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Wie wollen wir in Zukunft leben? Die Arbeit von Paul Hutchinson (geb. 1987 in Berlin, lebt und arbeitet in Berlin) ist intim und unverstellt. In seinen Fotografien zeigt er das Imperfekte, Zufällige und Menschliche urbaner Kultur und Lebensräume. Oft sind es flüchtige Momente und Begegnungen, die eine Grundlage für seine kritische Praxis bieten. In seinem jüngsten Projekt Stadt für Alle sind unzählige Kräne, Bagger und Baustellenschilder die Hauptprotagonisten. Sie sind das Werkzeug für den Umbau von Großstadtkulissen - vor allem in Berlin. Baugruben agieren als Fundament für Abschied und Neuanfang. Werbebanner für Luxusimmobilien konkurrieren mit Protestplakaten, die müde an ausgewaschenen Altbaufassaden hängen. Entstanden ist ein Bilderatlas, der den Wandel von Stadt und die voranschreitende Gentrifizierung kommentiert und damit dem konstanten Gefühl von Bedrohung und dem Verlust von Straßenkultur im innerstädtischen Raum, eine Form gibt. Prozesse, die Hutchinson dokumentiert und textlich begleitet. "The way you look at me, smiling while I'm losing my vision" ist einer dieser Verse, die er mit seinen Bildern verschränkt: ein Interpretationsraum, der uns fragen lässt, was Stadt in Zukunft bedeutet.

Wie wollen wir in Zukunft leben? Die Arbeit von Paul Hutchinson (geb. 1987 in Berlin, lebt und arbeitet in Berlin) ist intim und unverstellt. In seinen Fotografien zeigt er das Imperfekte, Zufällige und Menschliche urbaner Kultur und Lebensräume. Oft sind es flüchtige Momente und Begegnungen, die eine Grundlage für seine kritische Praxis bieten. In seinem jüngsten Projekt Stadt für Alle sind unzählige Kräne, Bagger und Baustellenschilder die Hauptprotagonisten. Sie sind das Werkzeug für den Umbau von Großstadtkulissen – vor allem in Berlin. Baugruben agieren als Fundament für Abschied und Neuanfang. Werbebanner für Luxusimmobilien konkurrieren mit Protestplakaten, die müde an ausgewaschenen Altbaufassaden hängen. Entstanden ist ein Bilderatlas, der den Wandel von Stadt und die voranschreitende Gentrifizierung kommentiert und damit dem konstanten Gefühl von Bedrohung und dem Verlust von Straßenkultur im innerstädtischen Raum, eine Form gibt. Prozesse, die Hutchinson dokumentiert und textlich begleitet. „The way you look at me, smiling while I’m losing my vision“ ist einer dieser Verse, die er mit seinen Bildern verschränkt: ein Interpretationsraum, der uns fragen lässt, was Stadt in Zukunft bedeutet.

Stadt für Alle

(Deutsch/Englisch)

The figurative watercolors of Achim Riethmann (b. London, 1979; lives and works in Berlin) are delineated with great precision and exude a powerful aesthetic appeal. Look again, however, and the semblance of perfection is shattered: fragmented and stripped of their context, the motifs-masked individuals, depictions of plants or technical implements-appear in isolation before white backdrops. Central objects are elided, making voids the focus of the pictures. Riethmann's works address contemporary social and political issues such as the transformation of social structures and value systems or man's position in his natural environment. The fragmentary quality of the drawings moreover reflects our subjective and inevitably incomplete view of reality. This book, the young artist's first extensive monograph, presents a collection of watercolors and installation pieces created since 2009. With essays by Isabelle Meiffert and others and a conversation between the artist and his former teacher Leiko Ikemura.

The figurative watercolors of Achim Riethmann (b. London, 1979; lives and works in Berlin) are delineated with great precision and exude a powerful aesthetic appeal. Look again, however, and the semblance of perfection is shattered: fragmented and stripped of their context, the motifs—masked individuals, depictions of plants or technical implements—appear in isolation before white backdrops. Central objects are elided, making voids the focus of the pictures. Riethmann’s works address contemporary social and political issues such as the transformation of social structures and value systems or man’s position in his natural environment. The fragmentary quality of the drawings moreover reflects our subjective and inevitably incomplete view of reality.
This book, the young artist’s first extensive monograph, presents a collection of watercolors and installation pieces created since 2009. With essays by Isabelle Meiffert and others and a conversation between the artist and his former teacher Leiko Ikemura.

