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Martinez C: Tarik Hayward

Tarik Hayward

Cahiers d'Artistes

Naturbilder / Images of Nature

Das Buch zeigt erstmals auf, wie die unsichtbare Pflanzenseele in Kunst, Film, Tanz und Wissenschaft Frankreichs dargestellt und mit religiösen und biologischen Konzepten vermischt wurde. Die Bandbreite der Visualisierungen reicht von romantischen Personifikationen im frühen Film über fleischfressende zoomorphe Monster bis zu Ornamenten bei FrantiSek Kupka und Loïe Fuller, die Pflanzenbewegungen zu einem abstrakten Dynamismus stilisierten. Auch der neu erfundene Zeitrafferfilm zeigt das langsame Leben der Pflanzen beschleunigt und schreibt ihnen so Willen und Ausdruck zu. Die Kunst- und Bildgeschichte der postevolutionären anima vegetativa verdeutlicht, dass der vegetabile Animismus Konzeptionen von Natur, Wahrnehmung und Wirkmacht hinterfragt und damit auch den Sonderstatus des Menschen.

Florale Animationen in bildender Kunst, Film und Tanz Frankreichs um 1900

Anima vegetativa

Vor dreißig Jahren begann Laurence Anholt seine beliebte Kinderbuchreihe über große Künstler und Kinder, die sie wirklich kannten. Seither haben sich die Geschichten über Vincent van Gogh, Frida Kahlo, Pablo Picasso, Leonardo da Vinci und viele andere Genies der westlichen Kunst weltweit millionenfach verkauft und waren für viele der Beginn einer lebenslangen Liebe zur Kunst. Die Geschichten wurden in vielen Formen adaptiert, darunter Braille-Ausgaben für blinde und sehbehinderte Kinder, Ballettaufführungen, Operninszenierungen sowie ein Bühnenmusical in Korea.
 
 
 Diese Jubiläumsausgabe enthält neben Anholts farbenfrohen Aquarellillustrationen Dutzende hochwertige Reproduktionen der Künstlergemälde, kindgerechte Künstlerbiografien und interaktive Fragen an die jungen Leser. Jede Geschichte ist eng an die historischen Ereignisse angelehnt und basiert auf umfangreichen Recherchen. In vielen Fällen besuchte Anholt die Häuser und Ateliers der Künstler, wandelte auf ihren Spuren und befragte ihre Verwandten. Er bekam privaten Zugang zu Monets Haus in Giverny und schloss enge Freundschaft mit Sylvette David (heute Lydia Corbett), Picassos berühmtem Mädchen mit dem Pferdeschwanz.
 
 
 Um die Künstler und ihre Welten einem jungen Publikum zugänglich zu machen, verwendet Anholt eine Erzählperspektive, bei der die Ereignisse durch die Augen eines Kindes betrachtet werden, das den Künstler tatsächlich kannte. Auf diese Weise werden die Leser "huckepack" durch die Geschichte geführt und die Künstler, die sonst vielleicht unnahbar erscheinen, zu alltäglichen Menschen. Nebenbei werden wichtige Themen und Werte wie Freundlichkeit, Selbstwertgefühl, Ausdauer, Kreativität und Mut vermittelt.
 
 
 Vielleicht liegt es an Anholts einfühlsamer Erzählweise oder seinen handgefertigten Illustrationen. Vielleicht ist es auch seine Liebe zu Kindern und die Leidenschaft für sein Thema. Was auch immer der Grund sein mag: Eine ganze Generation von Lesern hat durch seine Geschichten eine lebenslange Liebe zur Kunst gefunden - und gibt nun dieses wertvolle Geschenk an ihre eigenen Kinder weiter.
 
 Die folgenden Künstlerinnen und Künstler und ihre Geschichten werden in diesem Band erzählt: Van Gogh und die Sonnenblumen, Frida Kahlo und das mutigste Mädchen der Welt, Cézanne und der Apfeljunge, Picasso und das Mädchen mit dem Pferdeschwanz, Claude Monet und der magische Garten, Opa Chagall erzählt Geschichten, Degas und die kleine Tänzerin, Leonardo und der fliegende Junge.

