u
 mfangreich illustrierte Biografie mit Fotos von Frida, Diego und der Casa Azul
 – Fridas Zuhause – erlauben einen 
 intimen Einblick in Frida Kahlos Leben und ihr künstlerisches Universum
 .

Frida Kahlo. Toute l'œuvre peinte

Der Schweizer Künstler 
 HR Giger (1940-2014)
 wurde vor allem durch die Oscar-prämierte Gestaltung des Monsters für Ridley Scotts Science-Fiction-Horrorfilm 
 Alien
 (1979) berühmt. Im Rückblick betrachtet war dies nur das prominenteste Wesen aus Gigers umfangreichem Arsenal biomechanischer Geschöpfe. Dazu zählen verschmolzene 
 Zwitterwesen von Mensch und Maschine
 , sinnliche Körper, die in mutterleibsartigen Apparaten eingeschlossen sind, und gemalte 
 Dämonen
 , von 
 fantastischer Literatur
 und Gigers Albträumen beflügelt.
 
 
 Diese Bilder verliehen den kollektiven Ängsten seiner Epoche Ausdruck: 
 Angst vor dem Atomkrieg, vor Überbevölkerung und Ressourcenknappheit sowie einer Zukunft, in der das Überleben unserer Körper von Maschinen abhängt.
 Ihre visionäre Kraft spielt mit den Dämonen der Vergangenheit und erzeugt zugleich Mythen für die Zukunft.
 
 
 Diese günstigere Ausgabe basiert auf der umfassenden Monographie, die kurz vor dem unerwarteten Tod des Künstlers begonnen wurde, und huldigt Gigers einzigartiger Vision. Sie erzählt die 
 vollständige Geschichte seines Lebens
 
 und seiner Kunst
 , zeigt seine 
 Skulpturen, die Filmarbeiten und Plattencover mit Kultstatus
 sowie das Erbe, das er in seinem eigenen 
 Künstlermuseum
 in den Schweizer Alpen hinterlassen hat. In einem tiefgründigen Essay setzt sich der Giger-Experte 
 Andreas J. Hirsch
 intensiv mit den Themen von Gigers Werk und seiner Welt auseinander. Zudem enthält das Buch zahlreiche Dokumente aus Gigers Archiv, 
 Zitate von Zeitgenossen und kritische Betrachtungen
 sowie eine 
 ausführliche Biographie
 , die sich auf die Aufzeichnungen des Künstlers stützt.

Der Schweizer Künstler 
 HR Giger (1940–2014)
 wurde vor allem durch die Oscar-prämierte Gestaltung des Monsters für Ridley Scotts Science-Fiction-Horrorfilm 
 Alien
 (1979) berühmt. Im Rückblick betrachtet war dies nur das prominenteste Wesen aus Gigers umfangreichem Arsenal biomechanischer Geschöpfe. Dazu zählen verschmolzene 
 Zwitterwesen von Mensch und Maschine
 , sinnliche Körper, die in mutterleibsartigen Apparaten eingeschlossen sind, und gemalte 
 Dämonen
 , von 
 fantastischer Literatur
 und Gigers Albträumen beflügelt.
 
 Diese Bilder verliehen den kollektiven Ängsten seiner Epoche Ausdruck: 
 Angst vor dem Atomkrieg, vor Überbevölkerung und Ressourcenknappheit sowie einer Zukunft, in der das Überleben unserer Körper von Maschinen abhängt.
 Ihre visionäre Kraft spielt mit den Dämonen der Vergangenheit und erzeugt zugleich Mythen für die Zukunft.
 
 Diese günstigere Ausgabe basiert auf der umfassenden Monographie, die kurz vor dem unerwarteten Tod des Künstlers begonnen wurde, und huldigt Gigers einzigartiger Vision. Sie erzählt die 
 vollständige Geschichte seines Lebensund seiner Kunst
 , zeigt seine 
 Skulpturen, die Filmarbeiten und Plattencover mit Kultstatus
 sowie das Erbe, das er in seinem eigenen 
 Künstlermuseum
 in den Schweizer Alpen hinterlassen hat. In einem tiefgründigen Essay setzt sich der Giger-Experte 
 Andreas J. Hirsch
 intensiv mit den Themen von Gigers Werk und seiner Welt auseinander. Zudem enthält das Buch zahlreiche Dokumente aus Gigers Archiv, 
 Zitate von Zeitgenossen und kritische Betrachtungen
 sowie eine 
 ausführliche Biographie
 , die sich auf die Aufzeichnungen des Künstlers stützt.

HR Giger. 45th Ed

Albert Oehlen - Art Edition

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