Achim Riethmann

ASR 09/16

Ästhetische Mutationen als malerische Weltentwürfe. Die Protagonist*innen in Stefanie Gutheils (geb. 1980 in Ravensburg; lebt und arbeitet in Berlin) Gemälden sind ihre persönlichen Monster. Sie tauchen auf in Form von Wesen mit Schandmasken, hungrigen Krokodil-Dinosauriern, Katzen, gehäuteten Körpern, Sexclub- Bewohnern, verwurmten Zwitterwesen aus Mensch und Tier oder sympathischen Phallus-Horden. Ihre Raumkompositionen gleichen oft surrealen Mobiles oder Turmbauten, in denen die vielfach geschlechtslosen Figuren zu Gutheils Alter Egos werden. Ihre Dämonen malt sie im handwerklichem Duktus mit groben Pinselstrichen und erhabenen Ölfarbflächen und spannt dabei Referenzen zu den Werken von Picasso, Philip Guston oder Hieronymus Bosch. Neben der politischen Dimension, einer queeren Emanzipation, lässt Gutheil uns teilhaben an kindlichen Fantasiewelten, die sie der trockenen Ernsthaftigkeit heteronormativer Lebensentwürfe gekonnt entgegensetzt. Die umfangreiche Monografie dokumentiert erstmals ihre Arbeitsweise und humorvolle Auseinandersetzung mit den Dämonen unserer Zeit und zeigt Arbeiten aus den Jahren 2008

Ästhetische Mutationen als malerische Weltentwürfe. Die Protagonist*innen in Stefanie Gutheils (geb. 1980 in Ravensburg; lebt und arbeitet in Berlin) Gemälden sind ihre persönlichen Monster. Sie tauchen auf in Form von Wesen mit Schandmasken, hungrigen Krokodil-Dinosauriern, Katzen, gehäuteten Körpern, Sexclub- Bewohnern, verwurmten Zwitterwesen aus Mensch und Tier oder sympathischen Phallus-Horden. Ihre Raumkompositionen gleichen oft surrealen Mobiles oder Turmbauten, in denen die vielfach geschlechtslosen Figuren zu Gutheils Alter Egos werden. Ihre Dämonen malt sie im handwerklichem Duktus mit groben Pinselstrichen und erhabenen Ölfarbflächen und spannt dabei Referenzen zu den Werken von Picasso, Philip Guston oder Hieronymus Bosch. Neben der politischen Dimension, einer queeren Emanzipation, lässt Gutheil uns teilhaben an kindlichen Fantasiewelten, die sie der trockenen Ernsthaftigkeit heteronormativer Lebensentwürfe gekonnt entgegensetzt. Die umfangreiche Monografie dokumentiert erstmals ihre Arbeitsweise und humorvolle Auseinandersetzung mit den Dämonen unserer Zeit und zeigt Arbeiten aus den Jahren 2008

2008-2019

(Deutsch / Englisch)

Faszination an der Verrätselung der Welt In seiner Werkserie Silly Symphonies beschäftigt sich David Moses (geb. 1983 in Bonn; lebt und arbeitet in Berlin) mit der gleichnamigen Walt-Disney-Zeichentrickfilmreihe aus den Jahren 1929-1939. 14 der insgesamt 75 Filme liegen Moses' Malereien zugrunde. Zu jedem von ihnen schuf er seit 2017 eigene Serien. Dabei zerlegt der Ku¿nstler ausgewählte Standbilder und lässt fragmentierte Figuren in Pastellkreide auf leuchtenden Farbflächen auf den großformatigen Leinwänden auftauchen. Es u¿berlappen sich abstrakte Farbfelder und wirbelnde Schraffierungen mit Comicaugen, Pfoten und aufgerissenen Mu¿ndern, dazwischen ein Farbnebel. Die Titel - Moses codiert seine Werke mittels Chiffren und Buchstaben sowie Minutenangaben zu den ausgesuchten Standbildern - verweisen bereits auf die Distan- zierung des Ku¿nstlers von der affrmativen Kraft der Comics. Was bleibt, sind Ausschnitte der Figuren als ästhetische Ankerpunkte, als lose Fragmente in einer ansonsten abstrakten Malerei. Moses befreit seine Held*innen von den pädagogischen wie kulturgeschichtlichen Implikationen durch Farbe, Linie, U¿bermalung und Ausradierung. Es geht ihm nicht um die Handlungen seiner filmischen Vorlagen. Vielmehr ist es die Theatralik der Figuren, die den Ku¿nstler zu seinen archivalischen Auseinandersetzungen inspiriert. Der Katalog erscheint anlässlich der Ausstellung Dirt Track bei der Galerie Russi Klenner in Berlin. Mit einem Essay von Larissa Kikol und einem Ku¿nstlergespräch zwischen David Moses und Linda Peitz. A Fascinating Mystification of the World David Moses's (b. Bonn, 1983; lives and works in Berlin) series Silly Symphonies is an extended study of the string of animated short films of the same title produced by the Walt Disney Studios between 1929 and 1939. For the project begun in 2017, Moses chose 14 of the altogether 75 films, probing each in a dedicated body of paintings. Dismantling selected frames into their components, the artist's large-format canvases feature fragmented figures in pastels on luminous color fields. Areas of abstract composition in solid hues and swirling hachures overlap with comic-strip eyes, paws, and wide-open mouths; a tinted haze wafts over the me^le¿e. The titles-Moses encodes his works with alphanumeric keys and timestamps for the selected frames-already suggest the artist's skepticism concerning the affirmative power of animation. What remains are snippets of characters as aesthetic anchors, disjected members loosely embed- ded in otherwise abstract painting. Through color, line, overpainting, and facement, Moses relieves his heroes and heroines of their pedagogical tenor and cultural-historical baggage. Rather than the plots of his filmic sources, it is the theatricality of the characters that inspires the artist in his engaging expeditions into the media archive. The catalogue is released on occasion of the exhibition Dirt Track at Galerie Russi Klenner, Berlin. With an essay by Larissa Kikol and a conversation between David Moses and Linda Peitz.&nbsp;