Small Stories of Great Artists

Josef Albers gilt nicht nur als einer der profiliertesten Künstler des 20. Jahrhunderts, der als Lehrer und Meister am Bauhaus und später am Black Mountain College maßgeblich die Arbeit und den Stil der berühmten Kunstschulen prägte. Er zählte zugleich auch zu den versiertesten Denkern seines Fachs und machte sich als Kunsttheoretiker einen Namen. Im Jahr 1965 führte ihn seine letzte große Vortragsreihe an das Trinity College in Hartford, Connecticut. Seine Vorlesungen bringen all seine Lebens- und Schaffenserfahrung zusammen. Zugleich stellen sie die Quintessenz seiner jahrzehntelangen Auseinandersetzung mit dem Sehen als künstlerischem Wahrnehmungsprozess dar. Der darin anklingende, ganz eigene Idealismus hat bis auf den heutigen Tag nichts an Aktualität und Faszination verloren. Höchste Zeit, den Text auch in deutscher Übersetzung zugänglich zu machen. So lässt sich die schöpferische Kraft und das Denken dieses Ausnahmekünstlers hautnah nachempfinden.JOSEF ALBERS (1888-1976) lernte und lehrte am Bauhaus in Weimar und Dessau. Unter Ludwig Mies van der Rohe war er auch stellvertretender Leiter der Kunstschule in Berlin. Nach der Emigration in die USA lehrte er am Black Mountain College und an der Yale University.

Suchen und Finden / Search Versus Re-Search

Josef Albers

Suhrkamp BasisBibliothek

In seinem 1962 erschienenen, legendären Debüt hat Alexander Kluge Geschichten versammelt, die über die Bruchstelle von 1945 hinweg verlaufen: »Die Erzählungen dieses Bandes stellen aus sehr verschiedenen Aspekten die Frage nach der Tradition. Es handelt sich um Lebensläufe, teils erfunden, teils nicht erfunden; zusammen ergeben sie eine traurige Geschichte.«
 
 Diese Ausgabe der »Suhrkamp BasisBibliothek - Arbeitstexte für Schule und Studium« bietet neben den Texten einen Kommentar, der alle für das Verständnis der Erzählungen erforderlichen Informationen enthält: ein biografisches Porträt des Autors, die Entstehungs-, Text- und Rezeptionsgeschichte, Deutungsansätze, Literaturhinweise sowie detaillierte Wort- und Sacherläuterungen.

Lebensläufe

Kunst

Tomi Ungerer auf der Höhe seiner Zeichenkunst: Die scheinbar schlichten, teilweise nur mit schwarzer Tusche angefertigten Zeichnungen sind jedoch ein Abgrund menschlicher Begierden. Satirisch bis ins Schmerzhafte überzogen, voller boshaftem Witz und absurder Einfälle treffen sie den Leser mit ihrer Klugheit und Hellsichtigkeit ins Mark.

The Underground Sketchbook

Ausgehend von Archivmaterial aus der Studienzeit Ludwig Heinrich Heydenreichs richtet diese Publikation den Blick auf historische Unterrichtsformen im Fach Kunstgeschichte sowie auf die engen Verflechtungen von kunsthistorischer Lehre und Forschung. Heydenreichs Aufzeichnungen machen den Gang eines Hamburger Studenten von der Immatrikulation bis zur Promotion in allen Details nachvollziehbar. Gleichzeitig erlauben sie Einblicke in die Abläufe am Kunsthistorischen Seminar Hamburg sowie an der Kulturwissenschaftlichen Bibliothek Warburg. Der Band enthält Mitschriften der Gotik Vorlesungen Erwin Panofskys (1925/26) ebenso wie detaillierte Aufzeichnungen der Methoden-Übungen Aby Warburgs inkl. aller Referate und auch Bildtafeln, die die Studierenden für ihre Vorträge zu arrangieren hatten.

Ludwig Heinrich Heydenreich und die Kunstgeschichte in Hamburg 1925-1928

Studieren bei Warburg und Panofsky

Studien aus dem Warburg-Haus

Die Auseinandersetzung mit Positionen des Skeptizismus wurde in der Kunstgeschichte bisher geführt, indem man Thesen aus der Philosophie auf die Ikonographie von Gemälden bezog. Forschung, die sich mit Skepsis beschäftigte, fragte danach, wie philosophische Texte ihren Niederschlag in Kunstwerken fanden. "Visuelle Skepsis" analysiert stattdessen, wie Bilder aufgrund der ihnen eigenen medialen Struktur zum Ort von performativen Prozessen werden können, die mit den dialogischen Strategien des Skeptizismus vergleichbar sind. Eine Hauptthese lautet, dass dabei Widersprüche und Negationen auftreten, die den Charakter einer medialen Selbstbefragung haben. Bilder können ihren eigenen Status als Erkenntnismedien problematisieren - zum einen ausstellen, zum anderen aber auch in Zweifel ziehen.

Wie Bilder zweifeln

Visuelle Skepsis

Barbara und Heini Gut

Kniri

Bernard Voita

Melencolia

Lehren als künstlerische Praxis

Set Geografien des Textilen und Heterotopien des Künstlerischen

Art of the United States ist eine wegweisende Anthologie, die drei Jahrhunderte amerikanischer Kunst anhand einer breiten Auswahl historischer Texte vorstellt, darunter u. a. Schriften von Künstler/-innen, Kritiker/-innen, Mäzen/-innen und Literat/-innen. Durch die Zusammenstellung der Texte mit hochwertigen Reproduktionen von Kunstwerken bietet das Buch eine unverzichtbare Grundlage für das Verständnis der bildenden Kunst der Vereinigten Staaten. Erläuternde Einleitungen, kontextbezogene Essays und Karten begleiten die Quellen ebenso wie kurze Texte zu einzelnen epochentypischen Kunstwerken. Die Texte einer Reihe von bekannteren Künstler/-innen und kulturellen Persönlichkeiten - darunter John Adams, Thomas Cole, Frederick Douglass, Mary Cassatt, Edward Hopper, Clement Greenberg und Cindy Sherman - werden ergänzt durch Quellen von bisher weniger bekannten Autor/-innen.

Eine kommentierte Quellenanthologie

Kunst der Vereinigten Staaten 1750–2000

Spielend vereinigte André Butzer europäischen Expressionismus und amerikanische Popkultur und malte sich durch die künstlerischen und politischen Extreme des 20. Jahrhunderts. Mit weitreichenden Vorbildern wie Friedrich Hölderlin, Edvard Munch, Walt Disney oder Henry Ford entwickelte er ein fiktionales Universum, das um die Weltraumkolonie NASAHEIM kreist. Dort wohnt der Friedens-Siemens, ein freundliches Kopf-Wesen, das im Zeitalter des Massenkonsums utopische Ideen mit dem ökonomischen Denken verbindet, während Figuren wie der Wanderer romantische Projektionen und der Schande-Mensch Spiegelbilder der politischen Vergangenheit anbieten. Dieses Universum verleiht Butzers Bildern thematische Tiefe. Als "Hauptdarsteller" des Frühwerks umlagern die Charaktere das sogenannte N-Haus, das Zuhause aller Farben.
 
 
 Kurz nach der Jahrtausendwende befreien sich die Farben und entwickeln ein Eigenleben. Auf großen abstrakten Gemälden entfalten sie sich ungebunden und doch harmonisch ausgewogen. An den äußersten Grenzen der Sichtbarkeit und des Bildes erforscht Butzer in den vermeintlich tiefschwarzen N-Bildern ab 2010 die grundlegenden Dimensionen und Potenziale des malerischen Ausdrucks. Daran anschließend zieht er 2018 nach Kalifornien und malt ganzjährig unter freiem Himmel. Die neuen Gemälde besitzen eine strahlende Frische, umschließen sein gesamtes bisheriges Werk - Farben, abstrakte Formen und Linien, selbst wieder Figuren - und offenbaren ein gereiftes malerisches Denken.
 
 
 Dieses Buch umfasst zum ersten Mal die volle Bandbreite des Gesamtwerks von André Butzer zwischen 1999 und 2023. Dabei nimmt die Entwicklung der Arbeiten eine fast musikalische Dynamik an - von Entfaltung, Rückkehr und Neubeginn. Zwischen den Bildtafeln finden sich Aussagen des Künstlers, die den Hintergrund des Werks aus seiner unverwechselbaren Perspektive beleuchten, ergänzt um Fotografien aus Butzers Archiv. Der einführende Essay von Hans Werner Holzwarth untersucht die unterschiedlichen Phasen des Werks und stellt die Ideen des Künstlers in den größeren kunstgeschichtlichen Zusammenhang nach dem eigentlichen Ende von Abstraktion und Figuration. Vor allem aber bescheinigen die makellosen, großformatigen Abbildungen Butzers Gewandtheit als Kolorist, die ihn zu einem der weltweit anerkanntesten Kunstschaffenden seiner Generation macht.

André Butzer

Tarik Hayward

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