Faszination an der Verrätselung der Welt 
 In seiner Werkserie Silly Symphonies beschäftigt sich David Moses (geb. 1983 in Bonn; lebt und arbeitet in Berlin) mit der gleichnamigen Walt-Disney-Zeichentrickfilmreihe aus den Jahren 1929–1939. 14 der insgesamt 75 Filme liegen Moses’ Malereien zugrunde. Zu jedem von ihnen schuf er seit 2017 eigene Serien. Dabei zerlegt der Künstler ausgewählte Standbilder und lässt fragmentierte Figuren in Pastellkreide auf leuchtenden Farbflächen auf den großformatigen Leinwänden auftauchen. 
 
 Es überlappen sich abstrakte Farbfelder und wirbelnde Schraffierungen mit Comicaugen, Pfoten und aufgerissenen Mündern, dazwischen ein Farbnebel. Die Titel – Moses codiert seine Werke mittels Chiffren und Buchstaben sowie Minutenangaben zu den ausgesuchten Standbildern – verweisen bereits auf die Distan- zierung des Künstlers von der affrmativen Kraft der Comics. Was bleibt, sind Ausschnitte der Figuren als ästhetische Ankerpunkte, als lose Fragmente in einer ansonsten abstrakten Malerei. Moses befreit seine Held*innen von den pädagogischen wie kulturgeschichtlichen Implikationen durch Farbe, Linie, Übermalung und Ausradierung. Es geht ihm nicht um die Handlungen seiner filmischen Vorlagen. Vielmehr ist es die Theatralik der Figuren, die den Künstler zu seinen archivalischen Auseinandersetzungen inspiriert. 
 
 Der Katalog erscheint anlässlich der Ausstellung Dirt Track bei der Galerie Russi Klenner in Berlin. Mit einem Essay von Larissa Kikol und einem Künstlergespräch zwischen David Moses und Linda Peitz. 
 A Fascinating Mystification of the World 
 David Moses’s (b. Bonn, 1983; lives and works in Berlin) series Silly Symphonies is an extended study of the string of animated short films of the same title produced by the Walt Disney Studios between 1929 and 1939. For the project begun in 2017, Moses chose 14 of the altogether 75 films, probing each in a dedicated body of paintings. Dismantling selected frames into their components, the artist’s large-format canvases feature fragmented figures in pastels on luminous color fields. 
 
 Areas of abstract composition in solid hues and swirling hachures overlap with comic-strip eyes, paws, and wide-open mouths; a tinted haze wafts over the mêlée. The titles—Moses encodes his works with alphanumeric keys and timestamps for the selected frames—already suggest the artist’s skepticism concerning the affirmative power of animation. What remains are snippets of characters as aesthetic anchors, disjected members loosely embed- ded in otherwise abstract painting. Through color, line, overpainting, and facement, Moses relieves his heroes and heroines of their pedagogical tenor and cultural-historical baggage. Rather than the plots of his filmic sources, it is the theatricality of the characters that inspires the artist in his engaging expeditions into the media archive. 
 
 The catalogue is released on occasion of the exhibition Dirt Track at Galerie Russi Klenner, Berlin. With an essay by Larissa Kikol and a conversation between David Moses and Linda Peitz.&nbsp;

Silly Symphonies Series